Categoría: Exposiciones & Eventos

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MET Opera: una serie de conciertos y óperas en streaming

met opera

Hoy queremos hablaros de una iniciativa que está llevando a cabo el MET Opera (The Metropolitan Opera) de Nueva York. Se trata de una serie de conciertos y óperas en streaming. Estos eventos, conocidos como “Met Stars Live in Concert” para los conciertos y “Nightly Opera Streams” en el caso de las óperas, presenta a las más grandes estrellas de ópera y canto actuando en vivo vía satélite desde sorprendentes lugares de Europa y Estados Unidos. 

Sobre MET Opera

Primero quiero contaros un poco qué es el Metropolitan Opera de Nueva York. Fue fundada en 1883, cuando un grupo de empresarios adinerados decidieron que querían su propio teatro. Decidieron ubicarlo en Broadway con la Calle 39 (39th Street). En un principio crearon este teatro para representar absolutamente todas sus obras en Italiano, independientemente de su idioma original. Después, decidieron que se interpretara todo en Alemán. Para finalmente tomar la decisión de realizar la mayoría de sus obras en el idioma original de la misma (salvo algunas excepciones puntuales).

Casi desde el principio, quedó claro que el teatro de la ópera de Broadway no contaba con las instalaciones escénicas adecuadas. Es por ello que, cuando el MET se unió a otras instituciones de Nueva York, deciden formar el “Lincoln Center for the Performing Arts”. Y la nueva Metropolitan Opera House, se inaugura en el Lincoln Center en septiembre de 1966, equipada con las mejores instalaciones técnicas.

En la Metropolitan Opera se han involucrado muchos de los artistas más importantes del mundo. Entre otros muchos, MET Opera ha destacado a Christine Nilsson, Marcella Sembrich, Emma Eames, Lillian Nordica y Enrico Caruso. Como curiosidad, Enrico Caruso tocó por primera vez en 1903. Y, en el momento de su muerte, 18 años después había cantado más funciones con el MET que con todas las demás compañías de ópera del mundo juntas.

MET Stars Live in Concert

Debido a la situación actual del Coronavirus, el Metropolitan Opera House permanece cerrado. Se ha tenido que cancelar la temporada de conciertos y óperas de manera presencial para salvaguardar la salud de todos. 

Pero esto no va a impedir que podamos disfrutar de las mayores estrellas de la ópera. Que actuarán en una nueva e innovadora serie de recitales. Se trata de un evento de pago en el que, podrás ver a los artistas cantar desde lugares majestuosos de todo el mundo. Están grabados en video, por supuesto en directo, y con varias cámaras para darle calidez a la gala virtual. Podremos ver a los artistas tocando desde lugares como una antigua abadía en Baviera, un castillo noruego, una terraza al aire libre en un acantilado con vistas al Mar Mediterraeo. También una iglesia en Gales o una mansión histórica en Washington DC. No suena genial? 

Más abajo os dejamos el cartel publicitario de los conciertos y el link para que veáis los horarios y artistas pinchando aquí.

Las entradas para cada concierto cuestan $20 y las actuaciones pueden verse durante 14 días. Cada concierto tiene una duración aproximada de 75 minutos.

met opera

Imagen: Metropolitan Opera

Nightly Opera Streams

Cada día, a consecuencia del cierre del establecimiento, el MET Ópera pone a disposición de su audiencia la retransmisión gratuita de la serie Live in HD. El programa incluye actuaciones destacadas y completas de los últimos 14 años, protagonizadas por los mejores cantantes de ópera del mundo.

MET te da la oportunidad de disfrutar cada día de una actuación diferente. Las transmisiones están disponibles a través de su web y de las aplicaciones de Met Opera on Demand para todos los dispositivos (Apple, Amazon, Roku y Samsung Smart TV). Las obras retransmiten a las 19:30 EDT, es decir, a medianoche horario español. Y está disponible únicamente durante las 23 horas siguientes a su retransmisión. 
Te dejamos el link de las fechas y horarios de todas las actuaciones de ópera pinchando aquí.

opera met

Imagen: Metropolitan Opera

¡Hay muchísimas, seguro que alguna te interesa!  Os animáis a una tarde de ópera? Puede ser una gran oportunidad para ver algunas de sus obras maestras.

Bibliografía

https://www.metopera.org/

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El arte en la mesa

Desde el pasado 17 de febrero y hasta el próximo 10 de junio, el museo Hillwood presenta una muestra muy curiosa y que ha llamado tremendamente mi atención.

