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Estilo Art Déco: Un Viaje por su Historia y su Influencia en la Joyería

¿Conoces el Estilo Art Déco?

Hoy vamos a adentrarnos en el fascinante mundo del estilo Art Déco y explorar por qué creemos que sigue siendo tan exitoso. Antes de empezar, nos encantaría saber: ¿conocéis este estilo de joyería? ¿Os gusta? ¿Por qué pensáis que aún está tan de moda? ¡Nos encantará leer vuestra opinión!

El Origen del Art Déco

El nombre «Art Déco» proviene de la Exposición Internacional de Artes Decorativas celebrada en París en 1925. Este certamen tenía como objetivo principal mostrar los avances más significativos en las artes decorativas e industriales de la época. La premisa era clara: modernidad y diseño en cada objeto expuesto.

La exposición no solo fue un escaparate de innovación, sino que también dejó un legado arquitectónico impresionante. Os invitamos a buscar imágenes de los pabellones que participaron; algunos son auténticas maravillas que capturan la esencia del movimiento.

La Era del Art Déco

El Art Déco nació en los años 20, alcanzando su apogeo entre 1920 y 1939. Su objetivo principal era adaptar el diseño a las condiciones de producción en serie, propias de una industria cada vez más moderna. Cada creación debía ser contemporánea, novedosa y funcional, marcando una ruptura con los estilos anteriores.

Tres Características Principales

  1. Líneas rectas: Predominio de formas definidas y precisas.
  2. Simetría: Equilibrio y proporción en cada diseño.
  3. Simplicidad de formas: Elementos depurados y elegantes.

Estas características se aplicaron no solo en la joyería, sino también en la arquitectura, mobiliario, automoción, moda y más.

Influencia en la Moda y la Joyería

El Art Déco transformó la moda y la joyería con una mentalidad mucho más moderna y liberadora. Diseñadores como Paul Poiret eliminaron el corsé en sus creaciones, mientras que Coco Chanel simplificó las siluetas, borrando las caderas y el busto, para dar a las mujeres mayor libertad y movilidad.

Cartier y el Art Déco

Cartier se convirtió en uno de los máximos exponentes de este estilo en la joyería. En la exposición de 1925, sus obras destacaron al unirse al pabellón de la moda, separándose del resto de joyeros. Sus diseños incorporaron materiales exóticos como jade, ónix y coral, junto con piedras preciosas de colores vivos como rojo, azul, verde y negro.

Un ejemplo icónico de esta época es la colección «Tutti Frutti» de Cartier, inspirada en los motivos y piedras grabadas de la India. Una de sus piezas más famosas, una pulsera de esta colección, fue subastada recientemente por la asombrosa cifra de 1,3 millones de euros.

Innovaciones en Joyería Art Déco

El Art Déco trajo consigo numerosas novedades en el mundo de la joyería:

  • Aderezos desmontables: Estructuras versátiles que permitían transformar una pieza en varias joyas.
  • Engastes invisibles: Una técnica desarrollada por Van Cleef & Arpels, que se convirtió en su sello distintivo.
  • Uso de platino y oro blanco: Metales preferidos por su elegancia y durabilidad.
  • Motivos animales y exóticos: Serpientes, loros, palmeras y flores de loto decoraron muchas piezas.

Los accesorios más destacados de esta época fueron los brazaletes, broches de doble clip, pitilleras y boquillas, que complementaban la moda de brazos al descubierto.

El Éxito Atemporal del Art Déco

La sencillez de sus diseños, las líneas rectas y la geometría hacen que las joyas Art Déco sean visualmente agradables, elegantes y atemporales. Este estilo sigue ocupando un lugar especial en el corazón de quienes amamos el trabajo de la joyería antigua.

Os dejamos algunas imágenes de piezas que forman parte de nuestra colección de joyas Art Déco.

Un Vistazo Breve al Art Déco

Esperamos que os haya gustado este breve recorrido por el estilo Art Déco. Este es solo un pequeño resumen; el tema da para horas de exploración. Seguiremos profundizando en futuros posts. ¡Gracias por acompañarnos y hasta la próxima! Como siempre te dejamos el link a nuestra web para que puedas ver nuestra colección de joyas de estilo Art Decó.

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Vuestras Joyas con Historia: Queremos Conocer Vuestras Joyas Antiguas

Antes que nada, queremos expresar nuestro más sincero agradecimiento por la cálida acogida que ha tenido nuestra iniciativa «Vuestras Joyas con Historia.»

Para las que no habéis visto nuestro reels de Instagram, os dejo el link aquí para que podáis conocer todo sobre esta iniciativa que se nos ha ocurrido.

La propuesta consiste en compartir la historia de una de vuestras joyas más queridas. Para ello, necesitamos:

  • Una fotografía: Preferiblemente con luz natural, ya que las lámparas pueden dificultar la visualización de los detalles. Si es posible, coloca la joya en una cajita, en tu mano o sobre un folio blanco. Asegúrate de fotografiarla cerca de una ventana o incluso en la calle, pero es MUY IMPORTANTE evitar la luz solar directa; mantenla siempre en la sombra. Intenta hacerlo en horas de buena luz, evitando el final de la tarde.
  • Si solo dispones de una foto de la joya en algún retrato o fotografía antigua, no dudes en enviárnosla.
  • Necesitamos un breve texto: Cuéntanos la historia que rodea a la joya. ¿Quién fue su dueña? Comparte un poco sobre ella, cómo llegó a ti y si la has usado o solo la conservas en una fotografía.
  • Es esencial que la joya sea de familia y que tenga un significado especial para ti.
  • Podéis enviar una joya con historia por participante.
  • Iremos compartiendo en las historias de Instagram las fotos con sus historias y aquí en blog saldrá publicado tambien un articulo con una selección especial.

Selección

  • Nosotras seleccionaremos entre todas las fotografías cuatro joyas junto a sus historias, estas serán sometidas a votación en Instagram. La joya ganadora será elegida por vosotras.
  • La dueña de la joya decidirá si desea que sea reproducida y que entre a formar parte de nuestra colección; en caso contrario, elegiremos la segunda más votada. Y así, sucesivamente.

Muy Importante

  • El concurso es totalmente anónimo. Si no deseas que se revele tu nombre, lo respetaremos.
  • Siempre contaremos con vuestra aprobación antes de reproducir vuestras joyas.
  • Como compensación, la persona propietaria de la joya reproducida recibirá una réplica de su joya en plata y circonitas y unos pendientes Paris.

Plazo y Modo de Recepción de Fotografías e Historias

  • Tienes hasta el 17 de noviembre para enviarnos las fotos junto a su pequeño texto.
  • Por favor, envía las fotos y el texto por WhatsApp al 683465441. En el mensaje, indícanos también tu nombre y apellido para poder archivar bien vuestras fotografías asociadas con vuestro nombre. Vuestros nombres no serán compartidos en ningún momento si no lo deseáis.
  • El domingo 24 de noviembre anunciaremos la selección de las cuatro joyas ganadoras a través de las historias de Instagram, donde tendréis 24 horas para poder votar en la encuesta.
  • Podeís participar desde cualquier lugar del Mundo.

Mil gracias y ¡mucha suerte!

En diciembre colgaremos aquí un preciso resumen con vuestras joyas y sus historias.

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Josephine Baker: Una Leyenda del Jazz

josephine baker

Hoy queremos llevaros en un viaje fascinante a través de la vida de una verdadera leyenda: Josephine Baker. Desde sus humildes comienzos hasta convertirse en un ícono del jazz y la lucha por los derechos civiles, su historia está llena de inspiración y aventura.

Josephine Baker: Infancia

Josephine Baker nació el 3 de junio de 1906 en St. Louis, Missouri, en una época de profunda segregación racial en Estados Unidos. Su infancia estuvo marcada por la pobreza y la adversidad. Era hija de Carrie McDonald, una lavandera afroamericana, y de un padre ausente cuya identidad permanece desconocida. Josephine creció en condiciones difíciles y, a menudo, tenía que ayudar a su madre con el trabajo para mantener a la familia.

Desde una edad temprana, Josephine mostró un talento innato para el baile y el canto. A los ocho años, se unió a un grupo de actores callejeros, donde comenzó a perfeccionar sus habilidades y a ganar algo de dinero para su familia. La vida en las calles de St. Louis era dura, pero Josephine encontró refugio en el mundo del espectáculo, donde descubrió su pasión por el escenario.

Sin embargo, la discriminación racial era una realidad omnipresente en la vida de Josephine. Desde una edad temprana, experimentó la injusticia y la segregación en su propia comunidad. Estas experiencias moldearon su visión del mundo y la inspiraron a luchar contra la desigualdad racial a lo largo de su vida.

