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Ojo de Perdiz: Historia, Artesanía y Elegancia en la Joyería

ojo de perdiz

Quizá ya hayáis podido ver en nuestra web o instagram que hemos sacado una nueva colección de joyas: pendientes y anillos ojo de perdiz. El ojo de perdiz es una técnica milenaria en la creación de joyas, es mucho más que una simple ornamentación. Desde sus orígenes ancestrales hasta las exquisitas piezas que hoy encantan a coleccionistas y amantes de la joyería, este método cautivante ha dejado una huella indeleble en el mundo de la joyería. Te contamos la fascinante historia, técnica y la maravillosa artesanía que rodea a este tipo de joya.

Origen y Evolución del Ojo de Perdiz

El Ojo de Perdiz tiene sus raíces en la época victoriana de Inglaterra, aunque se cree que su historia se remonta aún más en el tiempo. Durante la era victoriana, esta técnica se convirtió en un distintivo de la alta joyería. Su meticulosa elaboración reflejaba la artesanía refinada y el gusto por lo exquisito que caracterizaban a la sociedad de aquel entonces. Aunque se popularizó en esa era, su origen exacto y su evolución a lo largo de los siglos pueden estar conectados con antiguas tradiciones de tallado de gemas en diferentes culturas.

Técnica y Proceso de Tallado Ojo de Perdiz

El tallado en Ojo de Perdiz implica una labor minuciosa y precisa sobre gemas, principalmente diamantes, para crear ese patrón conocido como «ojo de perdiz».

El término «ojo de perdiz» hace referencia al patrón que se forma en la superficie de la joya, parecido a la apariencia de los ojos en las plumas del ave perdiz. Este patrón se logra mediante un tipo de engaste que crea pequeños círculos concéntricos, similares a los ojos de la perdiz, proporcionando una textura característica y atractiva a la superficie de la pieza de joyería.

Esta labor artesanal se lleva a cabo con herramientas especializadas que permiten crear líneas y puntos finos, definiendo este patrón distintivo. La precisión requerida en este proceso es extraordinaria y requiere una habilidad manual excepcional para esculpir las gemas sin comprometer su estructura ni su valor.

Materiales y Destreza Artesanal

La selección de gemas de alta calidad es fundamental para el proceso de tallado. Los diamantes, por su dureza y durabilidad, son los preferidos. Sin embargo, la habilidad del artesano es esencial. Tallar minuciosamente la superficie de la gema sin comprometer su estructura es un desafío que requiere una maestría extraordinaria. La destreza del tallador y su capacidad para dar vida a estas joyas únicas es lo que realmente las hace excepcionales. La técnica del Ojo de Perdiz demanda una habilidad artesanal increíble, lo que se traduce en el reconocimiento de estas piezas como obras maestras.

anillo ojo de perdiz
Anillo Ojo de Perdiz Rosa

Curiosidades y Singularidades

Además de su belleza estética, el Ojo de Perdiz tiene una función práctica. Este tallado puede ocultar pequeñas imperfecciones naturales presentes en la gema, realzando su atractivo visual. Asimismo, este efecto visual único contribuye a mejorar la apariencia general de la joya, añadiendo un toque distintivo y especial.

La Perdurabilidad del Arte

A pesar de su antigüedad, el Ojo de Perdiz sigue siendo un arte venerado en el mundo de la alta joyería. Su meticuloso proceso de tallado y el encanto estético único que aporta a las gemas lo convierten en una técnica apreciada y atemporal en la creación de joyas exclusivas y sofisticadas. A través de los siglos, esta técnica ha mantenido su prestigio y relevancia en la industria joyera, consolidándose como una marca de autenticidad y distinción en la creación de piezas únicas y valiosas.

El Legado del Ojo de Perdiz

El Ojo de Perdiz es más que una técnica de tallado; es un legado en la historia de la joyería. Su presencia en piezas históricas y su continuo uso en la actualidad subrayan su relevancia duradera y su capacidad para embellecer gemas con un toque de refinamiento único. Este legado se proyecta como un símbolo de artesanía impecable y elegancia intemporal en la industria de la joyería, dejando su marca en colecciones y creaciones de valor incalculable.

Esperamos que os guste nuestra primera colección de ojo de perdiz. Nosotras hemos hecho una reproducción intentando acercarnos al patrón clásico de sortijas y pendientes diseñados en ojo de perdiz, siempre utilizando métodos artesanales adaptados a conseguir unos precios que se puedan adaptar a más personas.