Se trata de una exposición en la que los creadores de tendencias contemporáneos Timothy Corrigan, Barry Dixon, Charlotte Moss, Alex Papachristidis, P. Gaye Tapp, Hutton Wilkinson y Josh Hildreth han trabajado para realizar una selección de mesas inspiradas en el estilo excepcional de Marjorie.

Estoy segura de que ahora que estoy tan metida en el mundo de la fotografía de bodegón, sería de una increíble inspiración para mí el poder visitarla.

Ya sabéis que este museo es la antigua vivienda de la famosísima Marjorie Merriweather, que se convirtió a mediados del S.XX en lugar de reunión de las más importantes personalidades de la época: diplomáticos, políticos, aristócratas, artistas. Todo lo más florido de la alta sociedad americana se dejaba ver en sus salones.

El gusto de Marjorie por los objetos antiguos y de colección, junto con su personalidad tan refinada, hicieron de las noches en Hillwood un lugar cargado de magia al que todo el mundo soñaba con acudir.

Esta selección de diseñadores de interiores, ha creado diferentes estilos de mesas inspiradas en el excepcional estilo de Marjorie

Tienen la enorme ventaja de poder trabajar con todos los objetos de la colección de Hillwood, y se inspiraran, como hizo ella, en los modelos franceses y rusos de los siglos XVIII y XIX.

Estoy segura de que esta inspiración, junto con su propia estética más moderna, va a crear mesas tan artísticas y fastuosas que no dejarán indiferente a nadie.

Una muestra para entretenerse y explorar el concepto de mesas artísticas, pasadas y presentes.

A mí, desde luego, me encantará verla.Y a vosotras, ¿os llaman la atención este tipo de mesas tan sofisticadas y bien decoradas?

Os dejo el link a la web por si tenéis la suerte  de poder visitarla.

https://www.hillwoodmuseum.org/exhibitions/artistic-table

 

 

 

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La verdadera historia de la osa que inspiró Winnie the Pooh

winnie pooh historia real

Winnie the Pooh es uno de los personajes más conocidos en la literatura infantil, pero lo que muy pocos saben son los orígenes de este entrañable personaje.

El oso, que en realidad era una osa, nació en los bosques canadienses de Winnipeg en 1914, durante la Primera Guerra Mundial. Fue allí donde el soldado veterinario Harry Colebourn se hizo con ella, conviviendo el cachorro con las tropas durante 4 meses. Al final el capitán decidió atravesar el Atlántico con ella en brazos y llevársela a su Inglaterra natal, dado el cariño que la había cogido.

Pero el capitán terminaría donándola al Zoológico de Londres al ser llamado a combatir en Francia y no poder seguir haciéndose cargo de ella.

Cuando el conflicto acabó, el capitán se dio cuenta de que era inviable regresar la osa a su hogar, y decidió dejarla en el zoológico para siempre.

«Se escribieron muchos artículos acerca de lo amigable y bien entrenada que estaba. Dejaba que los niños se le acercaran y hacía trucos para ellos. Fue una atracción muy popular durante muchos años».

Originalmente, la osa tenía por nombre Winnipeg, pero luego se simplificó a Winnie.

Pero, ¿cómo llego esta Winnnie a inspirar al escritor Alan Alexander Milne?

Christopher Robin Milne. hijo del autor de la saga de cuentos, con apenas 5 años visitó el zoo de Londres y se quedó prendado de la simpatía y cercanía de Winnie. Al poco tiempo sería su cumpleaños y recibiría como regalo un gran oso de peluche de 60 cm., al que impondría el nombre de Winnie. De esta forma, su padre terminaría inspirándose en su propio hijo y en su oso para crear el personaje de Winnie de Pooh.

historia de winnie pooh

Entre los entusiastas de los libros de Milne se encontraban las hijas de Walt Disney, que acabaría comprando sus derechos de imagen.

En 1966 Disney hace la primera película sobre Pooh: “Winnie the Pooh y el árbol de miel”.

El personaje ha alcanzado tal popularidad que uno de sus primeros dibujos, concretamente uno realizado a tinta por E. H. Shepard en 1928 en el que aparece el oso jugando con otros de los personajes de los cuentos infantiles de A. A. Milne, acabaría alcanzando la cifra de £314.500 (casi medio millón de dólares) en una prestigiosa subasta Sotheby’s. Tres veces el precio que se había estimado que alcanzaría.

Otra versión en lápiz de la misma escena fue vendida hace pocos años por £58.750 (alrededor de US $90.000).