A pesar de los desafíos que enfrentaba, Josephine nunca perdió la esperanza ni dejó de perseguir sus sueños. Su determinación y su talento la llevaron a lugares inimaginables. Transformando una infancia marcada por la adversidad en una historia de éxito y superación que continúa inspirando a personas de todo el mundo.

joséphine baker

Josephine Baker: Jazz

El verdadero punto de inflexión en la vida de Josephine Baker llegó cuando se aventuró al otro lado del Atlántico. Se estableció en París en la década de 1920. Fue en la capital francesa donde su carrera despegó y se convirtió en una verdadera estrella del jazz.

Su estilo de baile único y su carisma magnético conquistaron rápidamente al público parisino. Josephine cautivó a la audiencia con su sensualidad y su energía desbordante en el escenario. Su exótico baile, que combinaba movimientos africanos con una técnica impecable, le valió el título de «La Venus Negra». Y la consolidó como una de las artistas más destacadas de la escena nocturna de París.

Pero Josephine no se limitaba solo al baile. También tenía una voz cautivadora y un talento innegable para la comedia. Sus actuaciones teatrales y musicales eran aclamadas por críticos y espectadores por igual, consolidando su posición como una de las estrellas más versátiles de su tiempo.

Además de su talento en el escenario, Josephine también se destacó por su estilo extravagante y su actitud desafiante hacia las normas sociales de la época. Rompió barreras tanto en la moda como en la sociedad, desafiando las convenciones de género y raza con su estilo único y su personalidad vibrante.

Su éxito en París pronto se extendió más allá de las fronteras de Francia. Josephine se embarcó en giras internacionales que la llevaron a actuar en lugares tan diversos como Londres, Berlín, y Nueva York, donde cautivó a audiencias de todas las culturas y clases sociales.

El ascenso meteórico de Josephine al estrellato del jazz no solo la convirtió en una figura icónica en el mundo del entretenimiento, sino que también la catapultó a la vanguardia de la lucha por la igualdad racial y la justicia social. Su influencia trascendió el ámbito artístico, convirtiéndola en un símbolo de libertad y resistencia en una época de creciente tensión política y social en Europa y Estados Unidos.

Compromiso Humanitario

A lo largo de su vida, Josephine Baker también fue conocida por su compromiso incansable con la lucha por los derechos civiles y su activismo humanitario.

Durante la Segunda Guerra Mundial, cuando Francia fue ocupada por las fuerzas nazis, Josephine demostró un coraje extraordinario al unirse a la Resistencia francesa. Utilizó su posición de estrella internacional para obtener información sobre los movimientos de los nazis y transportar mensajes secretos ocultos en su ropa de espectáculo. Su valentía y determinación la convirtieron en una figura crucial en la lucha contra la ocupación alemana y en la liberación de Francia.

Después de la guerra, Josephine continuó su compromiso con la igualdad y la justicia social. En 1951, durante el apogeo de la lucha por los derechos civiles en Estados Unidos, regresó a su país de origen para protagonizar la obra «La princesa Tam Tam». A pesar de enfrentar la segregación y el racismo, Josephine se negó a actuar para audiencias segregadas y se convirtió en una firme defensora de la integración racial en el país.

Josephine también dedicó gran parte de su vida al trabajo humanitario. En 1958, adoptó a 12 niños de diferentes partes del mundo, a quienes llamó su «tribu del arco iris». Su hogar en Francia, conocido como el «Castillo de Milandes», se convirtió en un refugio para estos niños y un símbolo de su compromiso con la paz y la tolerancia.

A lo largo de los años, Josephine abogó por la igualdad racial, la justicia social y los derechos humanos en todo el mundo. Su voz resonó en los salones de la ONU, donde pronunció discursos apasionados sobre la importancia de la tolerancia y el respeto mutuo entre todas las razas y culturas.

El legado de Josephine Baker como activista y defensora de los derechos humanos perdura hasta nuestros días. Su valentía, su compromiso y su dedicación a la causa de la justicia social continúan inspirando a personas de todo el mundo a levantarse y luchar por un mundo más justo e igualitario.

joséphine baker

Vida Personal y Amores de Josephine Baker

Josephine Baker vivió una vida personal tan fascinante como su carrera en el escenario. A lo largo de los años, experimentó el amor y la pérdida en igual medida, dejando una marca indeleble en su vida y en la historia del entretenimiento.

A lo largo de su vida, Josephine se casó en varias ocasiones. Su primer matrimonio fue con Willie Wells, un hombre con quien se casó a la edad de 13 años, pero el matrimonio terminó en divorcio poco después. Posteriormente, se casó con Willie Baker, de quien tomó su apellido artístico, aunque también terminaron divorciándose.

A pesar de sus matrimonios fallidos, Josephine tuvo numerosos romances y relaciones a lo largo de su vida. Uno de los más destacados fue su relación con el famoso trompetista y compositor, Le Baker, con quien compartió una conexión profunda tanto en el escenario como fuera de él. Su romance con Le Baker fue una parte importante de su vida y carrera, aunque también enfrentaron desafíos debido a sus compromisos profesionales y personales.

A pesar de los altibajos en su vida personal, Josephine siempre mantuvo una actitud optimista y valiente frente a los desafíos que enfrentaba. Su capacidad para amar y ser amada, así como su dedicación a su familia, son aspectos fundamentales de su legado y su impacto en el mundo.

En resumen, la vida personal de Josephine Baker estuvo llena de amor, pasión y aventura. A través de sus relaciones y experiencias, dejó una huella indeleble en el mundo y continúa siendo recordada como una de las figuras más importantes y queridas del siglo XX.

Los Últimos Días de la Legendaria Josephine Baker

A medida que envejecía, Josephine continuó siendo una figura influyente en el mundo del espectáculo y la política. Trágicamente, falleció el 12 de abril de 1975, pero su legado perdura hasta nuestros días. Su valentía, talento y compromiso con la igualdad continúan inspirando a personas de todo el mundo.

En resumen, la vida de Josephine Baker es un recordatorio poderoso de la capacidad del arte para trascender barreras y de la importancia de luchar por lo que uno cree. Hoy, celebramos su vida y su impacto duradero en la historia.

Imágenes: Divas del cine

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Pulseras Rivière: Historia, Elegancia y Resplandor

Pulsera Rivière

En el apasionante mundo de la joyería antigua, las pulseras Rivière ocupan un lugar especial. Estas hermosas piezas de joyería han cautivado a amantes de la moda y coleccionistas durante generaciones, gracias a su elegancia atemporal y su brillante resplandor. En este post, te llevaremos en un viaje a través del tiempo para descubrir la historia, los materiales y la belleza única de las pulseras Rivière.

La Historia de las Pulseras Rivière

El nombre «Rivière» proviene del francés y significa «río». Estas pulseras llevan este nombre debido a la forma en que sus piedras preciosas se disponen en una corriente continua de destellos y colores. Aunque se hicieron populares en la época de la Regencia en Inglaterra, su diseño atemporal ha perdurado hasta hoy.

Materiales Tradicionales vs. Modernos

Las pulseras Rivière originales a menudo estaban hechas de materiales como diamantes, zafiros, rubíes y esmeraldas, engarzados en oro o plata. Hoy en día, se pueden encontrar pulseras Rivière con una variedad de gemas preciosas y materiales, incluyendo la moissanita y la plata.

La moissanita, una gema sintética creada en laboratorio, ha ganado popularidad en la joyería moderna debido a su brillo y durabilidad comparables a las del diamante, pero a un precio más asequible. Las pulseras Rivière de moissanita capturan la esencia del diseño clásico con un toque contemporáneo. Si quieres conocer más acerca de las moissanitas, te dejamos el link a nuestro post aquí.

La Aparición de las Pulseras Rivière

El diseño de las pulseras Rivière se inspiró en la moda de la época de la Regencia en Inglaterra (1811-1820). Durante este período, las joyas eran un símbolo de estatus y elegancia. Las damas de la alta sociedad lucían estas pulseras en sus muñecas para realzar su belleza y gracia. Desde entonces, las pulseras Rivière han sido un ícono de la moda y la elegancia atemporal.

