En el vasto lienzo de la historia, hay figuras que destacan por su influencia y complejidad. Una de ellas es sin duda La Malinche, cuya historia se entrelaza con los eventos que marcaron el encuentro entre el Viejo y el Nuevo Mundo. Acompáñame en este viaje para descubrir quién fue esta enigmática mujer y el papel que desempeñó en uno de los momentos más significativos de la historia de América.
Además, te enseñamos los pendientes que hemos reproducido inspirándonos en esta trepidante mujer.
¿Quién fue La Malinche?
Conocida por muchos nombres, como Malintzin, Malinalli o Doña Marina, La Malinche fue una figura central durante la conquista de México por parte de los españoles en el siglo XVI. Nacida en la región de Tabasco, México, en el seno de la nobleza azteca, su vida tomó un giro radical cuando fue capturada y posteriormente entregada como esclava a los conquistadores españoles. Al ser bautizada como Marina por los españoles, se convirtió en una pieza fundamental para Hernán Cortés como intérprete, consejera y confidente.
La mujer de Hernán Cortés: el puente entre dos mundos
La Malinche no solo fue una intérprete hábil y una guía indispensable para Hernán Cortés durante la conquista de México, sino que también desempeñó un papel crucial como mediadora cultural entre los conquistadores europeos y los pueblos indígenas de Mesoamérica. Su dominio del náhuatl y su comprensión de las complejidades políticas y sociales de la región la convirtieron en un puente vital entre dos mundos en conflicto. Además de servir como intérprete, se cree que La Malinche jugó un papel estratégico al ayudar a Cortés a forjar alianzas con tribus indígenas descontentas con el dominio azteca, lo que contribuyó al éxito de la conquista española.
La Malinche en la Historia y la Literatura
A lo largo de los siglos, la figura de La Malinche ha sido objeto de interpretación y controversia. Para algunos, fue una traidora que traicionó a su propio pueblo al aliarse con los conquistadores. Para otros, fue una mujer valiente que luchó por su supervivencia en un mundo dominado por hombres. Su historia ha sido inmortalizada en obras literarias, obras de teatro y pinturas, reflejando las múltiples facetas de su legado. Destaca su papel en la obra «La Malinche», escrita por el poeta mexicano Rosario Castellanos, que reinterpreta su historia desde una perspectiva más humana y empática.
Un Legado Controvertido
El papel de La Malinche en la conquista de México sigue siendo objeto de debate y reflexión en la actualidad. ¿Fue una víctima de las circunstancias o una protagonista activa en los eventos que cambiaron el curso de la historia? Su legado es complejo y controvertido, pero su influencia en la historia de América es innegable. Además de su papel en la conquista, La Malinche también dejó un legado lingüístico significativo: su dominio del náhuatl y su capacidad para comunicarse en español fueron fundamentales para la comunicación entre los conquistadores y los pueblos indígenas, y su figura se convirtió en un símbolo de mestizaje y de la mezcla de culturas en América Latina.
En resumen, La Malinche es mucho más que una figura histórica; es un símbolo de la complejidad de las relaciones entre culturas, así como de la lucha por la supervivencia y la identidad en un mundo en constante cambio. Su historia nos invita a reflexionar sobre el pasado y a cuestionar nuestras percepciones del bien y el mal en la historia.
Vintage by Lopez-Linares
Quisimos hacer unos pendientes que nos recordaran a los que se cree que pudo llevar La Malinche, como se ve en la fotografía de arriba. Los pendientes están realizados a mano, como siempre hacemos, en plata bañada en oro con piedras de aguamarina y amatista. Unos pendientes con una forma muy característica que lucen mucho a la cara gracias a las piedras naturales. Te dejamos el link a los pendientes Newton por si quieres verlos mejor.
Coincidiendo que estamos en la semana de Halloween queríamos hablaros de esta curiosa tradición. ¿Sabías que el origen de esta celebración no viene directo de Estados Unidos, sino de lo que hoy conocemos como Irlanda?. Halloween surgió a raíz de una costumbre celta y hoy te contamos la historia de su origen.
La tradición se originó con el antiguo festival celta de Samhain, cuando la gente encendía hogueras y se disfrazaban para ahuyentar a los fantasmas. En el siglo VIII, el Papa Gregorio III designó el 1 de noviembre como una fecha para honrar a todos los santos. Pronto, el Día de Todos los Santos incorporó algunas de las tradiciones de Samhain. La noche anterior se conocía como la víspera de Todos los Santos (en inglés All Hallows Eve) y más tarde, fruto de ese término, se conoce como Halloween.
El origen de Halloween
Como decíamos antes, la tradición de Halloween en Occidente se remonta a miles de años atrás. Concretamente al festival de Samhain, es decir, el festival celta de Año Nuevo. Porque para los celtas el año nuevo comenzaba el 1 de noviembre. Pero no solo eso, sino que también marcaba el fin del verano. De hecho, Samhain significa exactamente “fin del verano”. Por lo que este festival marcaba el cierre de la temporada de cosecha y la llegada del invierno (y el nuevo año).
Los celtas creían que el velo entre los mundos; el de los vivos y el de los muertos era más estrecho en ese momento. Y que, por tanto, los muertos podían regresar y caminar donde lo habían hecho antes. Además, aquellos que habían muerto en el último año y que, por una razón u otra, aún no se habían marchado del todo, podían hacerlo en este momento. Y podían interactuar con los vivos para despedirse.
Además de causar problemas y dañar las cosechas, los celtas pensaban que la presencia de espíritus del otro mundo facilitaba a los druidas, o sacerdotes celtas, a hacer predicciones sobre el futuro. Para un pueblo totalmente dependiente del volátil mundo natural, estas profecías fueron una importante fuente de consuelo durante el largo y oscuro invierno.
Para conmemorar el evento, los druidas construían enormes hogueras sagradas, donde la gente se reunía para quemar cosechas y animales como sacrificio a las deidades celtas. Durante la celebración, vestían disfraces, que generalmente consistían en cabezas y pieles de animales, e intentaban adivinar la suerte de los demás y leer el futuro.
El dia de todos los Santos
La cristianización de símbolos paganos, templos, festivales, leyendas e iconografía religiosa está bien establecida y se aplica al festival Samhain, así como a muchos otros. El Papa Bonifacio IV, en el siglo VII fijó el 13 de mayo como el Día de Todos los Santos (All Hallows’ Day), día festivo para celebrar a aquellos santos que no tenían un día propio. Lo hizo cuando consagró el gran templo pagano del Panteón en Roma a Santa María y los mártires cristianos. Pero, en el siglo VIII el Papa Gregorio III decidió trasladar la fecha de la fiesta al día 1 de noviembre.