Y ahora os preguntamos, ¿queréis que la hagamos en otros colores? Estamos pensando hacer los pendientes y las sortijas en azul y en verde, ¿os gustaría? ¡Te escuchamos! Y si quieres ver cómo quedan puestas, síguenos por Instagram, ya que allí os enseñamos todas nuestras joyas en vídeos.

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Tiara Poltimore: La historia de esta joya

tiara poltimore

Hoy queremos hablaros de una tiara espectacular, se trata de la Tiara Poltimore. Queremos hacer un recorrido sobre la historia de esta joya tan impresionante y descubriros alguna que otra curiosidad. 

Cuando más conocida se hizo esta tiara podemos decir que fue cuando la lució la Princesa Margarita el día de su boda, el 6 de mayo de 1960. Pero, ¿a quién pertenecía esta tiara?

poltimore tiara
Princess Margaret (Photo by Hulton Archive/Getty Images)

La Tiara de Poltimore

La diadema tiene una rica historia. Conocida como la tiara de Poltimore, perteneció originalmente a Lady Poltimore (Florence Bampfylde), la esposa del segundo barón Poltimore. De hecho, Margaret, la esposa del tercer barón Poltimore, usó la tiara en la coronación del rey Jorge V en 1911.

El nieto de Lady Poltimore, el cuarto barón Poltimore, puso la tiara a la venta en una subasta en 1959. Allí, fue donde la Princesa Margarita la compró por 5.500 libras.

La Princesa Margarita, a pesar de tener acceso a las joyas de la corona (la duquesa de Cambridge, por ejemplo, usa tiaras que le prestó la reina), la entonces joven de 29 años quería algo que pudiera llamar suyo. “Es algo tan moderno”, le dijo a Vogue Sara Prentice, directora creativa de House of Garrard. “Estamos descubriendo cada vez más que las mujeres compran para sí mismas, pero allá por 1959, ella lo eligió por sí misma. Debe haberle encantado hacer eso”.

Un año y medio después, el 6 de mayo de 1960, la princesa Margarita lució la tiara en la ocasión más importante: su boda con Antony Armstrong-Jones. Ahora era parte de la historia. Se convirtió en la tiara más asociada con la princesa Margarita, de hecho su esposo la fotografió en la bañera con ella puesta. 

Tiara Poltimore

La Princesa Margarita, no solo lució la tiara a modo de tiara, sino también como collar y broches. Porque si, esta tiara puede convertirse en collar y nada menos que 11 broches. 

La tiara Poltimore

Fabricada en 1870 por House of Garrard en Londres, es el epítome del estilo de joyería de la era victoriana: los diamantes en forma de cojín y de talla antigua  evocan la flora y la naturaleza. Estos se alternan con motivos de volutas engastados con diamantes, cada uno coronado por terminales de diamantes de talla antigua, hasta la línea de diamantes engastados en pinza, montados en plata y oro. 

Como comentamos antes, la tiara puede convertirse en collar y en 11 broches. Toda una auténtica joya. 

tiara de poltimore
La tiara Poltimore en collar

El paradero exacto de la tiara de Poltimore hoy en día se desconoce públicamente. Con el fin de recaudar fondos para cubrir los exorbitantes impuestos sobre sucesiones, los hijos de la Princesa Margarita subastaron la pieza en Christie’s en Londres el 13 de junio de 2006 junto con otras 90 joyas y muchas de sus otras posesiones personales. La tiara se vendió por £926,400. Naturalmente, algunos pensaron que la familia real debería haber comprado la joya histórica. El drama que lo rodea es realmente digno de un episodio completo de The Crown. De hecho, en la temporada 3 de la serie se vislumbra una escena que recrea el momento de Margaret en la bañera con la tiara Poltimore.

Y a ti, ¿qué te parece esta tiara? A nosotras nos vuelve locas!! Es que las novias con tiara son nuestra perdición. Te dejamos el link a nuestra colección de tiaras por si te interesa. 

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La Tiara Taylor o Tiara Mike Todd

tiara taylor

Hoy os traigo la última pieza que hemos creado para nuestra colección de joyas históricas de novia: la tiara Taylor. Una preciosa joya antigua de finales del S.XIX que Mike Todd regalara a su bellísima esposa Liz Taylor en 1957.

Tiara Taylor

La joya original montada en platino y oro, es un diseño muy clásico pero de una belleza y actualidad sorprendentes, que a nosotras nos ha servido de inspiración para crear esta elegante pieza que es el sueño de cualquier amante de las joyas antiguas.

mike todd tiara

El productor de cine falleció en un terrible accidente cuando apenas llevaba un año casado con la ya famosa actriz. Contaba la actriz en sus memorias que el día que se la entregó el productor la dijo: «Eres mi reina, y creo que deberías tener una tiara».