Curiosidades y Datos Interesantes

  • Los Diamantes Rivière: A menudo se asocia a las pulseras Rivière con diamantes, y algunas de las piezas más valiosas incluyen diamantes de alta calidad. La pulsera Rivière de diamantes más famosa es la que perteneció a la reina María Antonieta.
  • La Elegancia de las Gemas de Colores: Aunque los diamantes son las piedras más icónicas para las pulseras Rivière, las versiones con gemas de colores como zafiros, rubíes y esmeraldas también son altamente valoradas por su belleza y rareza.
  • Inspiración para la Moda Actual: Las pulseras Rivière han dejado su huella en la moda actual, inspirando diseños de joyería contemporánea que buscan capturar su esencia atemporal y su resplandor.

Pulsera Riviére

La Pulsera Rivière de María Antonieta: Una Joya Real

Una de las pulseras Rivière más icónicas y legendarias perteneció a la legendaria reina María Antonieta de Francia. Esta joya real es un verdadero tesoro de la historia de la joyería. La pulsera estaba adornada con una impresionante serie de diamantes montados en una hilera continua, lo que le daba su característico estilo de «río de luz». Cada diamante era de una calidad excepcional, y su belleza era simplemente deslumbrante. Esta pulsera Rivière se destacó como una de las piezas más valiosas y elegantes en la colección de joyas de María Antonieta.

María Antonieta, famosa por su amor por las joyas y la moda, llevaba esta pulsera con gracia y elegancia en su muñeca, convirtiéndola en una de las joyas más admiradas de la corte francesa en el siglo XVIII. Después de su muerte, esta pulsera, junto con otras piezas de la colección de María Antonieta, pasó por varias manos y aventuras antes de llegar a su destino final en el Museo del Louvre en París, donde se exhibe como un testimonio de la extravagancia y el esplendor de la monarquía francesa.

La pulsera Rivière de María Antonieta es un ejemplo impresionante de la belleza atemporal y el valor histórico que estas joyas pueden llevar consigo. Su legado continúa cautivando a amantes de la joyería y apasionados de la historia por igual, y es un recordatorio de la fascinante historia detrás de las pulseras Rivière.

Conclusiones

Las pulseras Rivière son mucho más que simples accesorios; son testigos de la historia de la moda y la joyería. Su diseño clásico y su brillo eterno las hacen piezas imprescindibles para cualquier amante de la joyería antigua y moderna. Ya sea que elijas una pulsera Rivière de diamantes o una versión contemporánea de moissanita, estarás llevando contigo una obra maestra que perdurará a través del tiempo.

En nuestra tienda de reproducción de joyas antiguas, honramos la tradición de las pulseras Rivière ofreciendo versiones auténticas y modernas que capturan la esencia de esta joya clásica. Te invitamos a explorar nuestra colección y a descubrir el encanto eterno de las pulseras Rivière.

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Moissanita: Brillando con Intensidad en el Mundo de las Joyas

¡Hoy queremos descubrirte el deslumbrante mundo de la moissanita! Si eres un amante de las joyas y los accesorios brillantes, es probable que hayas oído hablar de ella en algún momento. Nosotras llevamos unos meses sacando colecciones con esta gema tan espectacular y que a nosotras tanto nos gusta. Por eso queremos contarte un poco más sobre ella. ¿Qué es exactamente la moissanita? ¿De dónde viene? ¿Cómo se compara con el diamante? ¡Hoy te lo cuento todo en este emocionante viaje al mundo de las gemas!

¿Qué es la moissanita y de dónde viene?

La moissanita es una gema que brilla con un resplandor espectacular. Fue descubierta por el científico Henri Moissan en el siglo XIX en un cráter de meteorito en Arizona. ¿Imaginas encontrar una gema exquisita mientras buscas en el cielo? Nos parece una historia tan fascinante que tenemos que contarla. 

Henri Moissan, un científico francés con pasión por la química y la investigación, hizo un descubrimiento sorprendente en 1893 mientras examinaba un fragmento de un cráter de meteorito en el desierto de Arizona. Este meteorito había caído en la Tierra miles de años atrás, creando un cráter llamado el Cráter del Diablo.

Mientras Moissan estudiaba las muestras del cráter, notó que había pequeños cristales que inicialmente confundió con diamantes. Sin embargo, después de un análisis más detallado, se dio cuenta de que estos cristales eran en realidad una sustancia completamente nueva y desconocida en la Tierra. Fue este descubrimiento que finalmente lo llevó a identificar la gema como carburo de silicio, que más tarde se conocería como moissanita en su honor.

Este descubrimiento fue revolucionario porque la moissanita tenía propiedades ópticas y físicas únicas que la diferenciaban del diamante y de otras gemas conocidas en ese momento. Aunque la moissanita encontrada en la naturaleza es extremadamente rara y en pequeñas cantidades, la síntesis de moissanita en laboratorios ha permitido que esta gema única sea más accesible para su uso en joyería y otros campos.

La fascinante historia de cómo Moissan descubrió esta gema cósmica mientras exploraba los restos de un meteorito realmente añade un toque de magia a la historia de la moissanita. ¡Imagina la emoción y el asombro que debió sentir Moissan al encontrar una gema tan brillante y única proveniente del espacio exterior!

Moissanita
Colección París realizada en plata con moissanita

Brillo y dureza: la moissanita en acción

Una de las cosas que hace que la moissanita sea tan asombrosa es su brillo inigualable. Su índice de refracción es muy alto, lo que significa que refleja la luz de una manera deslumbrante. ¡Parece que tiene un pequeño foco de luz dentro de sí misma!

Pero eso no es todo: la moissanita también es conocida por su dureza impresionante en la escala de Mohs. No se raya fácilmente, lo que la convierte en una excelente opción para joyas que pueden resistir el desgaste diario.

Diamante vs. Moissanita: la eterna comparación

Si te preguntas cómo se compara la moissanita con el diamante, estás en el lugar correcto. Ambas gemas comparten un brillo deslumbrante, pero hay algunas diferencias clave a tener en cuenta. Por ejemplo, la moissanita tiene más destellos de colores debido a su alta dispersión de la luz, mientras que el diamante tiende a reflejar más destellos de blanco brillante.

En términos de durabilidad, la moissanita puede que tenga la ventaja con su dureza, pero el diamante sigue siendo el rey en este aspecto. Además, algunas personas aprecian la rareza y el simbolismo detrás de los diamantes, mientras que otras se sienten atraídas por la belleza accesible y ética de la moissanita.

Moissanita
Pendientes Paris Largo realizados en plata y moissanita

Usos y más usos

Las posibilidades con la moissanita son infinitas. Desde anillos de compromiso y pendientes deslumbrantes hasta colgantes que capturan la luz de manera única, esta gema se adapta a cualquier ocasión. También es una excelente alternativa a las gemas tradicionales para aquellos que buscan una opción más asequible sin comprometer la belleza.

En resumen, la moissanita es una joya que no puedes dejar de considerar si buscas brillo, durabilidad y un toque de misterio cósmico en tus accesorios. 

Características de la moissanita

  1. Variedad de cortes y diseños: La moissanita viene en una variedad de cortes y tamaños, lo que brinda una amplia gama de opciones para crear piezas únicas y diferentes. Desde los cortes clásicos como el redondo y el princesa hasta cortes más modernos y creativos, las posibilidades son infinitas.
  2. Brillo y destello: Es conocida por su brillantez y destello excepcionales. Debido a su alto índice de refracción y dispersión de la luz, crea un juego de colores y destellos que capturan la atención y hacen que las joyas cobren vida con cada movimiento.
  3. Opciones de color: La moissanita está disponible en una amplia gama de colores. Desde los tonos más tradicionales y claros hasta colores más intensos y vibrantes, la moissanita ofrece opciones para todos los gustos y estilos.
  4. Asequibilidad: Las joyas con moissanita tienden a tener un precio más bajo que las equivalentes con diamantes, lo que las convierte en una opción ideal para quienes buscan la belleza y el brillo a un precio más asequible.
  5. Durabilidad para el uso diario: Las joyas con moissanita son una excelente elección para piezas que se usarán a diario, como anillos de compromiso y alianzas. La dureza de la moissanita asegura que estas joyas resistan el desgaste y mantengan su brillo a lo largo del tiempo.
  6. Sostenibilidad: La moissanita es una opción más sostenible, ya que se produce en laboratorios y no involucra la minería de gemas.

Esperemos que te haya parecido interesante la historia de esta brillante gema y, si te gusta tanto como a nosotras, te dejamos el link a nuestra web aquí. Encontrarás toda nuestra colección de joyas realizada en plata con moissanita. Esperamos que te guste mucho!!

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Ellen Curtis: Su espectacular vestido de novia

Hoy venimos a hablaros de un vestido de novia muy especial y moderno para la época. Se trata del vestido que lució Ellen Curtis el día que se casó con Louis A. Scott, en abril de 1879. Ellen era una persona de a pie, no era una persona influyente ni venía de una familia de renombre. Pero supo encontrar su hueco como modista en Lexington, Kentucky. 