Ahora, y hasta el 8 de abril de 2018, tienes la oportunidad de visitar en el Victorian&Albert Museum de Londres una simpática muestra en torno a este querido personaje. Un simpático recorrido por su vida a través de bocetos, cartas, fotografías, dibujos animados, cerámica y moda.

Bibliografía:

VAM

Bbc.com

DISNEY

En la portada del blog podemos ver a Harry Colebourn y Winnie, 1914

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La historia del árbol de Navidad

Pues nada, que ya tenemos aquí la Navidad.

Las calles de todas las ciudades del mundo se llenan de lucecitas de colores, arbolitos decorados y se respira un espíritu navideño allí por donde vayas. Todo huele a frio, abeto, muérdago y mazapán…

Yo tengo la costumbre de decorar mi casa todos los años en este puente de diciembre. Cuando mis hijos eran pequeños solíamos ir a la Plaza Mayor, lugar en el que todos los años comprábamos una figurita nueva para el belén. Era una tradición. Tengo un belén de cerámica desde que era pequeña que he ido completando año a año con unas figuritas muy graciosas, con una carita muy entrañable que a mí me han encantado desde niña. Soy una sentimental, lo reconozco…

También decoramos el árbol. Hace muchos años invertí en un árbol precioso, totalmente artificial. Reconozco que no hay nada como un árbol natural, pero me da dolor solo pensar en cortar un pino para ponerlo en mi recibidor, viendo cómo cada día pierde un montón de hojas a causa de la calefacción. Durante un par de años compré un árbol con maceta para replantarlo en la casa de la Sierra al terminar las fiestas, pero ninguno consiguió sobrevivir más de unos meses. En cuanto llegaba el calor todos se secaron. Al final, cada año saco mi árbol artificial y lo decoro sin remordimiento de ningún tipo.

Este año me ha dado por ponerlo de lo más tradicional: rojo y verde son mis colores elegidos. Quería recordar mis navidades de pequeña y esos tonos son lo que más me recuerdan a estas fechas.

No sé por qué me picó la  curiosidad mientras lo montaba: ¿alguien sabe de dónde viene esta tradición?, ¿cuándo se montó el primer árbol de Navidad en España?

Pues la tradición viene del norte de Europa, más concretamente de la Alemania del S.XVII. Desde allí paso a Finlandia y a los países nórdicos. A Estados Unidos llegó a finales del S.XVII, llevado por los alemanes hessianos durante la guerra contra George Washington.

A Inglaterra llegaba a mediados del S.XIX, y parece que el primer árbol lo vieron en el Castillo de  Windsor en 1841, bajo el reinado de la Reina Victoria.

Nosotros vimos un árbol de Navidad por primera vez gracias a una aristócrata rusa que trajo consigo la tradición a España: Sofía Troubetzkoy, que después de enviudar del duque de Morny, hermanastro de Napoleón III, contrajo segundas nupcias con el aristócrata español Pepe Osorio, el Gran Duque de Sesto y Marqués de Alcañices, uno de los mayores promotores de la Restauración borbónica que permitió a Alfonso XII reinar, tras el exilio de su madre Isabel II.

Parece ser que la primera vez que se colocó un árbol navideño en España fue en Madrid, durante las navidades del año 1870, en el desaparecido palacio de dichos nobles: el palacio de Alcañices, ubicado en el Paseo del Prado esquina con la calle de Alcalá, 4, en el solar actualmente ocupado por el Banco de España.

Sofía Troubetzkoy era una mujer de enorme belleza, que todo lo que hacía o se ponía se convertía en moda al instante. Trajo esa tradición consigo y decoró su palacio para envidia y deleite de toda la aristocracia española de la época, siendo imitada por todas las damas que querían ser tan modernas y chic como ella.

Pues aquí me tenéis a mí… imitando a Sofía Troubetzkoy. Este fin de semana me he sentido como una autentica aristócrata, decorando mi hogar con todos los detalles navideños que hacen que cada uno de los hogares en el mundo sientan el calor de estas fechas de rencuentro, ilusiones y deseos compartidos.

¡Os deseo unas felices fiestas a todos!

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“Balenciaga Shaping Fashion”

Este mes de noviembre me gustaría cerrarlo con la exposición de uno de mis diseñadores de moda favoritos, él es el “Gran Maestro” español de la alta costura, ese en el que todos se inspiran y al que todos los diseñadores soñarían parecerse.