Algunos eruditos afirman que se hizo intencionalmente. Con el objetivo de cristianizar a Samhain al convertirlo en la Víspera de Todos los Santos. Esto probablemente sea cierto, ya que el movimiento en su día, seguía un paradigma cristiano establecido de «redimir» todas las cosas paganas en un esfuerzo por facilitar el proceso de conversión de una determinada población.
Halloween hoy en dia
Hoy en día hemos conservado algo del origen de esta festividad, pero ha evolucionado mucho. En España por ejemplo ya hace varias décadas que incluimos esta festividad en nuestro calendario. Y la verdad es que la forma en que lo celebramos nosotros en España es muy parecida a la de Estados Unidos.
Las fiestas, tallar calabazas, pedir dulces y usar disfraces aterradores son algunas de las tradiciones consagradas de Halloween. Y como no, decorar con telarañas, murciélagos y calabazas… nuestras casas, colegios y trabajos. Y como olvidarnos de los dulces y chuches! Son de lo más importante de Halloween. De hecho, ¿sabías que una cuarta parte de todos los dulces que se venden anualmente en Estados Unidos se compran para Halloween? Y a ti, ¿qué te parece esta fiesta? ¿La celebras?
Aunque a veces se considera una piedra preciosa, los corales son, de hecho, un pólipo muy pequeño. Vive en colonias, secretando un esqueleto ramificado calcáreo que puede ser rojo, rosa o incluso blanco. Tenemos un post en nuestro blog en el que os hablamos un poco mas del coral en joyería, podéis verlo aquí.
Pero hoy queríamos hablar del coral en la mitología. Os vamos a contar la historia de cómo surgió el coral en la naturaleza, según la mitología antigua. Una historia muy curiosa y bonita que creemos que os puede interesar.
Los corales en la mitología
Cuenta Ovidio que, después de matar a Medusa y liberar a Andrómeda, Perseo colocó la cabeza de la Gorgona sobre un lecho de algas para evitar dejarla directamente sobre la arena. Las algas absorbieron la sangre del monstruo y se convirtieron en piedra. Las ninfas marinas, presenciando este milagro, repitieron el experimento con otras ramitas y las esparcieron por el mar como plántulas. Así, según Ovidio, el coral adquirió su cualidad de ser blando bajo el agua y endurecerse al contacto con el aire.
En la antigua Roma y durante la Edad Media, se creía que el coral tenía propiedades curativas. También se pensó para protegerse de los maleficios. Plinio cuenta que la gente ponía coral alrededor del cuello de los bebés como amuleto contra el peligro.
Estas cualidades esotéricas se trasladaron a la iconografía cristiana. En las escenas de la Virgen y el Niño, a veces se ve una ramita de coral en la mano de Cristo o alrededor de su cuello, como señal de protección.
Madonna di Senigallia
Un collar de coral y pendientes de coral son usados como adornos por la personificación de África en la representación de las cuatro partes del mundo.
Cuatro partes del mundo
Y también en muchas otras pinturas como esta de Andrea Mantegna, Victory Altarpiece.
Mantegna. Madonna della VittoriaMantegna. Madonna della Vittoria (detalle)
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En nuestra colección de joyas vintage encontrarás muchas piezas realizadas con distintos tipos de coral. Tenemos coral rojo, coral piel de ángel… Te dejamos el link a nuestra web para que veas la colección de joyas de coral.
La joyería ha jugado durante mucho tiempo un papel importante en el subcontinente indio. La evidencia de adorno personal aparece temprano, en Pakistán ya en el cuarto milenio AC, se encuentran figurillas de terracota de la diosa Madre. En el noroeste, el gran complejo cultural de Harappa del valle del Indo (2300-1700 a. C.) ha producido una gran cantidad de joyería antigua: incluidas cuentas de metales preciosos, fayenza y piedras semipreciosas. En el sur de la India, se encuentran joyas espectaculares en tumbas de finales del primer milenio antes de Cristo. Los hallazgos que acompañan a los entierros en Nilgiri Hills, al sur de Mysore, pueden datar del mismo período o de un período ligeramente posterior.
Joyas de la India
El floreciente centro urbano de Taxila, que una vez fue una gran ciudad de Gandhara (aunque aparentemente insignificante en el siglo VII) se enriqueció con el comercio y las influencias extranjeras a principios de la era cristiana. El sitio ha dado lugar a joyas de oro magníficas y bien conservadas, en particular collares, colgantes y anillos, caracterizados por un dominio de la granulación y la incrustación. Las piedras utilizadas para incrustaciones se cortaron y grabaron de diversas formas. Y las cuentas grabadas se encuentran abundantemente aquí y en otros lugares. Algunos de los hallazgos de Taxila tienen afinidades con el mundo Iraní y, a través de él, con las tradiciones de los asiáticos.
La joyería antigua en la India
Dado que la costumbre funeraria india se convirtió casi universalmente en la cremación, las joyas depositadas en los santuarios budistas de los primeros siglos de la era cristiana se convierten en una importante fuente de información. Una caja de talismán de ocho lados que se encuentra en la estupa es, claramente, del tipo que usan las deidades budistas. Las estupas eran sólidas estructuras abovedadas, a menudo con una cámara de reliquias en la que se consagraban los restos personales. Junto a ellos, artículos de joyería, en cajas de metales preciosos realizadas mediante técnicas en las que se ejerce plenamente el arte de la joyería.
Adornos de oro
Inevitablemente, muchas joyas preciosas no han sobrevivido, pero las esculturas de deidades, majestuosamente adornadas, dicen mucho sobre el uso indio de los adornos. A medida que se desarrolló la escultura hindú y budista, las joyas representadas en ella muestran la mayor diversidad y profusión; de hecho, las figuras a veces pueden parecer sobrecargadas y el adorno puede predominar sobre la vestimenta.
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Viendo algunos modelos de joyería india, ¿no pensáis que los podremos lucir a día de hoy perfectamente? Nosotras desde luego lo haríamos encantadas. En nuestra colección de joyas no hemos llegado a reproducir o inspirarnos en este tipo de joyas, pero podría ser una buena idea. Vosotras qué pensáis, os leemos!
¿Conocéis lo que es la técnica encáustica?.¿Los famosos retratos de Fajum? o ¿Las joyas más deseadas por las mujeres romanas? Pues si os interesa alguno de estos temas no podéis perderos nuestro post de hoy. Venimos a hablaros de las crotalias.