Ellen Curtis

Las modistas de la época. 

Las modistas de aquella época eran mujeres que tenían que luchar mucho para conseguir hacerse un hueco en la profesión. Y ser capaces de mantener una cartera de clientes que les permitiera vivir de su trabajo. Estas mujeres, como podemos imaginarnos, tenían unos armarios excepcionales. Y es que no es de extrañar que sus propios armarios fueran espectaculares ya que tenían a su disposición los mejores tejidos y estaban muy al tanto de la moda del momento. 

Algunas de estas modistas tuvieron el éxito suficiente como para contratar un equipo de costureras que trabajaban para ellas. Otras, además, pudieron viajar a Nueva York e incluso a Europa en busca de los mejores tejidos, telas y ornamentos para sus creaciones. 

La moda de 1870.

Las faldas de cola o ajustadas de finales de 1870 se hicieron con pares de cintas de lino cosidas dentro de las costuras de la parte posterior. Estas eran atadas detrás de las piernas, tirando de la falda hacia delante y aislando totalmente la espalda. El resultado fue una silueta tan estrecha que las mujeres se vieron obligadas a caminar con pasos extremadamente cortos. Estas faldas en forma de vaina fueron ampliamente criticadas. 

Ya en 1875, Lady’s Book de Godey menospreció el estilo diciendo: ”Ha habido mucha sátira bondadosa acerca de que las mujeres vestidas a la moda no pueden sentarse en sus sillas excepto de lado y con extrema precaución, de lo contrario, el elástico, las cuerdas y otros dispositivos para atar las faldas se rompen repentinamente. Pero con las faldas nuevas la dificultad no radica en sentarse, el problema es directamente cómo caminar”

El vestido de novia de Ellen Curtis. 

Está claro por el estilo elegante de su vestido que Ellen Curtis era una gran estudiante de las tendencias de moda. Para cuando diseñó su vestido de novia, la moda del momento era lucir unos corpiños omnipresentes. Y las faldas seguían estrechándose. En junio de 1877, Harper’s Bazaar discutió las tendencias de París, señalando que la moda exigía que «las mujeres estuvieran enfundadas desde el cuello hasta los pies con una prenda estirada sobre la figura, dándoles la apariencia de un lápiz con una cola adherida»

Aunque Curtis no hizo su vestido tan delgado y estrecho como la moda dictaba en el momento, ni como los vestidos que ella creaba para sus clientas. Sí que podemos decir que utilizó un diseño en el que su silueta quedaba bastante más delgada que, por ejemplo, la que lució Victoria Palmer Reynolds cinco años antes.

Victoria Palmer Reynolds

Curtis incorporó una serie de ideas muy modernas en el diseño de su vestido de novia. Una, atribuida al modisto parisino Charles Frederick Worth, era la tela drapeada alrededor de sus caderas, llamada alforjas. Un resurgimiento del estilo del siglo XVIII. Ella construyó su vestido a partir de dos telas de seda en un esquema de color monocromático: un fino faille acanalado y un satén tejido con un sutil patrón de volutas. Las diferentes texturas de los materiales acentúan una parte diferente de la prenda. 

El escote alto no solo era elegante, sino también modestamente apropiado para su boda en la Iglesia Católica Romana de St. Paul. El vestido, tal y como lo diseñó, le habría servido perfectamente después de su boda. Podría usarlo como vestido para atender a sus clientas más ricas. Las habría impresionado con su estilo. Ya que el corpiño a medida con solapas falsas y puños de estilo militar eran elementos de diseño que se veían con frecuencia en las ilustraciones de moda contemporánea. 

Vintage by López-Linares

¿Qué os ha parecido este vestido de novia? A mi personalmente me encanta. Me fascina la idea de que se diseñara un vestido que luego pudiera utilizar. Porque mira que es complicado reutilizar un vestido de novia de esta época. Y el de Ellen Curtis era moderno, con muchos detalles y absolutamente elegante. Tanto para su boda, como para atender a sus mejores clientas. 

 

Bibliografía

Libro Wedded Perfection

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Molly Brown: Quién fue realmente Margaret Tobin Brown

Margaret Brown, conocida póstumamente como la «Insumergible Molly Brown», fue una socialité y filántropa estadounidense. Ella fue una superviviente del RMS Titanic, que se hundió en 1912, e instó sin éxito a la tripulación del bote salvavidas No. 6 a regresar al campo de escombros para buscar sobrevivientes.

La vida de Molly Brown

Molly Brown (Margaret Tobin) nació el 18 de julio de 1867 en Hannibal, Missouri, hija de John Tobin y Johanna Collins, ambos inmigrantes irlandeses.

Su padre, John Tobin, era viudo con una hija, Catherine Bridget. Cuando conoció a Johanna Collins, Johanna también era viuda con una hija, cuyo nombre era Mary Ann. John y Johanna se casaron y tuvieron cuatro hijos más: Daniel (1863), Margaret (1867), William (1869) y Helen (1871).

Margaret creció en una cabaña muy cerca del río Mississippi, y asistió a la escuela de gramática dirigida por su tía Mary O´Leary. De adolescente trabajó desmenuzando hojas de tabaco en la Compañía de Tabaco de Garth en Hannibal.

A los 18 años se fue con su hermana, Mary Ann Tobin Landrigan, y el nuevo marido de Mary, Jack Ladrigan, a Leadville, Colorado, donde pusieron una herrería. Margaret compartió una cabaña con su hermano, Daniel Tobin, que trabajó en las minas y llegó a ser un esporádico promotor de ellas. Margaret, conocida como Maggie hasta que se casó, fue a trabajar para la Empresa Mercantil Daniels and Fisher en Leadville, donde trabajó en el departamento de alfombras y mercería.

Molly Brown
Molly Brown

El matrimonio de Molly Brown

Al principio del verano de 1886, conoció a James Joseph («J.J.») Brown, un minero cuyos padres también habían emigrado de Irlanda. Se casaron el 1 de septiembre de 1886, en la Iglesia de la Anunciación en Leadville. Vivieron en la cabaña de J.J. en Stumptown, una pequeña comunidad predominantemente irlandesa en las montañas de Leadville. Los Brown tuvieron dos niños: Lawrence Palmer, nacido en 1887, y Catherine Ellen («Helen»), nacida en 1889. Después del nacimiento de Lawrence, los Brown compraron una casa en Leadville a la que esporàdicamente se les unieron miembros de ambas familias.

Mientras sus hijos eran jóvenes, Margaret estaba involucrada en los primeros movimientos feministas en Leadville y el establecimiento de la Asociación por el Sufragio de Mujeres Americanas del Cabildo de Colorado. También trabajó en las cocinas de asistencia a familias de las minas de Leadville. Cuando el Acta de Sherman Silver fue revocada en 1893, Leadville estaba metida en una profunda depresión y la tasa de desempleo era del 90%. J.J. Brown, que había sido superintendente de todas las propiedades mineras del Ibex, tuvo una idea. Convencido de que la mina Little Jonny llegaría a ser productora de oro más que de plata, desarrolló un método rápido para separar la arena de dolomita que les impedía alcanzar el oro que estaba a más profundidad en la mina. El 29 de octubre de 1893, la mina Little Jonny estaba embarcando 135 toneladas de mineral al día. Y Brown fue premiado con 12.500 acciones y un asiento en el consejo. Durante años se convirtió en uno de los mineros de más éxito del país.

Molly Brown
James Joseph (JJ), Molly y sus hijos Larry y Helen, en Leadville, Colorado

La vida de socialité

El 6 de abril de 1894, los Brown adquirieron una casa en la calle Pennsylvania en Denver y construyeron una casa de verano, Avoca Lodge, en la falda de la montaña. Margaret llegó a ser miembro fundador del Club de Mujeres de Denver. Parte de una red de Clubes que defendían la literatura, la educación, el sufragio y los derechos humanos en Colorado y en todos los Estados Unidos. Recaudó fondos para construir la Catedral de la Inmaculada Concepción así como el Hospital St. Joseph. También trabajó con el Juez Ben Lindsey para ayudar a salir de la indigencia a los niños e instituir la primera Corte Juvenil en el país. Esto sentó las bases para el sistema de tribunales juveniles de los Estados Unidos de hoy. 

También se ocupó del Instituto Carnegie de Nueva York, donde estudió literatura, lengua y arte dramático. Además de traer dos niños al mundo, se encargó de las tres hijas de su hermano Daniel: Grace, Florence y Helen Tobin, cuya madre murió cuando eran jóvenes en White Pine, Colorado.