 

La exposición a la que vamos a viajar hoy está teniendo lugar en Londres en el marco de uno de los más prestigiosos museos de la capital inglesa, el Victoria & Albert. El museo abre sus puertas hasta el 18 de febrero para mostrarnos cada día más de 100 piezas del prestigioso modisto español Cristóbal Balenciaga.

Hace un siglo, el modisto español abría una boutique en San Sebastián que se convertiría en una de las casas con más historia de la moda española. El modisto abandonaría su tierra para entrar en París por la puerta grande, destacando sobre grandes del momento como Coco Chanel o Christian Dior.

La muestra se centra en los años cincuenta y sesenta, y en ella podemos ver esas siluetas tan características del modisto, con esas formas perfectas, casi arquitectónicas, esos volúmenes que envolvían a la mujer de forma magistral y la daban un halo de elegancia que muy pocos han logrado.

Sus prendas son verdaderas obras de arte. Balenciaga siempre estuvo asociado a un corte impecable, limpio, sencillo y, casi celestial, de una perfección inigualable.

Audrey Hepburn, Jackie Kennedy, Ava Gardner y un sinfín de lo que hoy llamaríamos “influencers”, fueron incondicionales de la marca.

Yo he querido ilustrar este post de hoy con fotografías de uno de mis fotógrafos favoritos, hubiera sido un sueño ver trabajar a Richard Avedon en un plató de fotografía junto a Cristobal Balenciaga.

Pero siempre nos quedará Londres, y si tenéis la suerte de viajar a la capital inglesa no dejéis de visitar esta muestra. Y si lo hacéis, por favor, no dejes de escribirme para contarme qué os ha parecido.

Ya sabéis, en el Victoria & Albert., hasta el 18 de febrero de 2018: “Balenciaga Shaping Fashion”

Bibliografia:

Vam.ac.uk

Wmagazine.com

Pinterest.es

Hijosdelacaducidad.wordpress.com

Highlowvintage.com

 

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Joyas del Antiguo Egipto: Nubia

joyas antiguo egipto

Durante siglos, la joyería ha estado relacionada con las creencias populares, los dioses y, sobre todo, la suerte. Y en esto, la civilización de la Antigua Nubia (ubicada en lo que hoy es Sudán) fueron auténticos maestros.

Su pasión por el oro era admirable. Sus joyas, exóticas obras de arte consideradas como las más espectaculares de toda la historia de la Antigüedad. Pero lo que más llama la atención de las colecciones de joyas recuperadas de esta época es el simbolismo que le otorgaban, llegando a considerarlas sagradas.

La exposición que hoy recomendamos “Gold and the Gods. Jewels of Ancient Nubia”, nos acerca a los siglos que abarcaron desde el año 1700 AC hasta el 300 DC, gracias a las excavaciones llevadas a cabo por el Museum of Fine Arts en Boston y la Universidad de Harvard, en las que se hallaron tanto piezas únicas de la Antigua Nubia como otras importadas e influenciadas por el vecino Egipto. Tras cada una de ellas, elaboradas a mano con oro, se esconde una mágica historia.

joyas antiguo egipto

Joyas del Antiguo Egipto

El descubrimiento de estos yacimientos en 1907 ha permitido a los historiadores conocer, a través de las joyas halladas, cómo era la vida diaria de los ciudadanos de Nubia, una región que llegó a conquistar Egipto e imponer su cultura y arte popular. Algunos de los descubrimientos incluyeron las preferencias estéticas de sus habitantes, sus creencias religiosas, los inventos tecnológicos que llevaron a cabo o su relación con las tierras vecinas.

La pasión por el oro era común en ambos territorios, aunque Egipto, antes de ser conquistado, tenía siempre en el punto de mira a Nubia por su riqueza en marfil, ébano, piel de animales, huevos de avestruz y, sobre todo, oro. Este preciado material era utilizado para fabricar artículos de lujo muy especiales, ya que era una sustancia sagrada tanto para los habitantes de Egipto como de Nubia. Amen-Re era el poderoso dios del sol encargado de la custodia del oro. Como curiosidad, existen teorías que relacionan el nombre de Nubia con la palabra egipcia para “oro”: nbw (sí, imposible de pronunciar para los parlantes de Occidente).

joyas del antiguo egipto

Tras la conquista de Egipto hacia mediados del siglo VIII antes de Cristo, Nubia comenzó a gobernar sobre todo el Valle del Nilo, manteniendo parte de la cultura egipcia, como el lenguaje escrito o algunos aspectos de su arquitectura, arte, religión e incluso la forma de enterrar a sus fallecidos. Aun así, Nubia mantuvo su exquisitez en la creación de joyería.