Nos situaremos en Egipto y en la época en que se convirtió en una provincia de Roma, sobre el año 30 a. C. Los romanos comenzaron a establecerse allí y adoptaron prácticas locales, incluido el ritual mortuorio de la momificación. En el siglo I d.C., los romanos habían introducido su propia costumbre funeraria de sujetar y envolver un retrato del difunto, pintado en un panel de madera, sobre la momia. Este método de entierro duró unos 300 años, aunque la datación de estos retratos es controvertida, abarcan de mediados del siglo I hasta el siglo IV.
Los retratos romanos
Se los conoce colectivamente como retratos de momias de Fayum ya que la mayor parte de ellos fueron encontrados en las necrópolis de El Fayum. Hoy vamos a centrarnos en uno de los hallazgos más curioso ya que esta serie fue descubierta casi de manera casual por el arqueólogo Sir Flinders Petrie y su esposa Hilda Mary Isabel Petrie en 1889. El matrimonio viajaría hasta la zona con el propósito de exhumar los vestigios de Amenemmes III y su tiempo, pero en el trascurso de las excavaciones se toparon con un inmenso cementerio romano.
En un principio no se pusieron muy contentos con el hallazgo hasta tal punto que abandonaron la excavación para continuar en otro sitio, hasta que fue uno de los obreros el que llego con la noticia de que “ una mujer le miraba desde una máscara de niña muerta” Flinders escribiría en su diario “ una hermosamente dibujada cabeza de niña, en suaves tintes grisáceos enteramente clásica en su estilo y moda. Dos días más tarde aparecería otra bella mujer, y en enseguida el bello retrato de un hombre coronado con una guirnalda estucada y dorada, pocos días después hallaría debajo de la cabeza de una joven un largo rollo de papiro que contenía la mayor parte del Libro II de la Hiliada de Homero, la tumba de una niña llena de juguetes… Durante los meses siguientes escavarían toda la zona hallando no solamente 81 maravillosos retratos también numerosos objetos de la época. Se les conoce colectivamente como retratos de momias de Fayum. Esto se debe a que la mayor parte de ellos fueron encontrados en las necrópolis de El Fayum.
Los retratos de El Fayum son muy importantes ya que representan algunos de los retratos más antiguos, mejor conservados y pintados de la historia del arte occidental. Son el único gran conjunto de arte de esa tradición, de los que se han encontrado alrededor de mil ejemplares.
Los retratos están situados sobre el rostro del difunto momificado (tal como podemos ver en la imagen), sujetos entre las bandas de tela (o cartonaje) que envolvían los cuerpos. Casi todos han sido actualmente separados de las momias. Normalmente, representan a una sola persona. Mostrando el rostro o la cabeza y el torso superior, vista frontalmente.
El arte de los retratos romanos
En términos artísticos, la imagen tiene una influencia claramente greco-romana más que egipcia. Se pueden distinguir dos grupos de retratos de acuerdo a la técnica: uno de pintura encáustica (con cera) y otro en pintura al temple.
Estos asombrosos retratos realistas de hombres, mujeres y niños tienen un atractivo enorme. Ya que nos muestran no solo una amplia diversidad de las personas que alguna vez vivieron en el Egipto romano, sino también la complejidades de los peinados, la ropa y las joyas que eran populares hace dos mil años.
Representan la fusión entre la pintura griega, el arte realista romano y la religión del Antiguo Egipto. Por la creencia de los egipcios en el tránsito al más allá, era necesario que sus retratos fuesen lo más reales posibles. Con la finalidad de ser reconocidos después de la muerte. Esto hace que podamos ver con extrema claridad y realismo sus rasgos.
El clima cálido y seco de Egipto ha sido una de las causas por las que estos retratos han llegado hasta nuestros días casi intactos. Por eso están tan bien preservadas e incluso, a menudo, conservan sus colores brillantes. Pero también ha sido gracias a la técnica encáustica, o encausto, empleada para terminar esta pequeña obra.
La técnica encáustica
La encáustica es una técnica pictórica empleada por primera vez por los egipcios para pintar los retratos de las tumbas funerarias. También se usó en Pompeya y en Roma para las pinturas murales. La técnica, muy resumida, consiste en aplicar una mezcla de cera fundida de abeja y resina de damar en distintas proporciones. Según el material sobre el que vayamos a trabajar. No huele, tarda unos pocos minutos en secar y endurece por completo en unas semanas. Y, como veréis, su durabilidad es increíble, ya que todos estos retratos de los que os vamos a hablar hoy están conservados con esta técnica. La mezcla se calentó y se aplicó rápidamente, antes de enfriar, a la superficie de un panel de madera con un cepillo y herramientas, dejando en la superficie distintas texturas.
La encáustica tiene propiedades similares a las de los barnices. Dando un brillo y saturación de color excepcional. Pero el acabado es cálido y con un brillo muy especial, similar al del brillo de la piel humana. Y no necesita la protección de vidrio para su exhibición.
Pero ahora vamos a centrarnos en Isidora, este maravilloso retrato que ha inspirado nuestra última reproducción.
Retrato mujer romana: Isidora
Una mujer madura nos mira desde este retrato de momia romano-egipcia. El nombre de la mujer, Isidora (ICIΔOPA). Está escrito en griego con pintura negra en el hombro superior derecho de las envolturas de la momia.
La dama lleva un elegante peinado trajano fuertemente trenzado y con rizos, muy de moda a principios de la década de los 100 d.C. Su cabello está envuelto en un moño trenzado asegurado con un alfiler de oro, a modo de horquilla, en la parte superior de su cabeza. Y otro pequeño adorno plateado para el cabello (pintado en varios tonos de gris) se puede ver a la izquierda. Sobre su frente hay una corona de oro grande e impresionante, con un diseño central que quizás tenga un significado religioso. Los rizos enmarcan su rostro y los mechones, en forma de sacacorchos, caen frente a sus orejas de acuerdo con un estilo popular durante los últimos años del siglo I d.C. El análisis de carbono 14 del lino lo data entre el 43 a. C. – 122 d. C., lo cual concuerda con estos rasgos estilísticos.
El maravilloso retrato de Isidora
La superficie del panel del retrato nos deja ver pequeñas marcas de pincel y del uso de una pequeña herramienta para aplicar y manipular la encáustica. El artista también agregó sutiles líneas alrededor de su cuello, los llamados “anillos de venus», para acercarnos a la realidad de la edad de Isadora. Y al aplicar la encáustica en estos pliegues del cuello realizaría un movimiento en zig-zag en la cera para dar mayor realismo a esa zona. Los labios parecen estar creados a partir de cuatro tonos diferentes de rojo.
