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Diccionario Vintage: Con la «J» Joya o Joyería

joya vintage

Personalmente, para mí, una joya es aquella pieza que por su valor sentimental merece ser considerada como tal, independientemente del valor económico que por los materiales con los que está realizada posea. Sin embargo, la joyería para mí sería el arte de realizar adornos de oro, plata o platino con perlas o piedras preciosas o sin ellas.

Tradicionalmente usada por hombres y mujeres como signo de poder y estatus social, las joyas se asocian más en la actualidad al sexo femenino. Aunque también existen joyas para el uso y disfrute de los hombres, como gemelos, sortijas, brazaletes,…

El valor de una joya se define por la pureza del metal con el que está realizada, así como por el peso, la talla, la pureza y el color de las piezas que forman parte de ella.

joya vintage

Dentro de la joyería me gusta distinguir dos categorías. No es lo mismo hablar de una joya antigua, realizada por entero a mano por un maestro orfebre, que hablar de piezas posteriores y que ya incluyen en su realización algún proceso mecánico.

En 1805 Napoleón Bonaparte encargó a Etienne Nitot el diseño y realización de las joyas para su coronación. Este hecho abrió el camino a la introducción del diseño de joyas en el S.XIX, marcando un antes y un después en la historia de la joyería  moderna. Marcas como  Cartier, Tiffany, Bulgari y Fabergé abrirían sus primeros establecimientos en París, Nueva York, Londres y Moscú. Sería el inicio de lo que podemos llamar la era más productiva del diseño y fabricación de joyas.

Durante todo el siglo XIX se trabajó el oro de 9, 12 y 15 quilates. A partir de 1850 se introdujeron la mecánica en la producción de joyería y se pudieron abaratar algo los costes. Posteriormente, con la revolución industrial, la técnica y materiales cambiaron introduciéndose en la joyería materiales como el acero inoxidable, el titanio, los plásticos, el vidrio, la cerámica o la  madera.

Más adelante hablaremos de la Bisutería, e intentaremos explicar las diferencias fundamentales entre estos dos conceptos.

 

joya vintage

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Moda y Japonismo

japonismo moda

¿Qué es el japonismo?

El interés europeo por el arte japonés se inició en los años 50 del siglo XIX, cuando gracias al comercio con Oriente, comenzaron a circular por  Londres y París, estampas que reproducían grabados japoneses. Pintores, arquitectos y diseñadores, comenzaron a incluir en sus obras el gusto por lo que llamaron japoniseries.

Por tanto, el japonismo es la influencia del arte, la estética y la cultura japonesa en Occidente, especialmente en Europa, a partir de la segunda mitad del siglo XIX.

 

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Algunos años más tarde, gracias a la Exposición Universal de Londres de 1862, el público en general pudo contemplar y tocar por vez primera objetos de artesanía procedentes de Japón. No sería difícil imaginar lo que debieron sentir aquellas mujeres de la burguesía londinense, cuando acudieron para admirar de cerca maravillosos objetos como éstos…

japonismo moda
Abanico. Siglo XIX. Metropolitan Museum, Nueva York

 

que es el japonismo

 

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estilo japones moda

Japonismo y moda

Sin embargo, la implantación del japonismo en la moda femenina, se estableció definitivamente cinco años más tarde, durante la Exposición Universal de París celebrada en 1867. A partir de ese momento, Japón comenzó a exportar masivamente japoniseries creadas exclusivamente por, y para el mercado europeo.

Ellas adoraban vestirse con aquellos brillantes kimonos de seda, y seguir la moda de los retratos al estilo japonés, donde los lucían en los interiores domésticos como atuendo de tocador.

 

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Tanto gustaban las coloristas sedas de los kimonos, que incluso algunos se cortaron para aprovechar el tejido y darles la forma de los vestidos occidentales.

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Los abanicos también causaban furor, y también se fabricaban de forma exclusiva para Europa, llegando a ser objetos apreciados por los coleccionistas del siglo XIX, al igual que otros complementos, como zapatillas y bolsos.

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Bolso de piel decorado con motivos japoneses, 1920. Kioto Costume Institute

También las principales tiendas de kimonos de Tokyo, mostraron gran interés por el mercado occidental, ampliando su comercio y elaborando prendas de estilo japonés, aunque adaptadas a las formas europeas.

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La influencia del japonismo en la moda también se notó en la obra de los diseñadores europeos más importantes, quienes a menudo incluían en sus trajes, formas y motivos ornamentales japoneses.

 

japonismo moda

Con el tiempo, el estilo japonés fue relegado al olvido, hasta que en los años 80 del siglo XX, cien años después, creadores como Kenzo, Miyake, Kawakubo o Yamamoto, supieron revalorizarlo y traerlo de vuelta a París, tal y como ocurriera en aquel año de la Exposición Universal de 1867…

Articulo escrito por Karin Wachtendorff, licenciada en Historia del Arte, especialista en Historia del Traje y Catalogación de tejidos históricos.

Ella es nuestra Vintage Blogger de Junio y desde aquí quiero darle las gracias especialmente por la colaboración e invitaros a seguir su fantástico blog » Historia de la Moda y los tejidos».

 

 

 

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Moda Masculina

Saska de Brauw como protagonista de la campaña masculina de Saint Laurent S/S 2013, que el propio fotógrafo y diseñador de la marca Hedi Slimane eligió una mujer para su colección de ropa masculina, en este caso, en teoría, exclusivamente masculina.
Saska de Brauw como protagonista de la campaña masculina de Saint Laurent

 

Cada temporada nos dicen que tenemos como tendencia el estilo masculino y cada temporada vuelve a ser tendencia; llevamos leyendo, viendo y oyendo que es presentado como una novedad en tendencia cada año, como el año anterior..

Cuando sabemos que es un estilo que se sale de las tendencias, es un estilo que nunca se ha ido, que permanece, que nunca ha pasado de moda desde que apareció; eso sí, puede que se llegue a llevar hasta la exageración, verlo en una gran mayoría, en la calle, revistas, etc, etc. Así se podría considerar tendencia, y así también se puede conseguir aborrecerlo, aunque no creo que llegue a pasar.