La actriz luciría la tiara por primera vez en los Premios de la Academia de 1957, donde la película de Todd  “La vuelta al mundo en ochenta días”

ganaría el Oscar a la Mejor Película. La actriz  también la lució en el Festival de Cine de Cannes ese mismo año.

tiara taylor

No importaba que las tiaras no estuvieran especialmente de moda en ese momento, ella la usaba y sabia de veras lucirla con total naturalidad y elegancia.

Las joyas de Liz Taylor

Os dejo el link a un curioso vídeo en el que vemos a la actriz con la joya. Y en el que al final vemos algunas imágenes del funeral de su entonces marido.

https://youtu.be/VKbAtO3rGS0

La colección de joyas de Taylor fue subastada después de su muerte. Gran parte de sus ingresos se destinó a su fundación para la lucha contra el SIDA. La tiara salió a subasta en diciembre de 2011 y se estimó que alcanzaría  un precio de venta de unos 80.000 $. Pero se remató en la astronómica cifra de 4.200.000$.

elizabeth taylor tiara

En este momento ignoro quién tiene esta increíble joya en su poder.

La Tiara Liz, como a mí me gusta llamarla, es la última pieza que ha entrado a formar parte de nuestra colección de tiaras de novia. Una joya inspirada en esta peculiar pieza que luciera una de las más bellas y grandes artistas de Hollywood.

Espero que os guste.

tiara taylor

 

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Collar Patiala: La historia del Maharaja Sir Bhupinder Singh

En el blog de hoy vamos a hablar de una de las piezas de joyería más espectaculares y caras de la historia. Se trata del collar Patiala, propiedad de Sir Bhupinder Singh, el maharajá de Patiala, hombre amante del lujo y de la ostentación. 

Quién fue Sir Bhupinder Singh

Maharaja Sir Bhupinder Singh, (1891 – 1938), de la realeza india, fue el maharajá gobernante del estado principesco de Patiala en la India británica desde 1900 hasta 1938.

Bhupinder Singh nació en Moti Bagh Palace, Patiala y se educó en el Aitchison College. A los 9 años, en 1900, sucedió como Maharaja del estado de Patiala tras la muerte de su padre, Maharaja Rajinder Singh. Un Consejo de Regencia gobernó en su nombre hasta que tomó poderes parciales poco antes de cumplir 18 años, y fue investido con plenos poderes por el virrey de la India, el cuarto conde de Minto, en noviembre de 1910.

collar patiala
Foto: National Portrait Gallery London

Fue quien fundó el Banco Estatal de Patiala en 1917. Además, se desempeñó como Canciller de la Cámara de los Príncipes de 1926 a 1931. Trabajó incansablemente por el mejoramiento de la vida de sus súbditos e introdujo muchas reformas sociales en Patiala.

Es quizás el maharajá más famoso de Patiala, mejor conocido por su extravagancia y por ser jugador de críquet. Sus equipos de cricket y polo, Patiala XI y Patiala Tigers, estaban entre los mejores de la India. Fue un gran mecenas de los deportes.

Las extravagancias de Sir Bhupinder Singh

Como comentábamos antes, a él le gustaba muchísimo el lujo. Por poner algunos ejemplos, fue el primer hombre en la India en poseer un avión, que compró al Reino Unido en 1910. Al tener un avión, tuvo que hacerse construir una pista de aterrizaje en Patiala. 

También era conocido por poseer una colección excepcional de medallas, que se creía que era la más grande del mundo en ese momento. Hizo construir un sistema de monorriel único en Patiala conocido como Patiala State Monorail Trainways. Y también mandó construir multitud de edificios con unos diseños arquitectónicos impresionantes. Entre ellos el Templo Kali y el Palacio Chail View.

Pero hoy queremos hablar de sus joyas. En concreto del collar Patiala.

Collar Patiala

Fue en 1925 que el padre de Sir Bhupinder Singh fallece. Como herencia, su padre le dejo un espectacular diamante amarillo conocido como “De Beers”. En ese momento, acudió a la joyería parisina Cartier para encargar que le hicieran uno de los collares más espectaculares de la historia. Una pieza que se diseñó directamente en base al diamante De Beers y que tiene casi 500 quilates.

collar patiala

El collar tenía cinco cadenas que se unían en una. Contenía 2.930 diamantes, incluido como pieza central el séptimo diamante más grande del mundo en ese momento, el «De Beers». Ese diamante tenía un peso precortado de 428 quilates y pesaba 234,65 quilates en su engaste final. Es el diamante amarillo talla cojín más grande y el segundo diamante facetado amarillo más grande del mundo. El collar también contenía otros siete diamantes grandes que oscilaban entre 18 y 73 quilates y varios rubíes birmanos. 