Muchas de sus piezas, únicas en la historia, representaban a mujeres desnudas, con pecho, abdomen y muslos voluptuosos, símbolo de fertilidad, del renacer del cuerpo y alma y la resurrección, todas creencias de la civilización de Nubia.

joyas antiguas de oro

La exposición puede visitarse en el Museum of Fine Arts de Boston hasta el 14 de mayo. Y en su web mfa.org podéis encontrar más información sobre esta impresionante y mágica colección.

 

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La colección de Linda y Steven Plochocki en el FIDM

Este mes de octubre vamos a viajar hasta la ciudad de Los Angeles para hacer un pequeño recorrido por una exposición que se inauguró el 6 de junio, pero que podríamos visitar hasta finales de este año.

La exposición cuenta con una increíble selección de piezas de moda antiguas donadas por Linda y Steven Plochocki. Un recorrido por la historia de la moda de la mano de una de las parejas que más amor ha demostrado a lo largo de los años por preservar y conservar la moda de siglos pasados.

Linda estudio costura en una pequeña escuela privada siendo joven, y fue allí donde nació su pasión por la moda. Luego, a comienzos de la década de los 80, comenzaría a comprar piezas especiales y a restaurarlas con sus propias manos para conservarlas.

Linda siempre ha tenido un gran interés en la historia de la moda, junto con la historia mundial, los textiles y la vestimenta étnica. Aunque su época favorita es la de principios del siglo XX., las formas cambiantes y el movimiento de las telas en los vestidos siempre han sido sus favoritos.

La pareja haría su primera donación al museo en el año 2008, fue un traje a rayas de Jean Paul Gaultier, después vendrían multitud de complementos. El primero de ellos fue un sombrero de paja fechado en 1895-1905.

La exposición cuenta con dos de las piezas favoritas de Linda en manos del museo: una bata pintada a mano, perteneciente a la Helen Larson Historic Fashion Collection, y un vestido de novia c.1878 de Pingat.

Antes de decidir si donar o no una pieza al Museo FIDM, hay que contar con la aprobación del equipo directivo y, por supuesto, tener muy en cuenta que la pieza sea especial y diferente. También es importante que, a ser  posible, la pieza se encuentre en las mejores condiciones, ya que los museos muchas veces tampoco tienen un elevado presupuesto para restauración.

Es importante educar al público sobre la historia de la moda. La historia de la moda está íntegramente ligada a la historia de la humanidad, y esto es algo que el Fidm nos recuerda en cada una de sus exposiciones.

Aunque Linda y Steven Plochocki no son los únicos que han contribuido a hacer grande esta colección, del Museo Fidm sí son, diríamos, los más importantes benefactores, por lo que merecen que el FIDM les haga este gran honor.

Ya sé que la mayoría de vosotros no vais a poder iros hasta Los Angeles, pero el Museo tiene una preciosa web en la que se puede ver parte de su colección.

Internet es lo que tiene, nos permite viajar a los lugares más remotos casi con un solo clic. Por eso os he dejado aquí debajo los enlaces a su web, para que la echéis un vistazo.

Web del Museo Fidm: FIDM MUSEO

Imágenes y Bibliográfica:

Fidmmuseum.org

Wikipedia

 

 

 

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“Espectaculares gemas y joyas”

El Museo Hillwood es uno de esos hermosos lugares a los que yo no dejaría de ir nunca si me encontrara en la ciudad de Washington.

El Museo Hillwood fue el hogar de Marjorie Merriweather Post, ya os he hablado de ella en  “70 años de moda a través del estilo de Marjorie Merriweather” y  “Cartier: La deslumbrante Joyería Histórica de Marjorie Merriweather”.

Marjorie heredó a la temprana edad de 27 años el imperio de los cereales Post de su padre, que en ese momento estaba valorado en más de 20 millones de dólares.

Mujer carismática y visionaria, desarrolló un gusto por el arte francés del siglo XVIII y posteriormente por el imperio ruso. Gran coleccionista de piezas de arte de valor único, su mansión terminó convertida en un grandísimo museo en el que sé con certeza que podría pasarme horas.

Este mes os vuelvo a hablar de ella, después de casi dos años, ya que el pasado 10 de junio se inauguraba otra preciosa exposición sobre sus joyas.

“Espectaculares gemas y joyas”

Una exposición que nos deslumbra con exquisitos ejemplos de joyas históricas y con algunas de las joyas más bellas del siglo XX.