La Mujer empezó a manifestarse con parte de la indumentaria masculina, como la chaqueta sastre o de influencia militar, eso sí sobre el corsé y falda con el polisón, en pleno paso anticorsé coincidiendo con la “Gran Depresión” entre 1873 y 1890.

Coincidiendo también con el atrevimiento de la mujer en participar en algunos deportes como montar a caballo e ir en bici con sus chaquetas sastres de inspiración masculina, aunque muy femeninas en su corte, llevadas también como trajes de calle. (El “Padre de la Costura”, el modista Charles Frederick Worth, también dio muestras de esta prenda)

Charles Frederick Worth, ca. 1890. The Metropolitan Museum of Art
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Madame Henriette Darras, con chaqueta cerrada inspiración militar Pierre Auguste Renoir (1873)

 

Pero como estilo andrógino apareció a principios de siglo XX, cuando la mujer inició su camino de libertad y emancipación social rechazando los corsés y encorsetamientos.

Lo hemos visto desde la innovadora y revolucionaria escuela de Viena con el movimiento de la Secesión, Secesión de Viena en 1897 gracias a Gustav Klimt y los movimientos liberales. Aunque comenzó a tener éxito a partir de 1908, su verdadero triunfo se manifestó durante los años 20, continuando en los 30, con grandes y excepcionales referencias (no todas iban con traje masculino incluyendo pantalones, la gran novedad, el pantalón, fundamental para completar el estilo masculino), como Coco Chanel, la primera, desde 1912.

4-CC-1912-Coco Chanel en 1912, vestida para asistir a una gala con el curioso traje de un paje de bodas de provincias
Coco Chanel en 1912, vestida con el curioso traje de un paje de bodas de provincias.
5-CC-28-Coco con su amiga Vera Bates en 1928, vestidas con los trajes completos del Duque de Westmiste
Coco con su amiga Vera Bates vestida con los trajes completos del Duque de Westmiste.

 

Louise Brooks en los años 20,

 

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Louise Brooks en los años 20.

 

Marlene Dietrich,desde 1928 hasta los 40

 

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Marlene Dietrich traje masculino con chorrera de encaje por Cecil Beaton
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Marlene Dietrich con «tuxedo» por Schiaparelli en 1928, fotografía Alfred Eisenstaedt para LIFE.

 

Katharine Hepburn desde los 30 y durante toda su vida:

 

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Katharine Hepburn en 1935, Foto Rue des Archives-BCA

 

Se ha dicho que Yves Saint Laurent fue el creador del smoking para la mujer en 1966:

 

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Pero es evidente que se le adelantó Elsa Schiaparelli en 1928 para vestir a Marlene Dietrich, eso sí, para una gran parte de las mujeres y como moda realmente, se puede decir que fue Yves Saint Laurent.

«Quiero encontrar para la mujer el equivalente del traje masculino» Yves Saint Laurent.

Esta «tendencia» continuó en los años 70, 80….hasta ahora, nunca ha desaparecido.

La seguimos viendo desde que empezó el siglo XXI, ejemplos como las colecciones presentadas para la primavera/verano de 2013, como el de Stella McCartney, muy ochentera, con enormes hombreras, y no es la primera vez que presenta esta línea de chaquetas tan 80´s.

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La nueva firma de Yves Saint Laurent convertida en “Saint Laurent”.

 

Artículo escrito por Mariló Mascuñán  diseñadora y profesora de diseño podéis seguir todo su trabajo en “Como Vestimos” su blog más personal.

Mil gracias por la colaboración de este mes en nuestra sección Vintage Blogger.

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Philippe Halsman

Este mes la protagonista ha sido Sylvia Parés, de El Objetivo Mágico. Ella eligió a Philippe Halsman como nuestro maestro a replicar en el proyecto fotográfico de abril. Y yo he vuelto a contar con la inestimable ayuda de Mónica Giannini como modelo. La verdad es que si no hubiera sido por ella este reto no habría sido igual. Su implicación este mes ha sido tan entusiasta o más que el mes pasado con Sarah Moon.

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Tampoco puedo dejar de mencionar la colaboración del restaurador Gustavo Santano, que nos preparó, con todo el cariño del mundo, el pájaro de cartón que nos sirvió de atrezzo en la foto de Tipi Hedren, así como la de Rodrigo que se prestó a posar para mí al estilo de Marlon Brandon en sus mejores años.

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Os cuento un poquito más sobre Philippe Halsman, nuestro maestro protagonista de este mes, comenzó su carrera fotográfica en el París de los años 30, usando una innovadora cámara reflex de doble lente que él mismo había diseñado, abriendo su primer estudio en el año 1934.

La caída de Francia en 1940 le obligó a abandonar el país, consiguiendo llegar a los Estados Unidos gracias a la ayuda de Albert Einstein. Allí comenzó una carrera meteórica que le llevo no solo a protagonizar 101 portadas para la prestigiosa revista Life, sino a fotografiar a los más relevantes personajes políticos y sociales de la época. Marylin Monroe, Audrey Hepburn, Grace Kelly, la saga de los Kennedy, … fueron solo algunos de los personajes que posaron para su cámara.

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Halsman colaboró durante treinta y siete años con  Salvador Dalí. Este binomio dio como resultado una oleada de inusuales fotografías, como la serie «Dalí Atomicus» o  «Dalí’s Mustache» . Tuve la suerte de ver algunas de ellas en una exposición el verano pasado en Madrid.

A principios de los 50, Halsman empezó a pedir a sus modelos que en el último momento de la sesión saltaran para su cámara. Estas imágenes exclusivas, agudas y llenas de energía se han convertido en una parte importante de su legado fotográfico.

La decisión de hacer todas las componentes de El Objetivo Mágico una fotografía de un salto, replicando las que realizara Halsman en su estudio, llegó a mitad de mes, y la verdad que ha sido una de las experiencias más divertidas de estos últimos meses.

¡Si tenéis cámara de fotos os animo a que probéis a hacerlo en familia o con amigos!