Esta fue la pieza de joyería más cara jamás hecha en la historia y, a día de hoy, habría costado unos 30 millones de dólares hacerlo. O sea, un auténtico espectáculo que el maharajá lució en todas las celebraciones a las que acudió en su reinado. Y no nos extraña nada, porque semejante joya merecía ser lucida infinidad de veces.

Que ha sido del collar Patiala

Por desgracia, de lo que sucedió con la joya a partir de 1947 poco o nada se sabe. Alrededor de ese año, cuando ya el maharajá había fallecido, el collar desapareció del Tesoro Real de Patiala.

Durante años no hubo señales de este collar, cuando de repente, el diamante “De Beers” reapareció en la subasta de Sotheby’s en 1982. Solo apareció el diamante, sin el collar. Allí, la oferta por el diamante alcanzó los $3,16 millones, pero no está claro si alcanzó su precio de reserva.

collar patiala

Años después, en 1998, Eric Nussbaum, un socio de Cartier, encontró parte del collar en una joyería de segunda mano en Londres. Estaba montado en un colgante. Cartier decidió comprar esa parte del collar y reemplazar las piedras que faltaban con réplicas para restaurarlo y que pareciera el original. Reemplazaron los diamantes perdidos con circonitas cúbicas y diamantes sintéticos. Y montaron una réplica del diamante «De Beers» original.

El collar Patiala ha sido tan importante que, incluso, Doc & Film International hizo un documental sobre él. Por si queréis verlo y profundizar mucho más en la historia del collar. 

Ahora solo podemos ver el collar en recreaciones y réplicas. De hecho, una nieta de Bhupinder Singh de Patiala ahora es joyera en California. Participó en una exposición «Maharajá: el esplendor de las cortes reales de la India» en el Museo de Arte Asiático, donde se exhibió el collar recreado.

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LOS BLOOMER: Una prenda para todas las mujeres con sentido común

bloomers

Desde hace varias temporadas los pantalones balineses o anudados al tobillo, sobre todo en verano, se llevan muchísimo. Esta prenda de corte oriental que vemos por la calle y que ahora lucimos con tantísima naturalidad, tuvo serios problemas de aceptación cuando fue introducida en el vestuario femenino a mediados del siglo XIX.

Aquí va su historia.

Los Pantalones Bloomers para mujer 

Todo empezó en la primavera de 1851 cuando una mujer estadounidense, llamada Elizabeth Smit Miller, hija del abolicionista y congresista Gerrit Smith, harta de no poder hacer con comodidad sus tareas de jardinería a causa de su abultada falda larga, tomó la resolución de acabar con el problema y, recordando  los amplios  pantalones de las mujeres turcas que había visto un viaje por Europa, ideó una nueva y cómoda forma de vestir para las mujeres.

Bloomers ¿Qué es?

El nuevo modelo consistía en unas enaguas largas y anchas que se estrechaban en los tobillos a modo de bombachos y, sobre ellas, iba una falda más corta que las habituales faldas victorianas. El nuevo look entusiasmó a su prima Elizabeth Cady Staton, quien lo adoptó de inmediato. Cady era amiga de la por entonces famosa sufragista Amelia Bloomer, que al verlo quedó fascinada y no tardó en ser portadora de uno de estos revolucionarios trajes.

bloomer

Amelia Bloomer en esa época dirigía su propio periódico: “The LilY”, una publicación dedicada a la mujer donde se trataban los temas femeninos – educación, moda, sufragio, etc. – desde el punto de vista reformista, reclamando la igualdad de la mujer en la sociedad. Amelia aprovechó la ventaja que supone tener su propio medio de comunicación y publicitó la nueva prenda femenina. Concretamente, en el número de mayo de 1951, recomendaba su uso y escribía: “para todas las mujeres con sentido común”. Fue tal el escándalo y la repercusión que tuvo la prenda que terminaron adoptando el nombre de la citada periodista.

La nueva prenda de vestir y su publicidad en el periódico de Amelia provocaron una oleada de indignación entre la sociedad e insultos en la prensa, pero esto solo hizo que se multiplicaran los artículos relacionados – algunos de la propia Elizabeth Cady Staton, que escribía bajo el seudónimo de “Girasol”- con la propuesta del uso de este nuevo atuendo reformista.