Durante siglos, las piedras preciosas han sido las piezas centrales de la joyería hecha para adornar a la realeza, la aristocracia, la alta sociedad y las estrellas de Hollywood.

Después de la Primera Guerra Mundial, muchas de las más increíbles joyas de la historia pasaron a manos nuevas, y los cambios revolucionarios en la moda llevaron a la innovación en el diseño de las mismas.

Marjorie Post se encontraba entre esta élite de nuevos ricos, y adquirió joyas y las rediseñó con algunos de los más afamados joyeros de la época. Marjorie no sólo estaba interesada en usar las joyas, ella era una gran experta en gemología y también gustaba de conocer la historia de cada una de las piezas que adquiría. El resultado de su colección es una de las mejores de la historia americana del S.XX.

En esta magnífica exposición podréis disfrutar de más de cincuenta piezas que alguna vez pertenecieron a Marjorie Merriweather Post, y podréis conocer la historia detrás de cada una de ellas.

Entre sus piezas más emblemáticas destacan diseños de Cartier, Van Cleef y Arpels, Harry Winston y Verdura, entre muchos otros.

La muestra “Espectaculares gemas y joyas” muestra los mejores ejemplos de la colección de Hillwood. Piezas legadas por Marjorie para el disfrute de generaciones futuras que, junto con préstamos importantes de piezas que ella misma legó a otros museos y colecciones privadas, han regresado a su hogar por un tiempo para completar la muestra.

La exposición ofrecerá la oportunidad de examinar la gran calidad y belleza de las gemas en la colección, su significado histórico y la evolución del diseño en la joyería del siglo XX, desde los años 1900 hasta los años sesenta.

Una de las joyas más significativas y conocidas de la colección de Marjorie, que sigue en la colección privada del museo Hillwood, es un broche colgante de esmeralda y diamante hecho por la rama londinense de Cartier en la década de 1920. Esta pieza icónica, cuenta con más de 250 quilates de esmeraldas indias talladas del período mogol, incluyendo una esmeralda del siglo XVII tallada en forma de una flor con una inscripción persa en un lado.

Otro ejemplo es la gran joya de diamantes y rubíes que supuestamente se hizo a principios del siglo XIX para la duquesa de Oldenburg, hija de la gran duquesa María Nikolaevna.

En contraste, la exposición también cuenta con importantes piezas modernas, como un elegante broche floral de rubí y diamantes de Van Cleef & Arpels, que Marjorie compró en 1969.

Otros ejemplos son: un precioso alfiler de bailarina Van Cleef & Arpels inspirado en una pintura de Marie Camargo; un broche de peridoto, oro y diamante de David Webb y un anillo de amatista en forma de pera Verdura, todos ellos audaces en el diseño.

Estos son algunos ejemplos.

Yo, para los que estéis interesados, os dejo el link a la web con todos los detalles, y os animo a acercaros a ver tanto la casa como las joyas, si tenéis la gran suerte de viajar a Washington antes del 7 de Enero de 2018.

Hillwood Museum

Imágenes: Hillwood Museum

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Inspiración y artesanía, en los bolsos de Judith Leiber

Judith Leiber dedicó sesenta y cinco años de su vida a la industria de la marquetería, desde su Budapest natal hasta las calles de Nueva York, donde vendería bolsos a la élite con su marca de renombre internacional.

Aunque es más conocida por sus bolsos-joyas con cristales de Swarovski, Leiber abarcó durante su dilatada carrera muchos tipos de piezas. Desde bolsos de cuero finalmente labrados, hasta maletas y bolsas hechas con textiles.    

Su inusual talento para realizar bolsos de principio a fin, le valió un doble prestigio, como diseñadora y como artesana de gran calidad, revolucionando una industria con gran demanda entre el público que la hizo famosa, el estadounidense.

Así se convirtió en una gran empresaria, dejando huella a nivel creativo y empresarial en la ciudad que le dió la fama. Poseer una de sus piezas se convirtió (y todavía lo hace) en símbolo de prestigio.

Inspiración y artesanía, las características de Judith Leiber

Su inspiración provenía principalmente del mundo del arte, pero también de los viajes y del mundo de la ópera. En sus bolsos encontrarás referencias a pintores como Mondrian, Braque o Delaunay, pero también a óperas famosas o lugares exóticos.