Quería hablaros también de su tono de piel. En comparación con otros retratos de momias de la misma epoca, es mucho más claro. Eso puede ser el resultado del maquillaje o puede ser su tono de piel real. En cualquier caso, indica que se trata de una mujer de clase alta. Alguien que no se exponía mucho tiempo al sol. También, el hecho de que lleve una capa de color púrpura, nos indica que podría tener cierta relación con la realeza.
Todo esto nos habla probablemente de una mujer de mediana edad, sana, bien alimentada y perteneciente. Muy probablemente, a la alta sociedad de la época.
Y ahora vamos a centrarnos en sus joyas
Lleva tres collares unidos en la parte delantera por una amatista engastada en una elaborada montura de oro. El collar de más arriba parece ser de esmeraldas, perlas y cuentas de oro. Gemas típicamente usadas por mujeres de élite en este momento. El collar central está compuesto por placas de oro conectadas. Y el de más abajo, más grande y más elaborado, tiene esmeraldas bastante grandes intercaladas con cuentas cuadradas de oro. Similares a las del collar superior, pero de mayor tamaño. Para dar más realismo a las joyas se han cortado láminas de oro en cuadrados muy pequeños y se ha adherido a la superficie encáustica para dorar las joyas pintadas.
Todo en ella desborda elegancia y sutileza. Pero, como era de esperar, nosotras nos ceñiremos a los pendientes: pequeños y juguetones, que reciben el nombre de crotalias.
¿Qué son las Crotalias?
El termino crotalias proviene del vocablo griego krotalos (sencillo instrumento musical compuesto por dos platillos unidos por un cordón). Y recibieron este nombre por el pequeño tintineo que realizaban sus perlas al chocarse con el movimiento de la cabeza. Este modelo de pendiente gozó de mucha popularidad entre las mujeres romanas. Son de pequeño tamaño y con materiales de lujo, como podéis apreciar en la fotografía inferior. Consisten en una barra de oro horizontal sobre la que suspenden tres o cuatro barritas con una perla en cada una. Todas estas barritas están realizadas a base de un entorchado manual.
Sabemos que era una joya muy popular y apreciada por la gran variedad de crotalias que han aparecido en excavaciones arqueológicas. Y también por su frecuente aparición en los retratos de Al Fayum.
Y aquí está nuestra versión de las crotalias romanas. Una serie muy limitada de las que vamos a vender muy pocas unidades. Totalmente realizada a mano en plata y perlas de agua dulce. Estas crotalias son exactamente iguales a las que realizaron los orfebres romanos y egipcios hace más de 2.000 años. Puedes ver los pendientes en nuestra web.
Los retratos antiguos nos permiten retroceder en el tiempo y encontrarnos cara a cara con las personas que vivieron en el Egipto romano hace más de 2.000 años. Congeladas en el tiempo, como fotografías. Estas imágenes antiguas no solo revelan el crisol de culturas que vivieron en Egipto entre el siglo I y el III. Sino que a veces, incluso, nos brindan una conexión más íntima al revelar sus nombres, estatus social y profesión
El mero hecho de que estén pintados les confiere una vibrante novedad tan seductoramente diferente de, por ejemplo, los mármoles y bronces monocromáticos de Grecia y Roma. Tales esculturas, por supuesto, se veían bastante diferentes en el momento de su creación. Ya que la mayoría estaban pintados de colores vivos y muchos habrían tenido incrustaciones de piedras de color. Es sólo el paso del tiempo lo que los ha vuelto monocromáticos y han llegado hasta nosotros sin un ápice de su color original. Lo que hace de esta serie un hallazgo único
Los retratos de momias se utilizan hoy en día como referencias para la etnología antigua y la investigación de la moda, los peinados y las joyas de la época.
Pero, ¿Quiénes fueron los artistas, talleres e industrias que los produjeron? Esta fue la pregunta que provocó un viaje asombroso en el estudio de dieciséis retratos funerarios romano-egipcios en la Villa Getty. Un viaje que se convirtió en la colaboración APPEAR.
Los conservadores asociados del Museo Getty, Jeffrey Maish y Marie Svoboda, examinan una radiografía creada por la emisión de electrones de una cubierta de momia que revela detalles pintados que no son visibles a simple vista.
Solo unos pocos de los 1.000 retratos de momias existentes en el mundo se ha sometido a un estudio técnico completo y riguroso. Queda mucho por aprender y descubrir acerca de cada una de estas obras de arte. Y hay muchas pruebas nuevas y emocionantes que esperan ser reveladas sobre las prácticas y la organización de los talleres y los artistas que las produjeron.
Proyecto APPEAR
Esta idea fue el origen del proyecto conocido como APPEAR (Ancient Panel Paintings: Examination, Analysis and Research), que comenzó en 2013.
APPEAR es una colaboración internacional de 26 museos participantes de todo el mundo. Tienen colecciones de retratos funerarios en el que, además, participan como consultores 12 académicos especialistas en la materia.
Se desarrolló una base de datos para recopilar información técnica, científica e histórica sobre estos objetos antiguos.
El objetivo de APPEAR es ampliar los conocimiento de los métodos y materiales utilizados para crear pinturas en la antigüedad. Fomentar la investigación académica y proporcionar un conducto para el intercambio de los descubrimientos técnicos.
Nosotras estamos siguiendo los pasos de toda esta investigación muy de cerca. Porque nos parece apasionante todo lo que rodea estas obras.
Esperamos que os haya resultado entretenida esta lectura sobre las crotalias y nos vemos en unos días de nuevo!
Hoy venimos a hablaros de la leyenda de Lagertha, la famosa vikinga. Como ya os comentamos hace unas semanas, estamos pensando en hacer una colección de joyas inspiradas en las joyas vikingas. Por lo que hemos pensado que por que no hablar de la leyenda de esta gran mujer. ¿Existió de verdad? ¿Es real lo que se cuenta de ella en la serie de Vikingos?
Según la leyenda, Lagertha (también conocida como Ladgerda) fue una dama y guerrera vikinga que gobiernó lo que hoy conocemos como Noruega. Fue, además, esposa -y ex esposa- del tan famoso vikingo Ragnar Lodbrok. El relato de Lagertha fue contado y grabado por el cronista Saxo Grammaticus en el siglo XII, en varios pasajes de su noveno libro de la Gesta Danorum.