Pronto a estos pantalones se les conocieron con el nombre “The Bloomers”.

The Bloomers

Fueron muchas las mujeres que se atrevieron a usarlos a  pesar de ser ridiculizadas. Algunas lo usaban  convencidas de la gran comodidad que aportaban, otras lo hicieron por reivindicación usando los bloomers como símbolo de la igualdad de derechos de la mujer.  Pero, con el paso del tiempo, fueron las propias feministas las primeras en dejar de usarlos, al pensar que la popularidad  de los bloomers estaba desviando la atención de sus reivindicaciones y temiendo no ser tomadas en serio.

Al final los bloomers no desaparecieron siendo usados en gimnasios y sanatorios. Elizabeth Miller y Amelia no se rindieron tan fácilmente y mantuvieron su uso hasta finales de las década de 1850, incluso presentándose con ellos en recepciones y eventos sociales.

La desaparición de los bloomers fue solo momentánea, volviendo a aparecer su uso en 1890 para la realización de deportes a los que la mujer se estaba incorporando, como el ciclismo, el tenis o los baños de mar. Eso sí, su renacimiento trajo consigo alguna variación, como el uso de tejido más adecuados y la eliminación de la falda superpuesta.

BIBLIOGRAFIA:

Victoriana.com

La casa victoriana.com

WIKIPEDIA

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La moda de las estrellas como joya

Cuando hablamos de las estrellas no podemos evitar la ensoñación que estos astros provocan en nuestra mente. Son hermosas luces que  brillan en la oscuridad de la noche, nos alumbran y nos guían. Las estrellas son el símbolo de la esperanza.

En la segunda mitad del siglo XIX, cuando tocaba a su fin la época Victoriana, Europa se llena de estrellas. Reinas, princesas, damas de la corte y de la alta sociedad, todas se adornan  con brillantes estrellas.

La Reina María Pía de Portugal resplandece con una preciosa tiara plagada de estrellas de diamantes. La Reina Isabel II de España encarga a su joyero una diadema y un collar de estrellas, plagados de diamantes y esmeraldas que alumbran los salones de la corte madrileña. La Reina Emma de Holanda prefiere lucir sus estrellas salpicando su larga melena. La infanta María Teresa, hija de Alfonso XII y María Cristina, el día que celebra sus esponsales aparece deslumbrante con una diadema de estrellas de hermosos diamantes en el Ayuntamiento de Madrid.

En Inglaterra, la Reina Victoria quiere que su nieta Victoria de Hesse tenga sus estrellas, y le regala una bella tiara estrellada. La lista sería interminable.

¿Qué es lo que está pasando? La causante de este fenómeno es una mujer, la bella Emperatriz Isabel de Austria, conocida por todos como Sissi. Mujer innovadora, con una personalidad muy fuerte que atrae a hombres y mujeres, y un icono de la moda de ese momento. Recibe en su primer aniversario de bodas de su marido, el emperador Francisco José I, un set formado por veintisiete estrellas de diamantes con una perla en el centro.

Todas ellas se podían usar individualmente como broche, como colgante o entrelazadas formando una tiara. Son las estrellas que la emperatriz Sissi luce sobre su cabello trenzado, en el mundialmente conocido cuadro del pintor alemán de la corte francesa Franz Xaver Winterhalter, que fue encargado por su esposo y siempre tuvo cerca de él.

Además de este set de estrellas, encargado al joyero de la corte de Viena Heinrich Köchert, la Emperatriz poseía otro set de estrellas con diamantes engastados, pero sin perla, realizado por el otro joyero proveedor de la corte llamado Rozet & Fischmeister. Este último set es actualmente propiedad de unos particulares.

La Emperatriz crea tendencia, y es entonces cuando se ponen de moda en toda Europa las joyas en forma de estrellas. En 1932, durante la época dura de la depresión, Cocó Chanel decide lanzar en Nueva York una colección de joyas compuesta por 80 piezas, inspirada en los cometas y las estrellas. Está decidida a “cubrir a la mujer con toda una constelación de estrellas”.

Tiffany también se inspira en las estrellas victorianas y diseña una serie de joyas con la estrella de protagonista.

Más cercano en el tiempo, el famoso joyero brasileño H.Stern lanza una bella colección de estrellas inspiradas en las estrellas del 1900, realizadas en diamantes sobre oro blanco.

Últimamente hemos visto caminar sobre la “alfombra roja” de Holliwwood a buena cantidad de estrellas del cine, luciendo joyas de la firma Amrapali con forma de estrellas.