Os aseguro que las carcajadas están garantizadas…

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Os dejo también aquí el link a nuestro blog común en el que vais a ver el increible trabajo de todas mis compañeras de aventura: El Objetivo Mágico

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Palacio de Santoña

En la Calle Huertas número 13 se yergue imponente el Señorial Palacio de Santoña. Hoy día alberga a la Fundación de la Cámara de Comercio, pero no siempre desempeñó esta función.

Ya en el siglo XVI existió en este terreno un Palacio, ocupado en 1593 por el “príncipe negro” Muley Xeque, bautizado después como Felipe de África;  pero era poco más o menos un caserón cuando lo adquirió en 1731 el Marqués de Goyeneche, banquero de Felipe V e Isabel de Farnesio, y que escogió para su remodelación a Pedro de Ribera, artífice del edificio imponente de ladrillo y piedra blanca de Colmenar de Oreja que admiramos actualmente.

El Palacio de Santoña conoció su esplendor bajo el duque del mismo nombre, que era, a la sazón Don Juan Manuel Manzanedo y González, indiano de familia humilde que amasó una fortuna en Cuba, y para quien Alfonso XII creó el título, debido a su gran habilidad en las finanzas, y a su contribución en las mejoras de Madrid.

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El duque residía en Cuba con su hija Josefa, nacida de su relación con Luisa Intentes Serra con quien no llegó a casarse. Una vez se vio sólo allí por el traslado de su hija a París y habiendo conocido a María del Carmen Hernández y Espinosa de los Monteros, con quien contrae matrimonio, vuelve a España, y, tras residir en Cádiz llega a Madrid, donde adquiere como regalo para su esposa el Palacio de los Goyeneche. A partir de ese momento se convierte en el epicentro de la vida social de la aristocracia decimonónica madrileña, lo adaptaron a los gustos de la época, decoración exótica con influencias orientales, Salón de Fiestas, Salón Pompeyano y su famosa rotonda. Esto se debió, entre otras cosas a la dedicación de la duquesa, a la que llamaban familiarmente la “Señá Mariquita Hernández”

La duquesa de Santoña fue mujer piadosa. Hondamente conmovida por la situación de la medicina infantil, impulsó la construcción del Hospital del Niño Jesús; a tal efecto fue la encargada de organizar una rifa con intención de recaudar fondos, denominándola Rifa Nacional del Niño, lo que se sitúa como el primer paso que se dio para el actual sorteo de la Lotería del Niño

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Al morir, el  duque, su hija, heredera de la mayor parte de la inmensa fortuna de su padre, tasada en más de 2000 millones de reales de la época, entabla una larga batalla judicial en la que consigue despojar a su madrastra de los bienes que había recibido, incluido el palacio, con lo que la duquesa viuda queda en la más absoluta indigencia, acogida a la caridad hasta su muerte, el 14 de octubre de 1894. Una lástima, conociendo su carácter afable y piadoso.

La propiedad pasó entonces a José Canalejas, político del partido Liberal, que lo habitó hasta el día de su muerte, el 12 de noviembre de 1912. Su viuda continuó ocupando el palacio hasta su muerte, momento en que pasó a uno de sus sobrinos, que a su vez vendió la propiedad el 6 de junio de 1933 a la Cámara de Comercio e Industria de Madrid, su actual propietaria.

Artículo escrito por María Romero de Cuenca, historiadora del arte, guía cultural y museóloga. Podéis seguir el trabajo de María en sus dos blogs: Arte al Instante y Artendencias.

Ella es nuestra «Vintage Blogger» de marzo y desde aquí la damos las gracias por su colaboración.

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Gilda

Año: 1946

Director: Charles Vidor.

Reparto:

Rita Hayworth (Gilda Mundson Farrell)

Glenn Ford (Johnny Farrell)

George MacReady (Ballin Mundson)

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“Gilda” es Rita Hayworth y Rita Hayworth es ”Gilda”. Independientemente de la trama de la película, más o menos atractiva, Rita Hayworth la absorbe completamente y se adueña del papel protagonista. Toda la película gira en torno a ella, su capacidad para cautivar a los hombre en la película traspasa la gran pantalla, y nos deja a todos enamorados con su belleza, su sensualidad y su carácter.

«Gilda» es un melodrama con una construcción magistral. Con unos diálogos ásperos, cínicos y geniales que la convierte en una obra pieza indispensable del cine negro.

Una obra que no ha perdido nada con los años, que nos habla de la soledad, de la amistad, la avaricia, el amor y la violencia.

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Glenn Ford; que nos tenía acostumbrados a papeles de hombre íntegro, bueno y honrado; se convierte en un animal salvaje absorbido por los celos.

Sin duda, la escena más famosa de la película es el «strip-tease», sin «strip-tease», la escena en la que la Hayworth se quita un guante mientras interpreta la inolvidable canción «Puttheblameon Mame», que por cierto no cantaba ella. Una escena que nos recuerda una vez más cómo Hollywood sabía crear erotismo y sexo, simplemente enseñando un brazo desnudo.

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Aunque quizá no sea una de las mejores películas de la historia  «Gilda» es, sin duda, una obra imprescindible en la historia del cine y Rita Hayworth, en ella, una de las mujeres más bellas y seductoras de la historia.

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Premio del National Film Preservation Board en 2013.

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Curiosidades:

  • Cuando Rita Hayworth abofetea a Glenn Ford, le rompió dos dientes. Verídico. Glenn Ford no se movió hasta que terminó la escena.
  • La foto de Johnny Farrell de niño es, en realidad, la foto del hijo de Glenn Ford.
  • Rita Hayworth tuvo que llevar un corsé durante la filmación de «Puttheblameon Mame», ya que acababa de dar a luz a su primera hija.
  • Las canciones de Rita Hayworth están dobladas. Lamentablemente, su voz resultaba demasiado débil, cosa que amargó a la actriz toda su vida.
  • El vestido sin tirantes que lleva Rita Hayworth, diseñado por Jean Louis, está basado en un vestido de una pintura de «Madame X» (famoso personaje parisino del siglo XIX), pintado en 1884 por John Singer Sargent. Costó 60.000 dólares, una barbaridad de dinero en la época. En abril de 2009 se puso en subasta, pero se retiró por falta de pujas. Misteriosamente, apareció en ebay en septiembre de ese mismo año a un precio de salida de 30.000 dólares. No  puedo deciros lo que pasó con él.
  • La famosa escena del guante ha sido parodiada en multitud de películas, destacando sobre todo la de Jessica Rabbit en «¿Quién engañó a Roger Rabbit?».
  • La película participó en la primera edición del Festival de Cannes junto con «Encadenados», de Hitchcock, que, curiosamente, comparte mucho del argumento (Sudamérica, nazis, una mujer entre dos hombres.