Gesta Danorum – Wikimedia Commons (public domain)
Según la erudición moderna, es probable que Lagertha no fuera una figura histórica, sino un reflejo de cuentos sobre mujeres guerreras vikingas o sobre la deidad nórdica Thorgerd. Pero, ¿qué sabemos de ella?
¿Quién es Lagertha?
Esta mujer, en la obra de Saxo, cumple un papel de mujer fuerte y guerrera. Cosa que no se esperaría de las mujeres históricas de la época. A pesar de que en nuestros días se pinta a las mujeres vikingas como mujeres fuertes y guerreras… La realidad es que, cuando se evalúa críticamente el material arqueologico e histórico que disponemos hoy el dia sobre la época, no existe evidencia suficiente para respaldar este concepto de mujer.
Si es cierto que, en las sagas nórdicas antiguas, se muestra a las mujeres fuertes, tomando decisiones, avivando la venganza, haciendo frente a sus maridos e, incluso, participando en guerras y peleas. La popular serie de televisión “Vikings”, de la que os hablamos en un post anterior (podéis verlo aquí) muestra a Lagertha en un papel de luchadora y guerrera fuerte, capaz de defenderse y participar -y ganar- numerosas guerras.
Lagertha según el Gesta Danorum de Saxo Grammaticus (Sigo XII)
Según la Gesta Danorum, Lagertha comenzó su carrera como guerrera cuando Frø, rey de Suecia, invadió Noruega y mató al rey noruego Siward. Frø puso a las mujeres de la familia de Siward (el rey que había matado) en un burdel. Para así humillarlas públicamente. Al enterarse de esto, Ragnar Lodbrok (nieto de Siward) acudió con un ejército a vengar a su abuelo. Muchas de las mujeres que Frø había llevado al burdel se vistieron con ropa de hombre y lucharon del lado de Ragnar. Se cuenta que, la clave para la victoria de Ragnar, fue Lagertha. En su libro, Saxo relata:
“Ladgerda, una hábil amazona, que, aunque doncella, tenía el coraje de un hombre, y luchó al frente entre los más valientes con el cabello suelto sobre los hombros. Todos se maravillaban de sus inigualables hazañas, porque sus cabellos que volaban por su espalda delataban que era una mujer.”
Ragnar y Lagertha en la vida real
Ragnar quedó verdaderamente impresionado por el coraje que había demostrado Lagertha y quiso cortejarla. Lagertha por su parte, fingió interés por él. Ragnar fue a pedirle la mano, y en ese momento fue atacado por un oso y un sabueso que vigilaban la casa de Lagertha. Estranguló al sabueso, mató al oso con su lanza y se ganó la mano de la que entonces fue su mujer. Según la leyenda de Saxo, Ragnar y Lagertha tuvieron un hijo llamado Fridleif. Y dos hijas cuyos nombres se desconocen.
Tiempo después, tras uno de sus viajes a Dinamarca para luchar en una guerra civil, Ragnar se divorcio de Lagertha. Según cuenta Saxo este divorcio se debió a que él todavía seguía molesto con ella por haber puesto contra él a esas dos bestias en su casa.
Ragnar volvió a casarse con otra mujer llamada Thora Borgarhjör, hija del rey de Suecia. Se ganó su mano después de numerosas aventuras, pero al regresar a Dinamarca se enfrentó nuevamente en una guerra civil. Ragnar envió una tropa a Noruega en busca de apoyo, y Lagertha, que todavía lo amaba, acudió en su ayuda con 120 barcos, según cuenta Saxo.
Lagertha cómo se la imaginaba Morris Meredith Williams en una litografía de 1913 (Image: Public Domain)
Muchas de las historias que se cuentan de Lagertha coinciden y se parecen mucho a las de la diosa nórdica Thorgerd.
Respecto a la muerte real de Lagertha, se desconoce. No hay escritos que confirmen cómo falleció.
La leyenda de Lagertha.
Los que hayáis visto la serie de Vikingo estaréis de acuerdo en que, el personaje de la serie tiene más que ver con la interpretación de Saxo, que con lo que se esperaba de las mujeres de la época. No quiero hacer ningún spoiler por si alguien aún no ha visto la serie. Pero si os puedo decir que, el personaje de la serie si está basado en una guerrera legendaria, fuerte y luchadora. Aunque su relación con Ragnar, los hijos que tuvo y su vida personal en la serie no tiene nada que ver con lo que cuenta Saxo en su Gesta Danorum. Al igual que su muerte, que se interpretó de cierta manera en la serie, siendo un dato desconocido.
Y vosotros que pensais, que Lagertha fue una increíble luchadora vikinga o que es solo una leyenda? Yo, personalmente, prefiero quedarme con que lo fue. Me gustó mucho su personaje en la serie. Así que me gustaría pensar que la verdadera Lagertha se parecía un poco al personaje de Vikings.
Siempre me llamaron la atención esas pálidas caritas mostrando su relieve sobre una concha de color almendrado. Pero no fue hasta que me casé y mi suegra me regaló un increíble juego de pendientes y broche, perteneciente a su familia desde 1860, cuando pude realmente apreciar en mi mano la belleza de estas piezas. Este juego había pasado por más de cinco generaciones de mujeres. Y llegaba ahora a mis manos ante mi sorpresa y emoción. Tenía mi primer camafeo.
¡Me resultaba tan curioso que las caritas de los pendientes se miraran la una a la otra! Me preguntaba cuál sería su origen. O cómo era posible que una técnica tan antigua siguiera llamando la atención de tantas mujeres a lo largo de la historia. A mí personalmente me entusiasman.
¿Os habéis preguntado en alguna ocasión dónde aparecieron los camafeos por primera vez o cómo están realizados? Estas son algunas de las preguntas que yo me hice cuando tuve esas piezas en mis manos.
¿Qué es un camafeo?
Un camafeo según el diccionario es, sencillamente, “el relieve obtenido al tallar una piedra preciosa”. Los hay realizados en ónice, ópalo, ágata, concha, rubí, esmeralda… El trabajo de tallado de estas piezas está realizado por lapidarios especialistas en el arte de aislar las capas del material base, a partir de un diseño dibujado previamente.
Pero para mí es mucho más que eso. Es sorprendente pensar que el procedimiento con que se fabrican era ya utilizado por los antiguos griegos. Que, a su vez, lo habían tomado de los persas durante las incursiones realizadas por sus ejércitos comandados por Alejandro Magno.