Margaret Tobin Brown fue una de las primeras mujeres en los Estados Unidos que se presentaron como candidato político y por el Senado ocho años antes de que las mujeres ni siquiera tuvieran derecho a voto. El 25 de julio de 1914, con Alva Vanderbilt (Mrs O.H.P) Belmont, organizó una conferencia internacional para los derechos de las mujeres en la casa Marble, Newport, Rhode Island, de la que se ocuparon activistas de los derechos humanos de todo el mundo. Defensora de toda la vida de los derechos humanos, Margaret fue también una figura eminente preocupada por la masacre de Ludlow en Trinidad, Colorado, en abril de 1914. Un punto de referencia importante en la historia de los derechos de los trabajadores en los Estados Unidos. 

El viaje en el Titanic

En el momento en que Margaret Tobin Brown embarcó en el Titanic en Cherburgo, Francia, ya había tenido un impacto significativo en el mundo. Ella y su hija Helen, que fue estudiante en la Sorbona, habían estado viajando por toda Europa y estuvieron con el Partido de Jacob Astor en El Cairo, Egipto. Ahí fue cuando Margaret recibió una carta que decía que su primer nieto, Lawrence Palmer Brown Jr, estaba enfermo. Decidió marcharse a Nueva York inmediatamente y reservó pasaje en el novísimo barco: El Titanic. En el último momento Helen decidió quedarse en Londres. Debido a su rápida decisión, muy poca gente de su familia sabía que ella estaba a bordo del Titanic.

Después de que el barco chocara con el iceberg, Margaret ayudó a otros a subir a los botes salvavidas hasta que fue obligada a subirse al bote número seis. Ella y otras mujeres del bote salvavidas se pusieron a remar, a mantener alto el ánimo y a disipar la tristeza que estaba transmitiendo el emocional e inestable Robert Hichens (Se dice que Hichens fue acusado por los pasajeros de no querer volver al Titanic a recoger a más gente.). 

Su trabajo en el Carpathia

Sin embargo, el trabajo más significativo de Margaret ocurrió en el Carpathia, donde asistió a los supervivientes del Titanic, y más tarde en Nueva York. En el momento en el que el Carpathia alcanzó el puerto de Nueva York, Margaret había ayudado a establecer el Comité de Supervivientes. Siendo elegida como presidente y donde recaudó casi 10.000 dólares para ayuda a los supervivientes. Las habilidades lingüísticas de Margaret en francés, alemán y ruso fueron una ventaja, y permaneció en el Carpathia hasta que todos los supervivientes del Titanic se reunieron con sus amigos, familia o asistencia médica. En una carta a su hija poco después del hundimiento del Titanic, escribió:

«Después de haberme empapado en agua salada y escabechada en medio del océano, ahora estoy “high and dry” (que significa “estar fuera del alcance de la corriente o la marea o fuera del agua”)… Me han dado flores, cartas, telegramas de gente que hasta estoy confundida. Están pidiendo al Congreso que me den una medalla… Si debo llamar a un especialista para que me examine la cabeza es por el título de Heroína del Titanic.”

Prevaleció su sentido del humor; a su abogado en Denver le telegrafió:

«Gracias por tus amables pensamientos. El agua estaba bien y la natación también. Neptuno fue excesivamente amable conmigo y ahora estoy “high and dry” (fuera del alcance de la corriente o la marea o fuera del agua)».

Superviviente del Titanic

El 29 de mayo de 1912, como presidente del Comité de Supervivientes, Margaret entregó una encantadora copa de plata al Capitán Rostron, del Carpathia. Y una medalla a cada uno de los miembros de la tripulación. Años más tarde Margaret ayudó a erigir el Titanic Memorial que está en Washington D.C. Visitó el cementerio de Halifax, Nueva Escocia, para depositar coronas de flores en las tumbas de las víctimas. Y continuó sirviendo en el Comité de Supervivientes. Estaba particularmente afectada de que, como mujer, no se le permitió testificar en las vistas del Titanic. En respuesta, escribió su propia versión del suceso, que fue publicada en los periódicos en Denver, Nueva York y París.

Molly Brown
Molly Brown y el Capitán Rostron

Margaret utilizó su nueva fama como plataforma para hablar de cuestiones que le afectaban enormemente: derechos laborales, derechos de las mujeres, educación y literatura para niños, y conservación histórica. Durante la I Guerra Mundial, trabajó con el Comité Americano para la Francia Devastada. Ayudando a reconstruir áreas devastadas tras las líneas del frente y trabajó con soldados heridos franceses y americanos (el Chateau de Blérancourt, un museo Franco-Americano a las afueras de París, tiene una placa conmemorativa que porta su nombre). En 1932 fue premiada con la Legión Francesa de Honor por su «abnegada ciudadanía». Que incluía ayuda a organizar la Alliance Français, su incansable trabajo en recaudar fondos para las víctimas y tripulación del Titanic, su trabajo con el juez Ben Lindsey del Tribunal Juvenil de Denver y sus esfuerzos de ayuda durante la I Guerra Mundial.

Los últimos años de Molly Brown

En sus últimos años, Margaret volvió a su temprana fascinación por el teatro, particularmente Sarah Bernhardt y estudió en París a la tradición de Bernhardt. Actuó ante agradecidas audiencias en París y Nueva York.

J.J. Brown murió el 5 de septiembre de 1922 en Nueva York. Margaret Tobin Brown murió de un tumor cerebral el 26 de octubre de 1932, en el Hotel Barbizon de Nueva York, donde había estado trabajando con jóvenes actrices. Después de un sencillo servicio funerario Molly fue enterrada, junto a J.J en el Cementerio Holy Rood de Long Island. 

Su hija Helen Benziger (Brown de soltera) murió en Old Greenwich, Connecticut el 17 de octubre de 1993 a los 97 años.

Curiosidades sobre Molly Brown

A pesar de la leyenda, no fue rechazada por la sociedad ni por su familia. El mito de «Molly» Brown tiene poco que ver con la vida real de Margaret Tobin Brown, aunque sí habla de su alma. Margaret nunca fue conocida como «Molly»: el nombre fue una invención de Hollywood.

La historia empezó en los años 30 con la colorida pluma del reportero del Denver Post, Gene Fowler, que creó un cuento popular. Y la escritora sensacionalista Carolyn Bancroft, que escribió una versión muy ficticia para una revista romántica que se convirtió en un libreto. Esta historia se aprovechó para varias emisiones de radio durante los años 40 y fue la semilla para la obra de Broadway «La insumergible Molly Brown», que más tarde se convirtió en la película del mismo nombre protagonizada por Debbie Reynolds. 

Incluso la película «Titanic» de 1997 de James Cameron tiene poco que ver con la historia auténtica de Molly Brown. Después de intentar mitigar o corregir la leyenda de «Molly», la familia Brown rechazó hablar con el público, así como con escritores, periodistas o historiadores. Sólo recientemente han aceptado cooperar con los esfuerzos de una historiadora, Kristen Iversen, y le han permitido acceder a cartas, libros de recortes, fotografías y muchos efectos personales de Margaret Tobin Brown que anteriormente no estaban disponibles. La primera biografía completa de Margaret Tobin Brown se publicó en junio de 1999.

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Christian Dior: Historia de la Joyería

Hoy volvemos a hablar de joyería, de la mano del que, para nosotras, es un gran joyero del siglo XX. Se trata de Christian Dior. 

Fue después de la Segunda Guerra Mundial, que Dior fundó y estableció la casa de moda Dior, con la colección de Dior del «New Look» que revolucionó la vestimenta de las mujeres y contribuyó al restablecimiento de París como el centro del mundo de la moda. A lo largo de su vida, Dior ganó numerosos premios a los mejores diseños de vestuario y ha sido homenajeado por varios íconos contemporáneos. 

Consideramos que la moda de Dior es muy conocida, por eso hoy queríamos centrarnos en su joyería.

Christian Dior.

Christian Ernest Dior (1905 – 1957) fue un diseñador de moda francés, más conocido como el fundador de una de las casas de moda más importantes del mundo, Christian Dior SE, que ahora es propiedad de la empresa matriz LVMH. 

Dior nació en Granville, una ciudad costera de Normandía, Francia. Fue el segundo de cinco hijos de Maurice Dior, un rico fabricante de fertilizantes (la empresa familiar era Dior Frères), y su esposa, Madeleine Martin. 