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Gilda completa:

Escenas memorables:

http://youtu.be/4rWpND28Jos

IMÁGENES:

Isabel MJ.Wordpress, Tiendas Fnac.es, Vipareaforcows.Blorgspot, Diario de una Cinefila. WordPress, Desvario Me Causa El Apetito.

 

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Película Casablanca: un clásico para cualquier ocasión

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Año: 1942

Director: Michael Curtiz

Reparto:

Humphrey Bogart: Rick Blane

Ingrid Bergman: Ilsa Lund

Paul Henreid: Victor Laszlo

Claude Rains: Capitán Louis Renault

Conrad Veidt: Mayor HeinrishStrasser.

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Considerada por muchos como una de las mejores películas de todos los tiempos, a pesar de su guion un poco soso; una línea argumental poco creíble; una historia de amor lacrimógena, casi cursi, y unos personajes absolutamente corrompidos: el capitán francés que juega aunque es ilegal, el dueño del club que deja jugar y controla quién gana, el ambiente del club donde todos se compra y se vende al mejor postor…

Casablanca es, sin duda, una película donde los giros argumentales han logrado convertirla en un clásico, ya que se suceden vertiginosamente.

Cuando parece que no va a pasar nada más, sucede algo inesperado. No en vano, el guion se cambiaba cada día, se tardó un tiempo excesivamente largo y una suma de dinero que no paraba de crecer en una película que no se lograba terminar. Los actores llegaban y ni siquiera ellos sabían lo que iban a hacer ese día. Sin ninguna duda, Humphrey Bogart, el cínico Bogart, se convierte en el dueño absoluto de la película. Sólo él podía ser Rick, sólo él podía manejar la situación, resolver el problema y salir indemne del asunto. Sólo Humphrey Bogart podía dejar a la chica después de que ella le dejara tirado como una colilla y además quedar como un auténtico caballero.

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Me ha sido muy complicado quedarme con una sola escena de la película, pero al final me he decidido por la secuencia más emocionante de todas, al menos para mí. Imposible no emocionarse cuando, frente a un grupo de oficiales de la Gestapo cantando el himno nazi en el “Café de Rick”, Laszlo y el resto de clientes franceses se ponen en pie y comienzan a cantar “La Marsellesa”, hasta conseguir que la voz de los alemanes quede reducida a un susurro. Nunca pensé que oír el himno francés me produciría tanta emoción, pero os tengo que reconocer  que se me hizo un nudo en el estómago y se me saltó una lagrimita.

La cinta cuenta con un guión que mezcla a la perfección el suspense, el amor y el humor. El director Michael Curtiz no pierde el pulso ni por un segundo de una historia en la que la química de los protagonistas arrasa con todo. En más de cien años de cine, se puede decir que nadie ha mirado con la pasión que Ingrid Bergman demuestra cada vez que sus ojos se cruzan con los de ese tipo tan duro como vulnerable, llamado Humphrey Bogart.

La entrada de la Bergman en el “Café de Rick” vestida de blanco, con ese precioso broche de brillantes y unos destellantes pendientes a juego que la hacen brillar aún más si cabe es estelar, glamurosa y elegante… simplemente perfecta.

Casablanca película

Inolvidable también el papel de Claude Rains como el ambiguo y cínico inspector de la policía Louis Renault.

Una película perfecta para compartir en una tranquila tarde de domingo, y si es en compañía… mejor que mejor.

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Casablanca Premios:

Oscars (1942): Mejor director, mejor película, mejor guión.

Nominaciones: Mejor actor (Bogart), mejor actor secundario (Claude Rains), mejor fotografía, mejor montaje, mejor banda sonora.

Nominada al mejor DVD clásico en 2003 (edición 60 aniversario) por los DVDX Exclusive Awards.

Premio Sierra al mejor DVD de 2008 de Las Vegas Film Critics Society Awards.

Premio a la mejor película de 1943 del National Board of Review.

Premio a la mejor película en 1989 del National Film Preservation Board.

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Curiosidades de la película Casablanca:

  • En los 80, se envió el guión de la película a ciertos estudios y productoras bajo su primer nombre, «Everybody comes to Rick´s» (Todo el mundo va a Rick´s). Algunos la reconocieron, pero la mayoría no. Muchos alegaron que el guión «no era lo bastante bueno para hacer una película decente», que «estaba obsoleta», con «demasiado diálogo» y «con poco sexo».
  • Muchos de los actores que hicieron de nazis, eran en realidad judíos alemanes huidos del nazismo. A destacar el actor Conrad Veidt que, aunque no era judío, sí era alemán y lucho contra los nazis hasta que tuvo que huir de Alemania por sus actividades en contra del régimen (las SS enviaron un escuadrón para matarle).
  • Para maximizar las ventas en el extranjero, todos los personajes desagradables o «malos» pertenecían a países enemigos. Tal es el caso de «Ferrari» y «Ugarte» que eran italianos.
  • La escena del aeropuerto es falsa. Al estar en tiempos de guerra, por motivos de seguridad, los aeropuertos debían permanecer cerrados por la noche. El avión es una maqueta con enanos a su alrededor, para dar sensación de realismo.
  • Debido a los celos enfermizos de la mujer de Bogart, éste e Ingrid Bergman apenas se hablaron durante el rodaje, a pesar la evidente química existente entre ellos. Ambos estaban a disgusto con la película, pensando que era absurda y con diálogos ridículos. Preguntados más tarde, ambos reconocieron que les hubiera gustado que el final fuera distinto. «Habría estado mejor que nos hubiéramos unido a la resistencia» -comentaría Bogart-.
  • No existían salvoconductos en la Francia de Vichy. Es un invento de los guionistas.
  • En la escena en la que cantan «La Marsellesa», las lágrimas de algunos actores son reales.
  • Nunca se revela porqué Rick no puede volver a Estados Unidos. Los guionistas buscaron motivos, pero al final decidieron dejarlo.
  • Paul Henreid no quería hacer el papel de Victor Laszlo. Pensaba que hacer de secundario arruinaría su carrera de actor de películas románticas.
  • Dooley Wilson (Sam, el pianista) no sabía tocar el piano, era batería profesional. La canción, grabada en directo, la toca un pianista detrás de una cortina, mientras Dooley imitaba los movimientos.
  • En muchas escenas en las que Bogart siempre está más alto que Bergman, el primero está realmente subido en un escalón o llevaba alzas en los zapatos. Otras veces Ingrid Bergman está un poco agachada. Bogart medía 1,74. Bergman un centímetro más.