La técnica posteriormente llegó hasta los romanos, los cuales la utilizaron para decoración y joyería. Claro que encontrar una pieza de esta época es muy raro, pues sólo aparecen en subastas muy especializadas. Sabemos que por entonces era frecuente que los nobles llevaran anillos con camafeos. Realizados en esmeraldas y rubíes de un tamaño no muy grande. Y también tenemos constancia de que los emperadores romanos los usaban frecuentemente como insignias en su ropaje. ¿Os imagináis a Octavio Augusto, con su toga imperial luciendo un camafeo de ágata…? ¡Increíble!, ¿verdad?
La evolución de los camafeos
A finales del S. II d. C. esta moda desapareció. Pasando muchos años hasta que esta técnica volvió a relucir en el Renacimiento italiano de la mano de los grandes coleccionistas de la época, como Lorenzo De Medici. Su influencia llegó hasta la corte francesa, donde Francisco I lució en numerosas ocasiones piezas de este tipo. Y, por supuesto, a Inglaterra donde Enrique VIII, en su pasión por este tipo de joyas, creó su propio taller para su realización.
Durante este periodo fue frecuente que se buscaran piezas antiguas de época romana para transformarlas y convertirlas en joyas más a la moda del momento. Al estar las piezas romanas montadas sobre bases de oro muy sencillas, se solían desmontar para volver a utilizarlas en broches más grandes. Montándolos sobre bases de oro con piedras preciosas para decorar capas de terciopelo, sombreros o lucir en el escote de alguna gran dama de la corte.
Nuevos materiales para los camafeos
A raíz del descubrimiento de América entraron en Europa gran cantidad de nuevos materiales más exóticos para la realización de dichas piezas. Por ejemplo colmillos, jade, ámbar o caparazones gigantes. Pero el descubrimiento más importante para esta industria fue el de la concha Cassis tuberosa. Estas conchas eran muy adecuadas para este trabajo ya que se componían de capas de distintas tonalidades de color. Lo que permitía dar a los relieves una profundidad y trasparencia desconocidas hasta el momento. La técnica se desarrolló en Italia, concretamente en Sicilia. Pero de ahí pasó rápidamente a la zona de Nápoles, extendiéndose pronto al resto del país. En pocos años muchos artistas italianos comenzaron a trabajar en Francia e Inglaterra, difundiéndose rápidamente esta práctica por toda Europa durante los siglos XVI y XVII.
En la época napoleónica los camafeos se decoraban principalmente con elementos neoclásicos. Siendo muy frecuente que mostraran temas mitológicos o representaran a filósofos, emperadores o a nobles y personajes del clero de la época romana. Los marcos de alrededor, normalmente de oro, eran de una finura de ejecución y detalle excepcionales, conocidos como roman seal setting. Estos camafeos eran frecuentemente montados como pulseras, con 3 ó 4 colgantitos, siendo conocidos como «esclavas».
Popularización del camafeo
La fama de los camafeos se extendió hasta las clases sociales más populares. Gracias a que la “concha” era un material mucho más barato que los utilizados hasta ese momento. Lo que popularizó su uso y producción, limitando el privilegio de llevar los camafeos de piedras preciosas a la alta sociedad.
De esta época es una de las tiaras para mí más bellas de la realeza europea: “La tiara de Josefina Bonaparte”. La cual hace muy poco hemos podido ver lucir a la princesa Victoria de Suecia el día de su boda. Una pieza espectacular, con pendientes a juego, que ella lució con una sencillez y elegancia asombrosas.
Y así llegamos hasta el S. XIX. De esta época es de la que más constancia y herencia nos han quedado ya que proliferaron numerosos talleres. Tanto en Italia como en Francia e Inglaterra, para la realización de camafeos en “concha”. Aunque también se utilizaron materiales como el ónix, lapislázuli, coral, ágata o marfil. Estos en menor medida ya que eran más caros.
Durante el primer periodo victoriano y la época romántica se hicieron muy famosos los camafeos de Minerva, Medusa y Bacchante.
Durante el S. XX proliferaron los camafeos de pasta y cristal. También fue muy corriente en esta época la realización de camafeos en oro bajo de 9 kilates o en plata con marquesitas.
En la actualidad podemos encontrar camafeos realizados en pasta y cristal montados sobre plata con marquesitas. Pero los más antiguos siguen teniendo un encanto muy especial.
El «Árbol de la vida» es, a día de hoy, uno de los símbolos más conocidos mundialmente. En nuestra era podemos verlo representado en tatuajes, tapices, piezas de joyería… Sin embargo, para los Celtas y varias culturas antiguas, el árbol de la vida era un símbolo extremadamente importante. En el post de hoy te contamos los orígenes del árbol de la vida, cuándo y dónde surgió y sus significados en las diferentes culturas y religiones.
El origen del árbol de la vida:
El árbol de la vida se ha representado de diferentes maneras a lo largo de la historia. La representación más antigua que se conoce data, nada más y nada menos, que del año 7000 a.C. Se encontró en las excavaciones de Domuztepe en Turquía y se cree que fue desde este lugar desde donde se extendió al resto de culturas.
Pero, ¿Qué hay del resto de culturas y religiones? ¿Qué significaba para ellos el árbol de la vida?
Los Celtas.
La cultura Céltica estuvo altamente ligada al símbolo del árbol de la vida. Para ellos, representaba armonía y equilibrio y creían que tenía poderes mágicos. Los Celtas creían que las raíces representaban “el otro mundo”, mientras que las ramas representaban el cielo. El tronco, representaba el mundo mortal o el mundo en el que vivían, que era el que conectaba las raíces con las ramas, es decir, el cielo y “el otro mundo”.
Árbol de la vida: antiguo egipto
En la mitología egipcia, Isis y Osiris (también conocidos como «la primera pareja») emergieron del Árbol de la Vida, cuyas esferas demostraban el orden, el proceso y el método de creación. Es decir, para los antiguos egipcios, el árbol de la vida representaba la cadena jerárquica de eventos que trajeron todo a la existencia.
Se sabe que el árbol de la vida también fue un símbolo extremadamente importante en Mesopotamia, al igual que lo fue para la Civilización Asiria aunque no se conoce con exactitud que simboliza se le atribuía.
El árbol de la vida en el Cristianismo.
El árbol de la vida aparece en el libro del Génesis y se describe como el árbol del conocimiento, del bien y del mal, que fue plantado en el jardín del Edén. Los historiadores no acaban de ponerse de acuerdo sobre si se trata del mismo árbol del que comieron la manzana Adan y Eva, o si se trata de árboles diferentes. Aunque sí se sabe que el árbol era la conexión simbólica de Adan y Eva con la Divinidad. Además, el término «Árbol de la vida» aparece otras 11 veces en los libros posteriores de la Biblia.
Judaismo.