Las idea de salpicar un  recogido de cabello con pequeñas estrellas brillantes el día de tu boda, es una romántica y vintage alternativa a la clásica tiara o diadema.

Aquí os dejo el link a la peineta que hemos reproducido en forma de estrella:

Peineta estrella 

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Joyas de luto

joyas de luto

La palabra “luto” procede del vocablo latino “luctus”, que significa dolor, aflicción, pena. El luto es la expresión externa del sentimiento de duelo producido por el fallecimiento de un ser querido. La manera de manifestarlo varía según los diferentes tipos de culturas.

El origen de la costumbre de emplear el color negro en el luto por la muerte de un ser querido, típico de la cultura occidental, nos sitúa en el imperio romano. En este periodo tanto hombres como mujeres ya empleaban el color negro como expresión de duelo. Los magistrados romanos portaban en los cortejos fúnebres la “praetexta pulla”, una toga de color negro o gris oscuro, y las mujeres, desprovistas de todo tipo de adornos, vestían también ropajes de color negro.

joyas de luto

Desde la muerte del ser querido hasta las exequias llevaban el “Ricinium”, prenda que cambiaban durante los funerales por un vestido negro más amplio llamado “pulla palla”.  Años más tarde, en la época imperial, las mujeres fueron poco a poco haciendo uso del color blanco como color de luto, llegando a ser un signo de status social.

A partir del siglo II es cuando el color blanco se convierte en el color oficial del luto. Costumbre que se prolongará hasta la Europa medieval. No será hasta 1497, con la muerte del príncipe Juan, hijo de los Reyes Católicos, que se establece en España “La pragmática de luto y cera”, un conjunto de leyes mediante las cuales quedaba el color negro oficialmente establecido como expresión de luto, y desde allí se extenderá por toda Europa y América.

joyeria de luto

Pero el gran “esplendor” del luto ocurrirá en el siglo XIX en Gran Bretaña. A raíz de la muerte del Príncipe Alberto en 1861 su esposa la Reina Victoria, desolada por esta desgracia, impuso un riguroso luto en la corte.  Pero las damas seguían asistiendo a toda clase de actos sociales, con lo cual se volvió habitual el empleo de la joyería de luto.

Joyas de luto

Piedras como el azabache, la obsidiana, el ágata negra y la hematita se trasforman en hermosos collares, broches, colgantes, pulseras, pendientes y tiaras. La gran demanda de azabache hizo subir de manera escalofriante el precio de las joyas, pero un americano llamado Charles Goodyear y un inglés Thomas Hancock inventan un nuevo material llamado ebonita o vulcanita, hecho con una mezcla de caucho, azufre y aceite de linaza, que pulido logra un brillo muy similar al azabache, pero con un precio mucho más asequible. Con lo cual la joya de luto estuvo al alcance de todas las clases sociales.

joyas de luto

El luto en esta época es un gran negocio y origina a su alrededor toda una industria. En París nace la Maison de Noire y en Londres la Maison de Deuil, dos casas en las que se que venden todo tipo de prendas y accesorios de luto: vestidos, sombrillas, guantes, mantillas, velos, … De Suecia llega la moda de la joya elaborada con cabello humano, de la que ya os hablé hace unas semanas, creándose una artesanía que es aceptada con gran entusiasmo. Un mago de este tipo de joya es Antoni Forrer, el cual logra tejer los cabellos como si fuera encaje creando unas espectaculares piezas de joyería.

Joyería de luto: significado

Los motivos  decorativos en las joyas de luto solían ser temas florales. La rosa, si estaba en forma de capullo, significaba la muerte de un niño, y si la rosa estaba abierta significaba la muerte de un adulto. También  temas vegetales de árboles, como el sauce, o la representación de un barco o un ancla simbolizando el largo viaje sin retorno.

joyería de luto

A partir del siglo XX el color negro y las joyas de color negro dejaron de ser exclusivos de los ámbitos de luto, extendiéndose su uso para otros menesteres y llegando el negro a ser un color sinónimo de elegancia, muy usado en actos sociales de etiqueta.

No obstante, el color negro o los tonos oscuros siguen siendo un color usado en los actos de condolencia en el fallecimiento de una persona.

¿Conocíais este tipo de joyería?

Si tenéis alguna de estas joyas en vuestra familia me encantarara que me mandéis alguna foto para verlas y si os apetece publicarlas en este artículo.

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Louise Uphoff: Una novia demasiado clásica para su época

novia victoriana

Hace unas semanas os hablaba sobre lo vanguardista que resultó para la época el vestido de novia de Katherine Worth Phillip. Su boda fue solamente un año antes que la de Louisa Uphoff, pero ella se atrevió con un diseño mucho más moderno para la época.