Sus materiales variaron mucho a lo largo de su carrera, pues a medida que su fama se consolidaba, nuevos fabricantes acudían a ella para ofrecerle sus tejidos, ya que la utilización de una de sus telas suponía poner de moda un patrón o un estampado, algo a lo que aspiraban muchos fabricantes de telas.

Así, muchos de sus bolsos se construyeron con obis de Japón (fajas que sujetan los kimonos), cintas de Parsi de la India, y con telas de Irán y África.

¿Sabías que fué ella la primera en diseñar los populares clutch con forma de frutas y verduras?

Sí, gracias a esta gran artesana y artista, aficionada a buscar temas sorprendentes para sus creaciones, hoy sabemos que es posible aunar la sofisticación y el sentido del humor.

Judith Leiber: historia de Nueva York

La exposición del mes, que se celebra en el Museo de Arte y Diseño de Nueva York hasta el 7 de agosto, cuenta la historia de esta ilustre artesana, diseñadora y empresaria.

La muestra incluye bolsos que abarcan la historia de su empresa homónima, que Leiber fundó en 1963 a la edad de cuarenta y dos años, hasta el 2004, cuando diseñó su último bolso.

La exposición también explora el significado de los bolsos de mano en la cultura occidental del siglo XX, y la historia de los empresarios inmigrante y el tejido de Nueva York.

Sus creaciones han sido imitadas y copiadas en multitud de ocasiones, y su sombra es todavía alargada, algo que no dudarás al ver algunas de las imágenes que he seleccionado para ilustrar esta entrada.

Personalmente, me quedo con sus bolsos-joya hechos con cristales, sobre todo los que utilizan formas sorprendentes, pues se adivina una mujer atrevida, valiente y sofisticada con la que me siento muy identificada.

Si te animas a visitar la exposición este verano, podrás disfrutar de sus joyas más conocidas, así como un paseo por la historia de la marquetería y la historia de las telas del siglo XX.

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De Vroomen: Armonía de colores y formas

No es común encontrar matrimonios de artistas que se complementen. Normalmente, uno de los dos tiene más talento, algo que no sucede en la pareja de la que te voy a hablar hoy.

Leo y Ginnie de Vroomen se conocieron en la década de los 60, cuando él se trasladó a Londres desde su Holanda natal para ofrecer una conferencia en la Escuela Central de Arte y Diseño, donde conoció a la que sería su mujer y socia artística, Ginnie.

Juntos formaron una pareja de diseñadores y orfebres prolífica y original. Sus creaciones fueron fundamentales para la historia del diseño de los años 60 y 70. A medio camino entre la orfebrería y la escultura, sus piezas son pequeñas esculturas de oro, piedras preciosas y semipreciosas combinadas con su material fetiche, el esmalte.

A menudo combinado con el oro, el matrimonio De Vroomen se salió de la línea establecida dando a este material la oportunidad de completar piezas enormemente sofisticadas, sin miedo a introducir color o combinarlo con los mismísimos diamantes, como puedes ver en las imágenes de esta entrada.

Piezas únicas, poco convencionales, para un tipo de público moderno y arriesgado, pero que apostó por ellos y les dio gran reconocimiento internacional.

El estilo original del matrimonio De Vroomen

En lo que se refiere al estilo, Ginnie fue la responsable de dotar a las piezas de ese aire orgánico tan característico, a menudo similares a plumas, hojas y flores directamente reflejados de la naturaleza.

Sin embargo, el trabajo de Leo fue fundamental para llevar esas ideas hasta el nivel que les hizo famosos. Cuando el mundo de la joyería se limitaba a un catálogo de piedras, Leo abrió las puertas a otros materiales menos sofisticados, pero cuyo tratamiento poco convencional, conquistó al público de la época.

Probablemente su pieza más conocida sea este broche de oro y diamantes de estilo orgánico. Una delicada pieza que refleja su amor por el detalle (como buenos orfebres) y su arriesgada concepción de la joyería moderna.

Exposición homenaje

Desde el mes de abril hasta el 26 de julio de este año puedes disfrutar de una amplia selección de piezas de este matrimonio en la Compañía Goldsmith, organización londinense dedicada a la protección y fomento de la artesanía.

En ella se recogen piezas de esta pareja de diseñadores y orfebres pertenecientes a colecciones privadas y aportaciones de museos e instituciones, hasta reunir cinco décadas de armonía de colores y formas poco convencionales.

Además de las piezas más destacadas de su dilatada carrera, en esta exposición que se celebra en Londres, podrás disfrutar de bocetos realizados por Ginnie, inspirados en la naturaleza y el paisaje urbano.