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  • La escena de la estación de tren de París está «copiada» de «La extraña pasajera».
  • El café «Rick´s» fue la única construcción exclusiva para la película. Debido a restricciones por la guerra, el resto de decorados se cogieron del almacén.
  • Para prepararse para trabajar con Bogart, Bergman vio «El halcón maltés» varias veces.
  • Fue nombrada la mejor película de todos los tiempos por The American Writers Guild en 2009, y en 2007 The American Film Institute la colocó en el tercer puesto, el mismo que también pone Entertainment Weekly.
  • A pesar de la extraordinaria química existente entre los dos protagonistas, nunca volvieron a actuar juntos.
  • Durante el rodaje, un día llamaron a Bogart. Se metió en el Rick´s Café y le dijeron: «Ponte ahí y asiente». No tenía ni idea de para qué tenía que hacer eso. Más tarde, en la película, aparece esta escena cuando da permiso a la banda para que toquen «La Marsellesa».
  • A pesar de lo que se cuenta, jamás se pensó en otro actor que no fuera Bogart para hacer el papel de Rick (Ronald Reagan, decían).
  • En el primer guión de Casablanca (titulado «Everybody comes toRick´s»), Ilsa no era una mujer «virtuosa». Vivía ya casada con un hombre de negocios norteamericano. Era Rick el que la abandonaba y después encuentra. Y cuando ella y Victor llegan a Casablanca ella tampoco está casada con él.
  • El piano de Sam se subastó por más de 600.000 dólares en una subasta en Nueva York en diciembre de 2012.
  • La canción «As time goesby» (El tiempo pasa) no optó al premio Oscar porque estaba escrita hacia años.
  • Cuando el Capitán Renault tira la botella de agua de Vichy a la basura, está haciendo un acto simbólico contra la Francia controlada por los Alemanes de Vichy.

Escenas Memorables:

http://youtu.be/kc02Y4xHWys

Trailer Oficial:

http://youtu.be/TLU41jUnWM4

IMÁGENES:

Ciclos-decine Blogspost, Dr.Macro, Fila siete.com , Fan-Pop.com, Cineweekly.com

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Shakespeare and Company By Claudia Redondo

Shakespeare and Co.

A orillas del Sena, frente a Notre Dame. En el número 37 de la rue de la Bucherie. “Shakespeare and Company” es uno de los lugares más emblemáticos de París, y la librería más famosa del mundo. El punto de encuentro para los amantes de la literatura y del ambiente bohemio.

Librería Shakespeare and Company

Es una librería pequeña. Dos pisos de techo bajo, una “terracita” con dos bancos y un escaparate que no mide más de un par de metros. Es desordenada, pero es un desorden acogedor. El hecho de andar con cuidado de no tropezarte con un libro a cada paso, la madera desgastada de las estanterías, el olor a libro antiguo, las escaleras corredizas, y su aspecto desaliñado diferencian una librería común de un sitio tan hogareño como imprescindible en una visita a París.

Los libros están por todos los rincones. No hay ni un hueco libre. En los alféizares de las ventanas, en los escalones, apilados en el suelo, en cajas de madera e incluso fuera, en la calle. Los hay de todas las épocas: incunables, nuevos o de segunda mano. Cuentos infantiles, novelas o ensayos. Todo en inglés. Muchos se venden a precios más que asequibles por la falta de espacio.

escalera Shakespeare and Co.

Todo el tiempo que te apetezca

Una estrecha escalera de madera sube al segundo piso. No sólo es una librería, también es una biblioteca. “A partir de aquí los libros no se venden, están a tu disposición para que los cojas y los leas todo el rato que te apetezca” indica un cartel, justo al lado de un espacio lleno de cojines. En taburetes de madera, en un viejo sofá verde, o contra una estantería.

Es un espacio totalmente libre para disfrutar de un libro mientras escuchas las teclas de la máquina de escribir o el sonido del piano, que completan el ambiente de sosiego. “Es maravilloso, sientes que te has transportado años atrás nada más entrar”, afirma Marta, una turista española encantada con el descubrimiento.

Sólo hay una dependienta, que apenas se mueve de su cajero. No pregunta si necesitas ayuda, si buscas algo en especial o si te acompaña a la zona de lectura. Deja a los clientes a su libre albedrío tras un amable ‘Bonjour’, formando parte de esa sensación de estar en casa. Quizás tenga algo que ver otro de los carteles con los que sorprende la librería: “no seas rudo con los visitantes, no vaya a ser que sean ángeles disfrazados”, una frase de su creador.

librería Shakespeare and Co. en París

De la Generación Perdida a la “Beat”

El encanto de ‘Shakespeare & Co.’ es obra de George Whitman, quien tuvo claro desde el principio que tendría una actitud acogedora por encima de lo comercial. Pero sus orígenes pertenecen a los años 20, cuando Sylvya Beach era su propietaria. Durante esta etapa, escritores de la Generación Perdida como Hemingway, Fitzgerald  o James Joyce frecuentaban la librería.