La religión Judía cree en el antiguo testamento, por lo que el Árbol de la Vida es muy importante para ellos, aunque lo representan de otra manera.
Islam.
El árbol de la inmortalidad se menciona en el Corán y es diferente del relato bíblico en la medida en que solo se menciona un árbol en el Edén que Allah le prohibió a Adán y Eva.
Budismo.
En la religión Budista, el árbol de la vida es un símbolo muy sagrado. Es conocido como el árbol Bodhi y lo consideran el árbol de la iluminación. Esto se debe a que fue en este árbol donde Buda alcanzó la iluminación. De hecho, se dice que Buda medita en este árbol eternamente. Para ellos, el árbol representa esa parte interna que permanece pura a pesar de las situaciones difíciles, siempre que se esté arraigado en la espiritualidad.
Árbol de la vida en China
En la mitología china, el árbol de la vida representa un fénix y un dragón; el dragón a menudo representa la inmortalidad. Una historia taoísta habla de un árbol que produce un melocotón cada tres mil años, y cualquiera que lo coma recibe la inmortalidad.
¿Qué os parece a vosotros este símbolo? ¡Nos encantará leer tu opinión!
La velación nupcial es un rito muy antiguo que se ha mantenido durante siglos. Se conservan datos de velaciones nupciales desde tiempos de los visigodos y de los mozárabes del siglo XI. Es un rito que está recogido y detallado en el “Manual de Toledo” del siglo XV.
Los nuevos esposos, antes de recibir la bendición nupcial, se arrodillan y se les coloca el velo sobre la cabeza de ella y sobre los hombros de él, simbolizando la indisolubilidad del matrimonio que acaban de contraer.
La bendición nupcial
El sacerdote, con las manos extendidas sobre ellos, pronuncia una oración de bendición nupcial. Después de recibir la bendición se quita el velo y se continúa con la celebración.
Es una preciosa ocasión para ponerse esa mantilla antigua de familia que a veces son demasiado antiguas para llevarlas como parte del estilismo de la novia, pero si pueden lucirse en ese día tan especial.
Es un rito que aporta mucha solemnidad a la celebración católica del matrimonio y que ya se ve en contadísimas ocasiones.
Esa fascinación especial por la joyería no es algo novedoso, ni tan siquiera de los últimos siglos… Esa atracción, a menudo seductora, ha sido una constante desde las culturas y civilizaciones de la Antigüedad. La exposición que hoy os traemos hace un recorrido por cada una de estas etapas y su simbología a través de los siglos.
Si sigues a menudo este blog, sabrás que en López-Linares sentimos una especial predilección por la joyería medieval que lucían las grandes damas del Medievo. Así que rodearnos de broces de disco de oro, por ejemplo, nos ha parecido de lo más interesante para este mes de octubre. Y es que el museo LVR-Landes de Bonn, en Alemania, ha conseguido recopilar una de las colecciones más grandes e importantes de la joyería romana y medieval.
El maletín de la belleza de Eva
El nombre de la muestra no podía ser más acertado. Eva, como símbolo de los inicios y ejemplo de mujer de ayer y hoy, con un deseo claro, más exacerbado si cabe en los siglos de la Edad Media: mostrar un estatus que en ocasiones no era tal.
Y el maletín, como el bolso que la mujer ha portado consigo desde los inicios, para guardar todo lo que pudiera serle útil para conseguir esa ansiada belleza exterior.
Desde la Edad de Piedra hasta nuestros días
La búsqueda de la belleza no tiene un principio concreto. Sin embargo, hay constancia de que ya en la Edad de Piedra ya existían bolsos y maletines hechos de piel de animal con el objetivo de conservar medicinas, hierbas o joyas elaboradas con materiales naturales, como el marfil o las conchas de moluscos.
No fue hasta la Edad de Bronze cuando se comenzaron a utilizar diferentes metales para elaborar adornos personales, y las piezas eran cada vez más trabajadas y complejas.
Las civilizaciones egipcia y griega también dejaron numerosos ejemplos de piezas de joyería a las que, en su mayoría, se les otorgaba la magia de los amuletos. Collares y pulseras eran los preferidos por los coetáneos de Nefertitis. Con ella, los colores de las piedras que adornaban las joyas adquirieron también significados muy especiales. El color turquesa, por ejemplo, era símbolo de regeneración.
Celtas y romanos aportaron también su propia visión de la belleza, y a partir de este momento, el oro y el cristal comenzaron a utilizarse en joyería. Los romanos introdujeron además los grabados en pequeñas joyas. Una de las piezas que se muestran en la exposición es un anillo en el que se puede leer “Te amo”.
En definitiva, un pedacito de cada era que muestra cómo el ideal de belleza ha ido cambiando con los siglos, deteniéndose especialmente en nuestra querida Edad Media, de la que solemos hablar a menudo en este blog vintage. Una exposición que os animamos a visitar, si tenéis la suerte de poder viajar a Alemania en los próximos meses.
La muestra permanecerá abierta hasta el 22 de enero de 2017. Para más información, podéis visitar la web aquí.
Una de esas cosa que tenía ganas de hacer cuando supe que iba a pasar unos días en Cadiz era levantarme un día al alba y acudir al puerto de Barbate a ver la llegada de los barcos cargados de pescado fresco.
Por supuesto no podía dejarme la cámara en casa. Pertrechada de todos los aperos, una mañana de este agosto, en la que arreciaba intensamente el tradicional levante de esa zona, me presenté en el puerto sobre las 7.30 para vivir en primera persona ese peculiar momento.
Mi desilusión en un principio fue grande. Justamente esa semana la flota de Barbate se encontraba en los caladeros de sardina de Cádiz, lo que significaba que el de Barbate estaba vacío y sin atisbo de que ningún barco llegara a atracar cargado de pesca. Parece que el día elegido no había sido el mejor pero, como siempre que uno no lo espera, terminas encontrándote con alguna grata sorpresa.
Y así fue, al poco tiempo ya estaba charlando con uno de los responsables del puerto, que me explicaba todo lo que estaba sucediendo en un pequeño rincón del puerto, único con actividad, que había llamado mi atención. Allí, una decena de hombres de mar se encontraban inmersos en las dos únicas actividades que daban vida al puerto en estos días: la carga de una barco con varias toneladas de caballa fresca, para el cebo de los 3000 atunes que mantienen en las piscinas de engorde próximas a la almadraba; y el desmontaje de ésta, en funcionamiento desde el 20 de abril de este año, hasta la temporada 2014.