Un total de 100 piezas únicas que se ofrecen ahora al público internacional en la sede de la Compañía Goldsmith, situada en el centro de Londres.

La entrada es gratuita, por lo que si tienes oportunidad de pasar unos días en la capital británica, te recomiendo que no pierdas la oportunidad de visitar esta exposición original.

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Activate con Google

El programa de formación Actívate de Google ofrece cursos gratuitos, presenciales y online de Marketing digital, certificados por instituciones de prestigio.

Actívate nació en 2014 para responder a la falta de formación en técnicas de Marketing digital entre los jóvenes, que estaba creando un vacío entre la oferta y la demanda de profesionales en el entorno.

El curso, que dura una semana y se imparte en universidades de prestigio de distintos puntos de la geografía española, cuenta con un grupo de profesores de gran prestigio.

Desde casi el principio, Google ha contado con mi colaboración, donde suelo acudir los lunes, que es el primer día del curso, a dar una charla de una hora de duración. En ella, cuento mi experiencia en redes sociales y  toda la estrategia de marketing que llevamos a cabo para convertir lo que era un negocio meramente offline, a una pequeña empresa con presencia en todas las redes sociales, con tienda online y blog propios.

Una charla muy practica en la que suelen participar activamente todos los alumnos.

Os dejo los links de más utilidad de Google, por si os animáis a realizarlo.

Twitter:

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google+

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más información:

http://www.ticbeat.com/educacion/activate-formacion-online-gratis-google/

WEB DE INFORMACIÓN

 

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Los Tesoros Principescos de la Corte de Navarra

Jeanne d’Albret, en España Juana de Albret, reinó con el nombre de Juana III de Navarra. Era la única hija de Enrique II de Navarra y de Margarita de Francia, de los que heredó una amplia colección de tesoros principescos.

Libros, joyas y piezas de orfebrería forman una impresionante colección, que hoy podemos contemplar gracias a la exposición que tiene lugar del 7 de abril al 9 de julio de 2017 en museo nacional de la ciudad francesa de Pau, a escasos kilómetros de la frontera española con el país vecino.

Una importante colección ampliada de generación en generación

El matrimonio de Juana con Antonio de Borbón consigue aumentar esta colección, gracias al gusto por lo exquisito que comparten ambos regentes.

Posteriormente, son sus hijos Enrique IV y Catalina de Borbón los que conservan y aumentan la colección con piezas de las colecciones reales francesas y europeas del siglo XVII.

Sin embargo, el traslado de la corte de Navarra a Fontainebleau en 1602, para sustituir a los Valois y las posteriores guerras de religión, dejaron esta colección reducida y dispersa.

Si la recuperación de esta colección tal y como se gestó es imposible, la colección a la que dedico hoy esta entrada pretende reunir al menos el patrimonio artístico. Si no contiene algunas de las obras originales, la exposición ha pretendido recrearlas con piezas que forman parte del mismo enfoque intelectual, artístico o político.

El jarrón de mármol gris procedente del Museo del Louvre, obra de Benedetto Ramelli, es la pieza más destacada. Está tallado en mármol procedente de los Pirineos, y es una obra rara en extremo, pues este material es difícil de tallar y pulir.

También es extraordinario el mango de cuchara en forma de sátiro, procedente Museo Nacional del Renacimiento (Castillo de Ecouen).

Así hasta 80 piezas procedentes de varios museos y colecciones europeas que el comisario de la muestra, Paul Mironneau ha sabido seleccionar con buen criterio.

La vuelta a los orígenes de la colección

Como se ha señalado con anterioridad, la colección original se dispersó en el año 1602. Para la celebración de esta exposición, 20 de las piezas seleccionadas han sido recuperadas del fondo del Museo de Pau.

La exposición, que se encuentra repleta de obras de calidad y que es similar a otras que han recibido el título de “principescas”, como las que se pueden encontrar en Lorena, entran dentro de este mismo enfoque intelectual.

 

Está abierta al público durante la primavera y el verano de 2017  y cuenta con la ventaja de exponerse en el palacio de Pau, cuyos trabajos de restauración acaban de finalizar. Además de un entorno espectacular, este palacio cuenta con jardines renacentistas que aderezan la visita.

Podrás encontrar esta exposición en la planta baja del palacio, en la gran sala llamada de los “Cien Cubiertos”, directamente relacionada con la memoria del château.

Tienes disponible toda la información relativa a los horarios de apertura y el precio de la exposición en la web del palacio de Pau.