Debido al estallido de la II Guerra Mundial,  y, según se cuenta, a que Sylvya Beach no quiso venderle el último libro de Joyce a un oficial alemán, la librería cerró. En  1951, resurgió como centro de cultura literariade la mano de Whitman. Se alojaron en ella escritores de la  “Generación Beat”, los “hippies” de los años 50.

Sus biógrafos aseguran que más de 40.000 jóvenes escritores han dormido entre las paredes de lo que se puede considerar ya un museo literario. Sesenta y dos años después es un gran símbolo de la vida bohemia parisina, y, por supuesto, de literatura.

Shakespeare and Company

Artículo escrito para nuestro Blog por Claudia Redondo Pérez, estudiante de 4º de Periodismo en la Universidad Villanueva y nuestra “Vintage Blogger” de este mes.

Muchas gracias por la colaboración.

Imágenes: @Claudia Redondo

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Ninotchka

Año: 1939

Director: Ernst Lubistch, con guión de Billy Wilder

Reparto:

Greta Garbo (Ninotchka)

Melvyn Douglas (León)

Ina Claire (Swana)

Bela Lugosi (Razinin)

Ninotchka es quizá la mejor película de Greta Garbo. Se pasó la vida haciendo papeles dramáticos. Hasta en esta película parece que han pensado que tarde en reírse, ya que pasa un buen rato hasta que la vemos reír a carcajadas en la escena de la caída de Melvyn Douglas de la silla. Puedo imaginarme la que se organizaría el día del estreno, la escena debió causar una estrepitosa carcajada en todos los cines de la época.

La Garbo demostró en esa escena que no solamente estaba preparada para interpretar escenas dramáticas, demostró, como sólo una actriz de su categoría podía, que era más que capaz de hacer reír a carcajadas.

Crítica mordaz al sistema comunista en los arranques de la revolución bolchevique, sólo Ernst Lubitsch y Billy Wilder, ambos exiliados de la barbarie nazi y enormemente belicosos con las doctrinas totalitarias, eran capaces de hacer una película con tal carga de cinismo, picardía y elegancia en una época en la que la Unión Soviética estaba gobernada por Stalin.

Greta Garbo, una de las grandes, con esta interpretación de la “Camarada Ninotchka” nos demuestra que es capaz de pasar de una gélida e inexpresiva afiliada al partido comunista, a la más tierna, picara y divertida de las mujeres del más genuino y excitante París.

Una actriz única de la que disfrutamos en su más puro estado en esta intensa y crítica obra.

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Premios:

  • Nominada al Oscar a la mejor película, mejor actriz (Greta Garbo), mejor guión original y mejor guión adaptado.
  • Premio NBR del National Board of Review en 1939 a una de las mejores 10 películas del año.
  • Premio del National Film Preservation Board en 1990.
  • Segundo premio del New York Film Critics Circle Awards al mejor director y a la mejor actriz.

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Curiosidades:

  • La película utilizó para su promoción el eslogan «¡Garbo se ríe!», en referencia a su primera película sonora donde el eslogan fue «¡Garbo habla! Además, hasta entonces casi no había hecho comedias.
  • Greta Garbo rodó sin maquillaje durante toda la película.
  • Se consideró seriamente contratar a Spencer Tracy para el papel de León. También fueron firmes candidatos Cary Grant, William Powell y Robert Montgomery.
  • Greta Garbo estaba muy nerviosa por hacer una comedia y especialmente en la escena donde aparece borracha, por considerarla excesivamente vulgar.
  • La película fue prohibida en la Unión Soviética y sus estados satélites.
  • Arnold Schwarzenegger estuvo estudiando la actuación de Greta Garbo para prepararse el personaje de Iván Danko para la película «Danko: calor rojo».
  • El sombrero que lleva Greta Garbo, aunque realizado por su sastre habitual, fue diseñado por ella.

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Diálogos para recordar:

  • Ninotchka: No tenemos hombres como usted en mi país.

León: Gracias.

Ninotchka: Por esa razón creo en el futuro de mi país.

  • Ninotchka: ¿Por qué tiene que llevar el equipaje de otro?

Botones: Es mi trabajo, señora.

Ninotchka: Eso no es un trabajo. Es injusticia social.

Botones: Eso depende de la propina.

  • Ninotchka: El último juicio en masa fue un gran éxito. Quedaron menos rusos, aunque mejores.

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  • León: Ninotchka, es medianoche. Medio Paris está haciéndole el amor al otro medio.
  • Ninotchka: Básicamente, no es usted mala persona, pero es el desgraciado resultado de una cultura condenada. Lo siento mucho por usted.

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  • Camarero: ¿Qué va a ser?

Ninotchka: Remolacha cruda y zanahorias.

Camarero: Madame, esto es un restaurante no un huerto

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Vídeos:

Trailer de la película:

Película:

http://vimeo.com/39063669

Imágenes: Cinema.de Imdb.com y Wikipedia

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El Palacio de Liria

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Un paseo por la Historia de España …

Casi cuatro años esperando este momento pero, la verdad, la espera ha merecido la pena. El viernes 10 de mayo, a las 10 de la mañana, tenía una cita muy especial. Acudía a una visita guiada al Palacio de Liria.

Cuando realicé la reserva a medidos del año 2009 nunca imaginé que la lista de espera sería tan larga. En marzo recibía un mail del Patronato de la Casa de Alba anunciándome que tenía cita, y casi hasta se me había olvidado que tenía hecha la reserva después de más de cuatro años esperando.

Debo reconoceros que he estado bastante nerviosa a lo largo de esta última semana, expectante por la llegada de ese momento y por todo lo que iba a encontrarme en esa tan deseada visita.

A las 10 en punto se abrían las puertas del jardín del palacio y nos recibía el guía asignado por el Patronato. Él fue el encargado de darnos todas las explicaciones y aclarar todas nuestras preguntas.

Nada más traspasar las puertas de la entrada principal del palacio, quedas impresionado por el hall de acceso, las escaleras, los techos, las esculturas y cuadros … todo es majestuoso. No sabía muy bien dónde mirar durante el recorrido que nos llevó hasta la primera planta donde nos aguardaban una serie de salones, cada uno de ellos con un nombre muy especial.