Su familia esperaba que se convirtiera en diplomático, pero Christian era una persona muy artística y deseaba involucrarse en el arte. Para ganar dinero, vendió sus bocetos de moda afuera de su casa por alrededor de 10 centavos cada uno. En 1928, Dior dejó el colegio y recibió dinero de su padre para financiar una pequeña galería de arte, donde él y un amigo vendían obras de la talla de Pablo Picasso. La galería se cerró tres años después, tras la muerte de la madre y el hermano de Dior, así como los problemas financieros durante la Gran Depresión que provocaron que su padre perdiera el control del negocio familiar.

A partir de 1937, Dior fue contratado por el diseñador de moda Robert Piguet, quien le dio la oportunidad de diseñar tres de sus colecciones. Dior diría más tarde que «Robert Piguet me enseñó las virtudes de la simplicidad a través de las cuales debe venir la verdadera elegancia». Mientras estuvo allí, Dior también tuvo la oportunidad de trabajar junto a Pierre Balmain. Más tarde, Marc Bohan le sucedió como diseñador de la casa. Años más tarde, en 1960, Marc se convertiría en el jefe de diseño de Christian Dior Paris. Dior dejó a Piguet cuando lo llamaron para el servicio militar.

En 1942, cuando Dior dejó el ejército, se unió a la casa de modas de Lucien Lelong, donde él y Balmain eran los principales diseñadores.

Historia de la joyería Dior.

Christian Dior, después de trabajar junto a Lucien Lelong en la famosa casa de moda parisina, se estableció como uno de los principales diseñadores de alta costura del siglo XX. Hizo historia al presentar la primera colección con su “New Look” en 1947. Estas líneas de ropa promocionaban hombros redondeados, cinturas estrechas y faldas largas y anchas en contraste con los hombros rectos y cuadrados vistos en décadas anteriores.

Estos nuevo looks requerían joyas actualizadas para complementar estos estilos más femeninos. Dior dejó atrás las voluminosas joyas retro de los años 40 e introdujo los diseños florales tan bien elaborados y otros motivos como los lazos. Utilizó por primera vez este tipo de joyas para acompañar sus colecciones de ropa en 1948. Dior concebía el diseño de joyas como parte integral de sus colecciones, utilizando las piezas para resaltar la innegable elegancia de sus diseños. 

Eran piezas versátiles, que se lucían en chaquetas o suéteres para looks de día. Y luego nuevamente con looks más formales para noche. Si bien las piezas de pasarela estaban hechas, en gran parte, para de las colecciones de alta costura, más tarde también realizaron joyas para acompañar las líneas de prêt-à-porter.

Inicialmente, diseñó joyas de forma individual para clientas como Marilyn Monroe o Bette Davis. Pronto, las piezas de joyería se empezaron a producir bajo la licencia de Dior. Vendiéndose en tiendas exclusivas, una práctica que la casa Dior continuó tras la muerte del diseñador.

Materiales de joyería.

Las primeras piezas de joyería de Dior se realizaron con elementos de vidrio vertido, fabricados por la Casa Gripoix. Estos componentes estaban hechos a mano y eran de excelente calidad y diseño. Eran muy similares a los creados por la firma de Josette Gripoix para Chanel durante el mismo período. Algunos componentes también fueron producidos por Robert Goosens en su reverenciado taller de joyería francés. Dior también trabajó con Roger Jean-Pierre, quien tenía otra famosa casa de joyería en París. Encontrar este calibre de pieza se considera una bendición para los coleccionistas de hoy. El problema es que es bastante difícil identificarlo de forma concluyente como un diseño de Dior. 

La mayoría de las joyas de Dior desde mediados de la década de 1950 en adelante fueron producidas por Henkel & Grosse, una firma alemana con la que la casa de moda firmó un acuerdo de licencia que duró décadas. Se dice que Dior trabajó una línea hecha por Schreiner de Nueva York en 1949 y que estas piezas no están marcadas como tal. Hubo colaboraciones adicionales con otros diseñadores y empresas de joyería en la década de 1950 que produjeron varias colecciones, incluidas las marcadas como Mitchell Maer para Dior y Christian Dior para Kramer. 

A mediados de la década de los 50, Dior hizo una colaboración con Swarovski. Empezó a introducir en sus diseños los diamantes de imitación “aurora borealis”, que fueron una autentica revolución y tuvieron mucho alcance. Dior no solo los utilizó en su joyería, sino que también en sus diseños de moda.  Años más tarde, otros innumerables negocios de joyería también incorporaron estas piedras brillantes en su trabajo.

El logotipo de CD Christian Dior.

Incluso después de que Christian Dior muriera repentinamente en 1957, la casa de moda continuó. Las joyas comercializadas bajo su marca cambiaban con cada temporada de moda. Muchos collares de pedrería elaborados datan de finales de la década de 1950, mientras que los collares de cuentas de varios hilos y los broches dorados hechos a medida ganaron prominencia en los años 60. 

Es una suerte para los coleccionistas que numerosos diseños de Dior estén fechados, ya que algunos producidos en la década de 1960 parecen mucho más modernos de lo que cabría esperar. Mientras que, otros fabricados en la década de 1970, podrían confundirse con diseños de finales de la década de 1950. Y hablando de la década de 1970, se hizo una amplia variedad de estilos interesantes y ponibles durante esta época, incluidos los collares de resina gruesos y los que incorporan esmalte. 

Igual que otras casas de moda, el nombre de Dior y su logotipo CD, se incorporaron ocasionalmente en los diseños durante los años 80. También se fueron incluyendo lo que, a día de hoy, se han convertido en los motivos de la casa: sus omnipresentes lazos junto con su interpretación de la flor del lirio de los valles. Incluidos tanto en diseños de joyería fina como de bisutería. Algunas de las primeras versiones de bisutería de las piezas de lirio de los valles, de hecho, se hicieron utilizando componentes de vidrio Gripoix. Otras piezas de lirio de los valles de alta joyería fueron elaboradas con granates tsavorita y diamantes, tan recientemente como en la década de 1990.

Bibliografía

https://www.openforvintage.com/

https://www.antiquetrader.com/collectibles

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Zafiros: Piedra natal del mes de septiembre

Parece increíble que ya (casi) haya terminado el verano. No se si vosotras sois de las que preferís iros de vacaciones en septiembre… para todas ellas os deseamos unas felices vacaciones. Nosotras nos fuimos en agosto, así que ya estamos totalmente de vuelta a la rutina. Y super felices de empezar de nuevo tras la vuelta. Hoy, como cada primer miércoles del mes, os hablamos de la piedra natal de septiembre: en este caso, se trata de los zafiros.

La piedra de nacimiento de septiembre, el zafiro, podemos decir que es pariente de la piedra de nacimiento de julio, el rubí. Ambas son formas del mineral corindón, una forma cristalina de óxido de aluminio. El corindón rojo se llama rubí. Y todas las demás formas de corindón con calidad de gema se llaman zafiros. Todo el corindón, incluido el zafiro, tiene una dureza de 9 en la escala de Mohs. Eso hace que el zafiro sea el segundo mineral en dureza después del diamante.

El zafiro

Por lo general, los zafiros son de color azul. Eso sí, pueden ser de diferentes tonalidades de azul, desde el más pálido hasta un índigo profundo. El tono del zafiro depende de la cantidad de titanio y hierro que se encuentra dentro de la estructura del cristal. El tono de azul más apreciado en un zafiro es el azul aciano medio/profundo.

Las minas de zafiros más importantes están, sobre todo, en Myanmar, República Checa, Brasil, Kenia, India, Sri Lanka, Australia, Tailandia, Canadá y Madagascar.

Tipos de zafiros

Los zafiros azules son el tipo de zafiro más conocido y buscado. Pero no solo existen los zafiros azules, también los hay de otros colores, dependiendo de su formación. Aunque nosotras solo trabajamos con zafiros de color azul, nos parece interesante compartiros otros colores que existen.

Los zafiros rosas son otra variedad con su propio encanto. El zafiro con tono rosa vibrante aparece cuando hay presencia de cromo durante el proceso de creación de la gema. Los zafiros rosados ​​son maravillosamente románticos y cada vez más populares para los anillos de compromiso.

Los zafiros amarillos son una variación cautivadora. El color suele ser cálido y vibrante, y complementa bien la mayoría de las configuraciones de joyería. Los zafiros amarillos se parecen mucho a los diamantes amarillos, pero son una alternativa más económica.

Los zafiros verdes son una variedad menos vista y no tradicional. Pueden ser bastante pálidos o tener un tono profundo e intenso, o algo intermedio.