Por el contrario, el vestido de novia de Louisa Uphoff en 1875 no tiene el estilo vanguardista que tenía el de Katherine. Louise seguramente sería una joven mucho más recatada y sencilla, por lo que eligió un diseño mucho más apropiado para los manuales de etiqueta de la época. El escote es alto y las mangas largas; el vestido es la viva imagen de la modestia

Uphoff también eligió usar satén blanco, algo que en la época ya recomendaban en el libro sobre el “Arte del buen vestir” de S. S Frost y su compañero y escritor de etiqueta Cecil B. Hartley. Así versaban las palabras del reputado estilista: “Desde la hija del millonario a la hija del mecánico siempre hay una regla, que la novia debe vestir de color blanco en todas partes. Vestido, velo, guantes, zapatillas, guirnalda, todo tiene que ser de color blanco puro para una novia.

En el libro se lamentaban de los adornos extravagantes que prodigaron en algunos de los vestidos de novia norteamericanos. Hartley recomendaba que la simplicidad era la opción más sabia.

Se podría decir que Uphoff embelleció excesivamente su vestido con hileras de volantes, encajes en el escote y varios adornos de azahar alrededor de la falda

El padre de Luoisa, George H. Uphoff, era propietario de una caballeriza, y la familia residía en los barrios del este de Walnut Hills de Cincinnati, siendo probablemente de clase media. Uphoff seguramente consultó diversas revistas de moda para decidir sobre un diseño elegante para un día tan especial.

El vestido no cuenta con etiqueta alguna, por lo que probablemente recurriría a alguna modista local, igual que hizo Ada Davis en 1874.  Ya la hubiera gustado a la novia recurrir a algún afamado diseñador parisino, pero no todas las jóvenes tenían la fortuna suficiente para costearse un traje de esas características.

marca plata novio

Louisa Uphoff (1853-1933) se casó con Frank Xavier Bernard Homan (1851-1879) en mayo de 1875. Frank heredó el negocio familiar tras la muerte de su padre en 1865. una reputada fábrica de plateado y utensilios de Britannia llamada Homan & Co.

La temprana muerte de Frank de fiebre tifoidea en 1879, ocurrió cuando Louisa estaba embarazada de su tercer hijo. Louisa y su cuñado, Henry Korf, trabajaron en Homan & Co. durante años. La firma de plata desapareció en 1941.

Bibliografía:

“Arte del buen vestir”

@ Wedding Perfection- Two Centuries of wedding Gowns- Cynthia Amnèus.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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La Maison Bapst

Así se llamaba una importante generación de joyeros parisinos, que durante dos siglos atendieron las demandas de la corte y de la alta sociedad francesa.

Esta familia de joyeros era de origen alemán, procedentes de un precioso pueblo del sur de Alemania llamado Hall. De allí, en 1743, salió rumbo a Paris George Michel Bapst para trabajar de joyero junto a su tío Georges Frederic Strass, que le cedió parte del negocio. Poco a poco Georges Michel fue ganándose una buena clientela. Se casó, y su hijo George Frederick Bapst continuó con el negocio, llegando a ser nombrado joyero–orfebre oficial del rey de Francia Luis XVI. Uno de los primeros encargos que le encomendó fue la ejecución de una espada adornada con piedras preciosas, diseñada por un famoso joyero parisino.

BRAZALETE 1887

A partir de entonces los Bapst continuaron siendo joyeros de la Corte durante el Segundo Imperio, 1852 al 1870. Restauraron joyas de Napoleón para Luis XVIII, diseñaron y realizaron joyas para la coronación de Carlos X. Pero, sin duda, los encargos más numerosos fueron los de la emperatriz Eugenia de Montijo, esposa de Napoleón III. La emperatriz sentía predilección por las sutiles creaciones de Alfred Bapst, sobre todo le encantaban los diseños de follaje y ramas, encargándole numerosos broches, tiaras, prendedores de pelo y aderezos.

El hijo de Alfred, German Bapst, se asoció en 1853 con el joyero francés Lucien Falize. Los dos nuevos socios tuvieron un gran éxito y gozaron de gran prosperidad, hasta que en 1892 se disolvió la asociación. La Maison Bapst cerró sus puertas, desapareciendo del mundo de la joyería francesa esta importante dinastía de joyeros.

 

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Gargantillas de encaje, una idea vintage

gargantillas de encaje

Este mes os traigo una idea Vintage muy de moda en esta temporada, que nos demuestra que todo vuelve y que los grandes modistos encuentran su máxima inspiración en el pasado.