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En el primer salón la armadura de gala original del Conde Duque de Olivares -emparentado con la Casa de Alba- la misma que vestía cuando fue retratado por Velázquez. Impresiona verla tan reluciente y tan flamante en un rincón de la sala.

En otro rincón cuelga un facsímil de la sentencia a muerte de María Estuardo, firmada por Isabel I de Inglaterra. Curiosamente la Casa de Alba entroncaría con su familia  siglos después en 1892, a través del 7º Duque de Berwik Carlos Miguel Fitz-James Stuart y Silva, como XIV Duque de Alba.

Desde aquí pasamos al “Salón Italiano”. Volver a admirar el Fray Angélico que había visto en la exposición Casa de Alba en el Palacio de Cibeles, pero ahora ocupando su lugar original es algo muy emocionante. Junto a él un dibujo de un discípulo de Leonardo que no solo me impactó a mí si no que hizo las delicias del resto de los visitantes. Y junto a esta obra maestra, uno de los cuadros preferidos de la actual duquesa: un pequeño Perugino.

Desde aquí al “Salón Goya”, donde nos aguardaban un magistral autorretrato de Mengs, una soberbia colección de miniaturas y, por supuesto, el famoso retrato de María del Pilar Teresa Cayetana de Silva y Álvarez de Toledo, XIII Duquesa de Alba, realizado por Goya. Ya había podido disfrutar de ellos en la exposición de Cibeles, pero sentí la misma emoción que si los viera por primera vez. Como curiosidad, en esta sala aparece la mesa de despacho del emperador  Napoleon III, que  durante la guerra civil española pasó a manos de Serrano Suñer. Nos contaba nuestro guía que costó bastante que fuera devuelta a la Casa de Alba. También en este salón, en aquella época dormitorio, fallecía en 1922 la Emperatriz Maria Eugenia de Montijo, hermana de la que en ese momento era la Duquesa de Alba, y que donó mobiliario y obras a la Casa de Alba, entre ellas la mesa del su esposo Napoleón III anteriormente citada.

Después nos aguardaba el “Salón Flamenco”, en él nos recibe una majestuosa lámpara de porcelana de Meissen, adquirida hace relativamente poco por la actual Duquesa, que ilumina obras de Rubens y Rembrandt y otros famosos pintores flamencos. Sobre la chimenea llama mi atención un impresionante espejo.

PALACIO DE LIRIA

Seguimos recorriendo el pasillo y no sé dónde fijar la mirada: sillas, mesas, espejos, relojes -todos en hora- cientos de figuritas de porcelana y otros materiales encima de los muebles … Todo es abrumadoramente bello. Es como dar un paseo por la Historia de España desde el siglo XIV al que se remonta la Casa de Alba.

Nos cuenta nuestro guía que un relojero acude cada semana a dar cuerda a todos los relojes de palacio y revisar que se encuentren en perfecto estado de marcha, y cómo una de las empleadas de la casa conoce dónde está colocado exactamente cada uno de los objetos de la colección. Algo que me parece increíble ya que los hay en cantidades inimaginables. La colección de porcelanas, miniaturas, marcos, lámparas, apliques, tapices, alfombras es impresionante. De verdad que me quedé sin palabras.

Pasamos al “Salón de Batalla” o “Salón del Gran Duque”. Nos cuenta el guía que es su preferido. Un salón sobrio, masculino, decorado en tonos burdeos y con un impresionante techo dorado traído del castillo de Peñaranda de Bracamonte (me pareció entender). Esta sala es un recorrido por los inicios del Gran Ducado, podemos admirar  una curiosa tabla hispano-flamenca con la figura del Gran Duque de Alba -3er. duque de Alba- pintado por Tiziano, algún retrato del 2º Duque de Alba y entre todos destaca un Rubens, una obra magistral del 2º Duque de Alba, que en este momento se encuentra preparado para viajar a Francia cedido para una exposición en Paris. Sobre las paredes una fantástica colección de tres tapices bruselenses tejidos con hilo de seda y oro -estimando en unos 5 kgs. el peso en oro de cada uno- representando la batalla de Jemmingen.

Después “El Salón Español”, en el que destaca un retrato de la infanta Margarita -una de las famosas meninas- pintada por Velázquez, un Cristo de El Greco, un Zurbarán, un  Murillo y un Ribera… Ya os podéis imaginar que no sabía dónde fijar mi atención ante tanta maravilla.

Desde aquí pasamos al “Salón Zuloaga”, con los dos retratos de los padres de la actual Duquesa y otras obras del famoso pintor vasco. En esta sala se encuentra la otra mesa de despacho legada por Eugenia de Montijo tras su muerte, esta perteneciente a Napoleón Bonaparte. Nos cuentan que ésta se encontraba en el despacho de Francisco Franco en El Pardo, llevada allí tras la Guerra Civil española.  En una audiencia dada al entonces XVII duque de Alba, padre de la actual Duquesa,  este le hizo ver a Franco que esa mesa era suya, lo que pudo demostrar al lograr abrir un cajón secreto que Franco no sabía ni por asomo que existía y que mantenía aún documentación personal del Duque, lo que le permitió recuperarla.

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Terminamos el paseo de los salones en el “Salón de los Amores”, pura decoración de estilo francés e imperio, porcelana de Meissen, de Sevres y una colección de muebles Luis XV impresionante.

Después visitamos al comedor, desde donde podemos admirar el precioso jardín tipo parterre francés y, por último, el “Salón de Baile”. Las paredes de este salón se encuentran presididas por los dos tapices de Eugenia de Montijo y Napoleón III.

Y aquí termina nuestra visita. Casi una hora que no olvidaré nunca. Luego aproveché los cinco minutos que nos dejaron para hacer un par de fotos en los jardines y, por supuesto, a la aldaba de la puerta principal. Pero desgraciadamente, sin querer, borré todas las fotos de ese día con lo que no os puedo dejar ningún testimonio de mi visita.