Los zafiros blancos son un tipo que se parece mucho a los diamantes y pueden usarse como una alternativa de precio reducido. El aspecto es similar a primera vista, sin embargo, no tendrá el brillo y la luz que tiene un diamante.

Zafiros famosos

El zafiro tiene una conexión con el romanticismo y se usa muy a menudo en los anillos de compromiso. Los zafiros han sido la piedra preciosa más apreciada por la realeza y la clase acomodada durante siglos. Por lo que no sorprende que hayan ganado popularidad últimamente como la piedra nupcial.

Anillo de compromiso de Kate Middleton 

De hecho, uno de los anillos de compromiso de zafiro más famosos perteneció a la fallecida princesa Diana. Con este anillo de 18 quilates de su madre, el Príncipe William le propuso matrimonio a Kate Middleton. Hecho que, sin duda, sentó un precedente y ha provocado una tendencia creciente entre las parejas que buscan anillos de compromiso con gemas de colores.

Kate Middleton / Foto: Christopher Furlong / Getty Images

Anillo de compromiso de Josefina

A pesar de que el anillo es exquisito, no marcó el comienzo de un matrimonio especialmente feliz. Aunque se dice que el enamorado emperador gastó una fortuna en el anillo, que combina perfectamente un zafiro en forma de lágrima con un diamante, para su amada Joséphine, su unión fracasó rápidamente. Napoleón partió para conquistar Milán, y Joséphine, prefiriendo quedarse en París con sus hijos de un matrimonio anterior, tuvo una aventura con el teniente Hippolyte Charles, lo que dejó a su marido horrorizado y resentido durante años. El anillo se vendió por 1,17 millones de dólares (incluida la prima del comprador) en una subasta en Francia en 2013.

Foto: OSENAT AUCTION

Blue Bell

Esta magnífica gema se vendió por 17 millones de dólares en una subasta de Christie ‘s en noviembre de 2014. Estableciendo el récord del zafiro más caro jamás vendido en una subasta pública. El Blue Belle ha cambiado de manos varias veces en sus casi 100 años de historia. Se compró originalmente en 1937 con la intención de usarlo como regalo de coronación para la reina Isabel II, pero nunca terminó en posesión de la reina. El collar fue comprado recientemente por un coleccionista saudita.

Foto: CHRISTIE’S IMAGES LTD. 2018

Broche Logan

Otro conocidísimo zafiro es el broche de zafiro Logan. Se trata del segundo zafiro más grande jamás conocido. Cuenta con nada menos que 422,99 quilates. Y está expuesto en el Museo Nacional de Historia Natural en Washington, D.C. 

Foto: Andrew Bossi.

Vintage by Lopez-Linares

Como os comentabamos antes, nosotras solo trabajamos zafiros azules, pero tenemos una amplia coleccion de joyas realizadas con estas gemas. Siempre realizados en piezas de plata (o plata dorada), hechas a mano. Te dejamos aqui el link a la coleccion de joyas con zafiro.

 

Bibliografía:

https://www.thespruce.com/

https://www.gia.edu/

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La Tiara Floral de La Casa Real

tiara floral

Hace unos meses una de vosotras nos dijo que le haría mucha ilusión que hablaramos de la Tiara floral de La Casa Real. Así que hoy queremos contaros un poco su historia. Hemos estado investigando para poder contaros bien la historia y, la verdad, es que no hay demasiada información sobre esta tiara. Pero aunque sea un post un poco más corto de lo normal no queríamos dejar de hablar de esta tiara porque es verdaderamente preciosa. 

Historia de la Tiara 

La historia de la tiara es bastante curiosa. Fue el rey Alfonso XII de España (bisabuelo del rey emérito Juan Carlos) quien la adquirió para regalársela a su esposa, María Cristina de Austria. La pieza perteneció a la familia durante más de medio siglo. Pero cuando estos se exiliaron en 1930, la vendieron, y el rastro de la tiara desapareció durante muchos años. Lo curioso viene cuando Franco, la adquiere y se la regala, en nombre de España, a la -emerita- Reina Sofia como regalo de bodas con el Rey Juan Carlos.

Doña Sofía luciendo la tiara Floral en dos ocasiones

Existen muchas teorías que cuentan que esta tiara fue realizada por Mellerio en París, en 1867. Pero al parecer esto no es cierto. La corte española ha confirmado que Franco compró una pieza antigua para Sofía en lugar de encargar una nueva. La tiara fue hecha en 1879 por una firma de joyería británica, J.P. Collins, para el rey Alfonso XII de España. 

Se trata de una pieza convertible, que se puede usar como un collar o dividirse en una serie de tres broches. Tres flores de diamantes de cinco pétalos están conectadas por una guirnalda de hojas y follaje de diamantes, lo que le da a la tiara una apariencia clásica y atemporal. 

De hecho, la primera vez que Doña Sofía utilizó la tiara fue en 1962, durante la gala de su preboda en Atenas. Y lo utilizo de collar. Años más tarde volvió a utilizar la pieza a modo de collar para la celebración del centenario de la Monarquía Griega. No fue hasta 1979, en una visita de estado a Suecia, que pudimos ver a la reina emérita lucir la pieza como tiara. 

La Tiara Floral

Esta espectacular tiara ha sido usada por todas las principales damas reales: la reina Sofía, la reina Letizia, la infanta Elena y la infanta Cristina, quien incluso la usó el día de su boda en 1997.

La Infanta Cristina en el día de su boda

En los últimos años, la tiara la ha llevado casi exclusivamente la reina Letizia. Algunos han sugerido que tal vez la reina Sofía le haya dado la tiara a su nuera, pero no tenemos forma de saber si la tiara ha sido regalada o simplemente prestada. Lo que sí sabemos es que Letizia ha seguido utilizando esta hermosa tiara durante su reinado. Y la reina emérita, en cambio, ha dejado de utilizar tiaras en público. 

La reina Letizia con la tiara floral

Pero como Letizia continuó usando esta hermosa tiara incluso durante el reinado de su esposo, y Sofía básicamente dejó de usar tiaras en público por completo, creo que es justo decir que seguirá siendo una parte regular de la rotación de joyas de Letizia. 

A vosotras que os parece esta tiara? Os gusta tanto como a nosotras? Si queréis leer otros posts sobre tiaras famosas, podéis hacerlo aquí.

 

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Maria Felix y sus joyas Cartier

maria felix joyas

María de los Ángeles Félix Güereña nació en abril de 1914 y fue una conocidísima actriz y cantante mexicana. Junto a Pedro Armendáriz y Dolores del Río, fue una de las figuras más exitosas del cine latinoamericano de las décadas de 1940 y 1950. Considerada una de las actrices más bellas de la Época de Oro del cine mexicano, su gusto por la delicadeza y fuerte personalidad le valieron el título de diva al inicio de su carrera. 

Hoy queremos hablaros un poco de María Félix, pero queremos centrarnos sobre todo en las espectaculares joyas que lució a lo largo de su vida.

María Félix

Maria, era hija de un militar y contaba con quince hermanos. Durante su infancia vivió en Álamos y más tarde se mudaron a Guadalajara. Fue en esta ciudad, cuando ella tenía 17 años, que comenzó a llamar mucho la atención por su increíble belleza. Llegó a ser Reina de Belleza de la Universidad de Guadalajara. 

Fue en esta misma época que Maria Felix conoció a Enrique Álvarez Alatorre, vendedor de la firma de cosméticos Max Factor. Entre los dos surgió un romance y llegaron a casarse y tener un hijo: Enrique “Quique”. Tras 6 años de matrimonio la pareja decidió divorciarse, y Maria regresó con su familia a Guadalajara. En aquella época el divorcio no estaba muy bien visto, y Maria sentía como la gente cotilleaba y comentaba que era divorciada. Por ello, decidió mudarse a Ciudad de México con su hijo, y así alejarse de todos los cotilleos. 

Vida profesional de María Félix

Una tarde después del trabajo mientras caminaba por la calle en la Ciudad de México, el director y cineasta Fernando Palacios se le acercó para preguntarle si quería hacer películas. Su respuesta fue:

«Cuando yo quiera, será por la puerta grande».

Palacios finalmente la convenció de incursionar en el cine. Su carrera como actriz consta de 47 películas realizadas en México, España, Francia, Italia y Argentina. Llamada “la diosa suprema del cine en español” por The New York Times. Pero Maria no solo trabajó como actriz, también lo hizo como modelo para muchos pintores de renombre. María tuvo una vida apasionante, pero hoy queremos centrarnos en sus joyas. Si queréis que hablemos sobre su vida más en profundidad, no tienes más que decírnoslo en comentarios.