Gargantilla de encaje y María Antonieta

El vulgarmente conocido como “collar de perro” o “choker”,  una gargantilla pegada al cuello que los grandes modistos han presentado en muchos de los desfiles de esta última temporada, tiene su inspiración en la moda francesa del S.XVIII.

gargantillas de encaje

Hay muchas anécdotas y leyendas que rodean la aparición de este favorecedor complemento. He leído que las mujeres francesas se colocaban una pequeña cinta roja, algunas veces haciendo forma de cruz en el cuello, en recuerdo de sus familiares y amigos muertos en la guillotina. También fue costumbre que las prostitutas llevaran una pequeña cinta de terciopelo negra al cuello, para distinguirlas de las mujeres de buena vida.

Lo que es seguro es que la gran María Antonieta, todo un icono de la moda de ese siglo, ya las lucía en algunos de sus más famosos retratos.

gargantilla vintage

Collares de encaje en la época victoriana

Terminado el S.XVIII, las mujeres  de la época Victoriana comienzan a usarlas como símbolo de riqueza, adornando estas cintas con llamativos broches de perlas y piedras preciosas.

Yo hoy os traigo parte de la colección de collares de encaje que tenemos este invierno en la tienda. Muchos de ellos llevan pequeños camafeos, muy de moda en la estética victoriana, desde que la  siempre elegante Reina Victoria recuperara esta tradición y comenzara a lucirlos en muchas de sus joyas.

Aunque las novias no suelen lucir collares y yo, la verdad, no soy muy partidaria de ellos para el vestido de boda, sí son un complemento perfecto para las invitadas.

A mí me gusta mezclarlos mucho con prendas menos vestidas para darle un toque un poco más informal.

¿Soléis usar collares en las bodas?

¿Qué os parecería llevar uno de estos de encaje?

Os dejo el link a la web con parte de nuestra colección de collares de encaje 

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Idea Vintage – Victorian Ladies Boots

Si estás desesperada y no encuentras zapatos que te convenzan para el día de tu boda, hoy te traemos una original alternativa que  se puso muy de moda a mediados del S.XIX.

El botín de seda es un complemento perfecto para las novias de otoño y de invierno, con ellos darás un toque muy especial a tu look de novia. El botín es una opción excelente, original y muy estilosa.

A principios del año 2000, algunos de los más famosos diseñadores de trajes de novia incorporaron esta tendencia tan original, y desde entonces no hemos parado de ver diferentes versiones de este tipo de calzado para el día de la boda.

El botín complementa igual de bien a un vestido de estilo vintage, como a un vestido romántico y vaporoso. Existen gran variedad de modelos y materiales: forrados de encaje, de satén, con cintas de raso, …

Con cualquiera de ellos daréis un toque “chic” muy vintage a vuestro look de novia.

¡Atreveros, no os arrepentiréis!

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Imágenes:

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Collections.lacma.org

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Amalia Von Schintling

amalia von schintling

Amalia, solo contaba con 19 años de edad cuando la realizaron este precioso retrato. La joven nunca llegó a casarse porque poco después de finalizar la pintura murió de tuberculosis.  Viendo este retrato nadie puede imaginar el terrible desenlace, vemos a una joven que emana salud, belleza y dulzura, con un toque enigmático oriental que lo proporciona la bonita capa roja adamascada, junto con la diadema y los pendientes.

Pero el retrato tiene una curiosa historia detrás. El rey Luis I de Baviera, que era un obsesionado de la belleza, encargó al pintor de cámara Joseph Karl Stieler para su palacio de Nymphenburg (Baviera), una colección de 36 retratos de las mujeres más bellas de Munich. Actualmente la colección está expuesta en la “Galería de las Bellezas” del palacio. Durante más de 20 años el artista retrató a bellas damas de la nobleza, la corte o incluso de clase más baja.  Dicen las malas lenguas que la mayoría de ellas pasaron por la alcoba del rey en algún momento.

amalia von schintling

Nuestra joven y bella Amalia Von Schintling había nacido en  Munich en el año 1812,  y era la hija mayor de Lorenz von Schintling y Theresia von Hacke. El cuadro estuvo a punto  de no formar parte de la colección, ya que el prometido de Amalia se oponía a ello. Fue el padre de la joven el que consintió en incluirlo finalmente.

A mí me encantararía, ahora que conozco la existencia de esta galería de bellezas, irme hasta este famoso palacio y contemplar, con tiempo, cada uno de estos hermosos retratos.

¿Alguno de vosotros ha visitado esta famosa galería?