La visita es gratuita y, aunque la espera nunca se sabe de cuánto tiempo puede ser, os aseguro que merece totalmente la pena.

Imágenes:

Wikipedia y Madrid Ociogo

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La noche de ALALÀ

Para Álex Regueiro y Alfredo Iglesias, directores creativos de ALALÁ, el único escenario posible para presentar su nuevas propuestas era Santiago de Compostela. Precisamente allí donde un camino toca a su fin y se inicia otro nuevo; en el lugar exacto en el que punto de partida y llegada son un mismo lugar.

Con su nueva colección, ALALÁ quiere hacer un homenaje al secular espíritu emprendedor del pueblo gallego, que generación tras generación, sueño a sueño supo ganarse su lugar en el mundo siguiendo su afán de superación.

Ellos nos invitan a adentrarnos en el nuevo mundo de ALALÁ, un auténtico jardín donde cada flor, cada mujer es única y hermosa.

Comprometidos con la idea de la excelencia en el diseño y ejecución de todas y cada una de sus piezas, las creaciones de alta costura de ALALÁ se encuentran a medio camino de la slowfashion y de la ecocouture, por lo que con sus colecciones la firma se distancia de las líneas más consumistas o de producción y se acerca a la moda entendida como obra personal, artística y manual.

Expertos en vestir a mujeres únicas, ALALÁ crea modelos irrepetibles y atemporales, siguiendo siempre las pautas marcadas por la Ecolede la chambre syndicale de lacoutureparisienne.

ALALÁ, primera firma de alta costura gallega, presentará su colección 2014 en el marco de un excepcional evento de moda, que tendrá lugar en Santiago de Compostela el 24 abril de 2013, amadrinado por S.A.R. la princesa de Bulgaria, Carla Royo-Villanova, y presentado por la periodista María Solar.

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Un Pazo, un museo y un chateaux (representando el arte, la cultura y la historia) serán los escenarios de la noche de ALALÁ. Una noche de moda y estilo, pero también una noche símbolo de la lucha y la emprendeduría. Una noche mágica para poner en alza los grandes valores de la moda entendida como costura, pero también una noche inolvidable por su simbología y por grandes dosis de cariño y amistad.

Éste es “El jardín de Carla”, y nosotras vamos a tener el privilegio de compartir y colaborar con este magnífico y exquisito proyecto.

Partimos hacia Santiago de Compostela el miércoles para asistir a la noche ALALA, pudiendo ya aseguraros desde ahora que volveremos cargadas de preciosas imágenes e inolvidables recuerdos.

Os iremos contando…

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¿Quién fue María Montez? «La Reina del Technicolor»

maría montez

Nuestro “Icono Vintage” de septiembre nacía en Barahona (República Dominicana) en 1912 y era bautizada en la iglesia donde se cree que están enterrados los restos de Cristóbal Colón. María Montez fue la primera actriz dominicana en alcanzar la meca de Hollywood.

María Montez

Se crió y pasó su infancia en Tenerife, ya que su padre era canario. Allí se educó en un convento católico. Desde niña soñó con ser actriz y, cuentan, cómo ya siendo muy pequeña sacaba una gran sabana a la puerta de su casa y montaba un escenario improvisado, para representar pequeñas obras de teatro.

Inquieta y soñadora, cuando en los años 30 se mudó a Nueva York, llegó convencida de que su meta principal era convertirse en una famosa  actriz. Para ello, lo primero que hizo fue adaptar su biografía para hacerla más atractiva de cara a la meca del cine. Cambió su nombre por el de María Montez, en homenaje a la bailarina Lola Montez que era la preferida de su padre, e incluso se quitó unos cuantos años para parecer más joven.

Su fuerte acento hispano, su exuberante y latina presencia y su gran belleza contribuyeron a auparla en poco tiempo al estrellato. Y en muy pocos años ya era conocida como  “Ciclon caribeño”,

La Reina del Technicolor

Desde 1942 se la conoce como «La reina del technicolor». Trabajó de protagonista de títulos tan taquilleros como, «La salvaje blanca», «Ali Babá y los 40 ladrones», «La reina cobra» o «Las mil y una noches» … De esta última película diría sobre sí misma: «Cuando me veo en pantalla estoy tan guapa que grito y salto de júbilo».

la reina del technicolor

María se casó dos veces, una en los años 30 con un banquero irlandés del que se divorcio en 1939 y con el que no tuvo hijos, y en una segunda ocasión con el actor francés Jean Pierre Aumont con quien tuvo una hija: la actriz Tina Aumont.

En 1951 un astrólogo de Hollywood le dijo que su vida sería corta y que moriría de forma repentina. Murió ese mismo año de un ataque al corazón mientras tomaba un baño de agua caliente con sales en su casa parisina. Tenía 34 años.

María Méndez posó para McClelland Barclay, uno de los ilustradores más famosos de la época y pintor de pin-up art.

En su recuerdo el aeropuerto internacional de la República Dominicana lleva su nombre.

Ella se ha ganado por meritos propios su lugar en la meca del cine.

maría montez

Os dejo el link a tres de sus más famosas películas:

«Las mil y una noches»

En ella el califa de Bagdag debe ir de incógnito con un grupo de actores ambulantes cuando su hermano usurpa el trono. Ambos desean a la misma hermosa bailarina, que duda entre el poder y el amor verdadero.

«Alí Babá y los cuarenta ladrones»

En ella un joven príncipe acompañado por cuarenta ladrones, se venga de los invasores mongoles que asesinaron a su padre y robaron su trono.

«La reina cobra»

En ella al descubrir que su novia Tollea ha sido secuestrada, Ramu y su amigo Kado parten hacia una isla del Pacífico donde todos los extranjeros son asesinados a su llegada y los habitantes, que son frecuentemente sacrificados a un malvado dios volcán, adoran a la cobra. La isla está gobernada por una malvada gemela de Tollea: Naja la mujer cobra, que, además de tener planes para su nuevo prisionero Ramu, también desea eliminar cualquier competencia de su benevolente hermana.

maria mendez actriz

maria montez