Las joyas de Cartier de María Félix

Parece claro que María Félix se identificó con las serpientes por todo el simbolismo de creatividad, sabiduría y fuerza que representan estas criaturas. Usó joyas de serpiente durante toda su vida adulta. Aunque también utilizó muchas joyas de otros reptiles, tenía predilección por ellos. Su estilo se volvió mucho más audaz a mediados de la década de 1960, un período en el que su residencia principal estaba en París con su tercer marido, un empresario suizo llamado Alexander Berger. Alrededor de 1966 visitó el buque insignia de Cartier en la rue de la Paix y encargó un collar de serpiente que quería que fuera del tamaño de, bueno, una serpiente grande.

El collar de serpiente de cartier de maría felix

collar de serpiente de cartier maría félix
Photo via Harper’s Bazaar Mexico

Como podéis ver en la foto, el tamaño de la serpiente es imponente. El collar esta compuesto de platino, oro amarillo, dos esmeraldas que conforman los ojos y esmalte verde, rojo y negro. La espectacular pieza contiene un total de 2.473 diamantes de talla brillante y baguette (con un total de 178,21 quilates). Los artesanos de Cartier tardaron dos largos años en crear esta joya, hoy emblemática de la Maison Cartier. El amor entre María y Cartier se convirtió en un hito de la joyería, creando continuamente joyas para ella.

El collar de cocodrilo de Cartier

En 1975, Félix le encargó su joya de reptil más excepcional: un collar doble de cocodrilo. La legendaria historia detrás del diseño es que La Doña entró en Cartier abrazando un pequeño cocodrilo bebé vivo que traía como fuente de inspiración. Quería encargar un collar réplica de su querida mascota.

Cartier se tomó una licencia creativa para crear dos cocodrilos en lugar de uno, e iluminarlos de oro amarillo con gemas. Un cocodrilo está cubierto con 1.023 diamantes amarillos de talla brillante que pesan 60,02 quilates. Cabujones de esmeralda en forma de navette forman los ojos. El otro está cubierto con 1.060 esmeraldas que pesan 66,86 quilates. Tiene ojos cabujón de rubí. Los cocodrilos se pueden usar individualmente como broches o se pueden unir para formar un collar.

collar de cocodrilo cartier

Los pendientes de serpiente de María Felix

Unos años después de adquirir el collar de serpiente, Félix encargó de manera especial un audaz par de pendientes de serpiente dorados con esmalte turquesa que cubría las escamas de la cabeza y la punta de la cola. Pequeños rubíes forman los ojos. Si bien los pendientes están lejos del aspecto de un artículo de Cartier, se sienten más como la colección de animales de la joyería francesa hecha a lo largo de los años. Son parisinos y salvajes, es decir, elegantes. En la foto más abajo podemos ver como luce estos pendientes y su enorme tamaño.

Joyas Cartier María Felix
Photo Christie’s

Pendientes Cartier Maria Felix
Photo via The Red List

Maria Felix lució numerosas joyas famosas de Cartier a lo largo de su vida. Todas mezcladas, muchas pulseras juntas, collares, anillos… Podríamos decir que las luce de “manera exagerada”. Pero nosotras tenemos que reconocer que ¡NOS ENCANTA!. Esa forma de lucir tantas joyas a la vez, de forma tan elegante y a cada una más impresionante. El “menos es mas” no existía para ella, y aunque en ocasiones funciona muy bien, el estilo de Félix a nosotras nos apasiona. 

maria felix joyas

Bibliografía

https://theadventurine.com/

https://en.wikipedia.org/

https://nudemagazine.com/

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Collar Patiala: La historia del Maharaja Sir Bhupinder Singh

En el blog de hoy vamos a hablar de una de las piezas de joyería más espectaculares y caras de la historia. Se trata del collar Patiala, propiedad de Sir Bhupinder Singh, el maharajá de Patiala, hombre amante del lujo y de la ostentación. 

Quién fue Sir Bhupinder Singh

Maharaja Sir Bhupinder Singh, (1891 – 1938), de la realeza india, fue el maharajá gobernante del estado principesco de Patiala en la India británica desde 1900 hasta 1938.

Bhupinder Singh nació en Moti Bagh Palace, Patiala y se educó en el Aitchison College. A los 9 años, en 1900, sucedió como Maharaja del estado de Patiala tras la muerte de su padre, Maharaja Rajinder Singh. Un Consejo de Regencia gobernó en su nombre hasta que tomó poderes parciales poco antes de cumplir 18 años, y fue investido con plenos poderes por el virrey de la India, el cuarto conde de Minto, en noviembre de 1910.

collar patiala
Foto: National Portrait Gallery London

Fue quien fundó el Banco Estatal de Patiala en 1917. Además, se desempeñó como Canciller de la Cámara de los Príncipes de 1926 a 1931. Trabajó incansablemente por el mejoramiento de la vida de sus súbditos e introdujo muchas reformas sociales en Patiala.

Es quizás el maharajá más famoso de Patiala, mejor conocido por su extravagancia y por ser jugador de críquet. Sus equipos de cricket y polo, Patiala XI y Patiala Tigers, estaban entre los mejores de la India. Fue un gran mecenas de los deportes.

Las extravagancias de Sir Bhupinder Singh

Como comentábamos antes, a él le gustaba muchísimo el lujo. Por poner algunos ejemplos, fue el primer hombre en la India en poseer un avión, que compró al Reino Unido en 1910. Al tener un avión, tuvo que hacerse construir una pista de aterrizaje en Patiala. 

También era conocido por poseer una colección excepcional de medallas, que se creía que era la más grande del mundo en ese momento. Hizo construir un sistema de monorriel único en Patiala conocido como Patiala State Monorail Trainways. Y también mandó construir multitud de edificios con unos diseños arquitectónicos impresionantes. Entre ellos el Templo Kali y el Palacio Chail View.

Pero hoy queremos hablar de sus joyas. En concreto del collar Patiala.

Collar Patiala

Fue en 1925 que el padre de Sir Bhupinder Singh fallece. Como herencia, su padre le dejo un espectacular diamante amarillo conocido como “De Beers”. En ese momento, acudió a la joyería parisina Cartier para encargar que le hicieran uno de los collares más espectaculares de la historia. Una pieza que se diseñó directamente en base al diamante De Beers y que tiene casi 500 quilates.

collar patiala

El collar tenía cinco cadenas que se unían en una. Contenía 2.930 diamantes, incluido como pieza central el séptimo diamante más grande del mundo en ese momento, el «De Beers». Ese diamante tenía un peso precortado de 428 quilates y pesaba 234,65 quilates en su engaste final. Es el diamante amarillo talla cojín más grande y el segundo diamante facetado amarillo más grande del mundo. El collar también contenía otros siete diamantes grandes que oscilaban entre 18 y 73 quilates y varios rubíes birmanos. 

Esta fue la pieza de joyería más cara jamás hecha en la historia y, a día de hoy, habría costado unos 30 millones de dólares hacerlo. O sea, un auténtico espectáculo que el maharajá lució en todas las celebraciones a las que acudió en su reinado. Y no nos extraña nada, porque semejante joya merecía ser lucida infinidad de veces.

Que ha sido del collar Patiala

Por desgracia, de lo que sucedió con la joya a partir de 1947 poco o nada se sabe. Alrededor de ese año, cuando ya el maharajá había fallecido, el collar desapareció del Tesoro Real de Patiala.

Durante años no hubo señales de este collar, cuando de repente, el diamante “De Beers” reapareció en la subasta de Sotheby’s en 1982. Solo apareció el diamante, sin el collar. Allí, la oferta por el diamante alcanzó los $3,16 millones, pero no está claro si alcanzó su precio de reserva.

collar patiala

Años después, en 1998, Eric Nussbaum, un socio de Cartier, encontró parte del collar en una joyería de segunda mano en Londres. Estaba montado en un colgante. Cartier decidió comprar esa parte del collar y reemplazar las piedras que faltaban con réplicas para restaurarlo y que pareciera el original. Reemplazaron los diamantes perdidos con circonitas cúbicas y diamantes sintéticos. Y montaron una réplica del diamante «De Beers» original.

El collar Patiala ha sido tan importante que, incluso, Doc & Film International hizo un documental sobre él. Por si queréis verlo y profundizar mucho más en la historia del collar. 

Ahora solo podemos ver el collar en recreaciones y réplicas. De hecho, una nieta de Bhupinder Singh de Patiala ahora es joyera en California. Participó en una exposición «Maharajá: el esplendor de las cortes reales de la India» en el Museo de Arte Asiático, donde se exhibió el collar recreado.