Todo seguía prácticamente igual que hace 3000 años cuando los fenicios se instalaron en la comarca, dando ya comienzo a la captura de los atunes que atravesaban la zona desde el Atlántico, para desovar en el Mediterráneo. Fueron los fenicios los constructores de las primeras factorías dedicadas al salado del atún, creando una ruta comercial desde esas costas para transportar por barco, a través de todo el Mediterráneo, el atún capturado y tratado en la zona de Gádir, actual Cádiz.
Usaban unas ánforas de barro terminadas en forma de pico de dos asas, que iban divididas por dentro en varios compartimentos. En la base el pescado salado y en las superiores diversas hierbas aromáticas y perfumes, lo que conseguía evitar el desagradable olor despedido durante el largo viaje. Los barcos, cargados con una cama de arena en sus bodegas, viajaban con las ánforas clavadas sobre ellas para evitar se movieran con la mala mar a lo largo de todo su largo recorrido comercial.
Los fenicios fueron los impulsores de una tradición y unas técnicas que siguieron años después los romanos. Estos fueron los fundadores en la actual playa de Bolonia de la ciudad de «Baelo Claudia», encontrándose en ella, aún perfectamente visible, la mayor factoría de tratamiento de atún de todo el mediterráneo. Allí troceaban el atún; lo salaban en grandes depósitos excavados en el terreno y, con los despojos y vísceras de los pescados de la zona, fundamentalmente del atún, macerados a pleno sol durante todo el verano, elaboraban la preciada salsa «Garum», que era una exquisitez para la época. Esta salsa era considerada afrodisíaca, siendo por su elevado coste solamente consumida por las clases más pudientes de la antigua Roma. A la vista de los ingredientes y el tratamiento de estos, estoy segura de que ahora no seríamos capaces ni siquiera de oler la afamada y costosa salsa.
Después llegaron los árabes, a los que debemos la palabra almabraba: “Lugar donde se golpea”.
La tradición sigue hasta nuestros días en los que cada año se siguen colocando los laberintos de redes, tal y como ya se hacía antaño. A través de un conducto formado por redes ancladas al fondo, se consigue ir dirigiendo a los atunes hasta una gran red cerrada y de la que ya no pueden escapar. Allí, tras proceder a la levantada de esta gran bolsa, van elevando los atunes hasta la superficie donde son capturados uno a uno por brazos increíblemente fuertes. No cualquiera es capaz de levantar a pulso piezas, dando violentos coletazos, de entre 300 y 500 kgs. de peso y lanzarlas sobre las cubiertas de los barcos que están alrededor formando un corro, que se va estrechando en la medida que van extrayendo su preciada carga.
En los años 40 la zona disponía de más de 20 saladeros, acudiendo gente de todos los lugares a surtirse de sus famosas salazones. La sal, de las salinas de Chiclana más gruesa de lo normal, es la perfecta para elaborar la mojama. En esos años de penuria en España el producto estrella fue la sardina arenque, pero se salaban cazones, bonitos, atunes o pez volador. Actualmente quedan muy pocas fabricas, aunque siguen trabajando exactamente igual que lo hicieran en su día los fenicios y romanos.
Todo esto me lo contaron en el puerto, pero luego me aconsejaron acercarme hasta “La Chanca”. Una de esas pocas empresas familiares y artesanales que quedan en la zona, en la que han instalado un curioso museo del atún y en el que te explican todo y puedes degustar sus productos. Aquí vimos despiezar un atún y escuchamos el famoso “ronqueo”: ruido que hace el cuchillo cuando las manos expertas del Ronquero lo hacen pasar por la espina dorsal del atún para desprender suss lomos. Un ruido similar al ronquido de un humano, y de ahí su nombre.
Ellos salan, conservan y ahúman una gran variedad de productos de la zona, sobre todo atún, y lo hacen exactamente igual que se hiciera hace casi 3000 años. Un arte que no debiera perderse nunca y que todos deberíamos conocer y valorar por su larga tradición en nuestra historia.
También os dejo un pequeño reportaje fotográfico de esa mañana de agosto, estas son mis dos fotografías preferidas. Espero que os guste.
La ciudad, la realeza, la escritura, el cálculo, el dinero, las leyes, el catastro, el comercio, … todo esto organiza nuestra vida cada día y nos parecen cosas de lo más natural. Pero lo más sorprendente es que el origen de todo ello se remonta a 6.000 años atrás, en el sur de Mesopotamia, entre los ríos Eúfrates y Tigris.
La primera escritura de la historia, la primera contabilidad, los primeros planos de arquitectura, las primeras maquetas, todo ello en una exposición sorprendente que Caixa Forum ha traido hasta Madrid con el nombre de “Antes del diluvio. Mesopotamia, 3500-2100 a.C”.
Unas cuatrocientas piezas arqueológicas venidas de cuarenta museos e importantes colecciones de todo el mundo, se reúnen en esta cita muy especial para los amantes de la historia, la arqueología y el arte que podrá disfrutarse gratuitamente hasta el 30 de junio en Madrid.
Entre las piezas expuestas, muchas curiosidades como una estatua del Príncipe Gudea orando que procede el Musée del Louvre, una corona de oro y lapislázuli de la reina Puabi y joyas funerarias de la ciudad estado de Ur provenientes del Penn Museum de Filadelfia.
Después de casi dos horas paseando ensimismada por todas las vitrinas de la exposición y sin saber realmente donde entretener más mi atención, me quedé ensimismada con unas acuarelas de Maru¡ie Louise Baker. Una colección de soberbias acuarelas del S.XIX , que ilustran la mayoría de las piezas de joyería de la exposición. La verdad es que no hay una sola pieza en toda la exposición que no llamara mi atención, pero he de reconoceros que estaba impaciente por llegar a la zona de joyería, dado que esta se encuentra justo al final de la exposición.
Lapislázuli, cornalina, ágata, ónix, calcedonia y oro… un arco iris de tonos dorados, naranjas y azules completan la colección de joyas mesopotámicas. Unos sencillos y de lo más actuales collares que parece ser fueron montados a los pocos años de encontrarse , siguiendo los cánones y el estilo de los años 20. De todas ellas, me quedo con una preciosa tiara con hojitas de oro que me dejó pegada a la vitrina más rato del razonable, organizando un pequeño atasco en la exposición.
La sala estaba llena de visitantes, pero la verdad es que la exposición está muy ordenada, bien iluminada y es muy cómoda de visitar.
Un plan cultural de lo más apetecible para una tarde de primavera, brindándote después la oportunidad a la salida de darte un paseo por el Barrio de las Letras, que para mi gusto cada día que pasa está más bonito.
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