¡Hola a todos los amantes de la joyería y el arte! Hoy queremos llevaros en un viaje fascinante por el mundo de la joyería Art Nouveau. Un estilo que, sin duda, ha dejado una huella imborrable en la historia del diseño. Vamos a descubrir cómo nació este movimiento, sus características distintivas y el significado que tuvo en su época. 

El Nacimiento del Art Nouveau

El Art Nouveau, también conocido como Modernismo, es un estilo artístico que surgió a finales del siglo XIX y principios del siglo XX, aproximadamente entre 1890 y 1910. Este movimiento tiene sus raíces en Europa. Con influencias que se expandieron desde Francia y Bélgica hasta otros países como España, Austria y Alemania. Nació como una respuesta a la rigidez del academicismo y a la industrialización, buscando crear un arte nuevo, dinámico y más conectado con la naturaleza.

Un Estilo que Va Más Allá de la Joyería

El Art Nouveau no se limitó a la joyería. Sino que influyó en una amplia gama de objetos decorativos, como muebles, vidrieras, cerámica, textiles y arquitectura. Este estilo se caracteriza por el uso de líneas curvas, asimetría, y motivos inspirados en la naturaleza, como flores, hojas, insectos y figuras femeninas estilizadas. El objetivo era romper con las formas tradicionales y crear un arte total, donde todos los aspectos de la vida estuvieran impregnados de belleza y armonía.

Características de la Joyería Art Nouveau

Las joyas Art Nouveau se destacan por su diseño orgánico y fluido. Se utilizaban materiales como el oro, la plata, esmaltes, perlas, piedras preciosas y semipreciosas. Y se aplicaban técnicas como el esmalte cloisonné y el uso de opalescencia en las piedras. Los motivos naturales eran una constante: flores exóticas, animales, mariposas y libélulas eran comunes, así como la figura femenina, a menudo representada como una ninfa o una musa. Estas joyas no solo eran adornos, sino verdaderas obras de arte que reflejaban la naturaleza y la fantasía.

El Significado de la Joyería Art Nouveau

Este estilo de joyería no solo era un accesorio, sino una declaración artística. En una época de grandes cambios sociales y tecnológicos, el Art Nouveau representaba un anhelo por la conexión con la naturaleza y lo espiritual. En contraposición al avance de la industrialización. Las joyas se convirtieron en un medio para expresar individualidad y originalidad, rompiendo con los diseños más rígidos y clásicos del pasado.

Joyeros Icónicos del Art Nouveau

Entre los joyeros más destacados de este movimiento se encuentran René Lalique, Georges Fouquet, Louis Comfort Tiffany y Philippe Wolfers. René Lalique es quizás el más famoso, conocido por sus innovadores diseños que combinaban materiales como el vidrio con metales preciosos y esmalte. Lalique se destacó por sus piezas que incorporaban elementos naturales y figuras femeninas, convirtiéndose en uno de los nombres más asociados con el Art Nouveau.

Las Joyas Más Famosas de la Época

Algunas de las joyas más icónicas de la época Art Nouveau incluyen la famosa “Libélula” de René Lalique. Esta combina esmalte, ópalos y diamantes, creando una obra maestra de diseño y técnica. Otro ejemplo destacado es el broche “Pavonia” de Louis Comfort Tiffany. Que presenta un pavo real en todo su esplendor, con plumas elaboradas en esmalte y piedras preciosas, representando la belleza y el lujo del estilo.

Curiosidades de la Joyería Art Nouveau

Una de las curiosidades de la joyería Art Nouveau es que a menudo se diseñaba no solo para ser bella, sino también para contar una historia o transmitir un sentimiento. Las piezas podían llevar símbolos de amor, fertilidad o misticismo. Además, muchas de estas joyas se creaban en ediciones limitadas o como piezas únicas. Lo que las convierte en tesoros altamente valorados por los coleccionistas de hoy en día.

Otra curiosidad es que, debido a su enfoque en la naturaleza y la fantasía, las joyas Art Nouveau a menudo incorporaban elementos raros y exóticos. Por ejemplo, piedras poco comunes o esmaltes de colores inusuales, que añadían un toque de misterio y exclusividad a cada pieza.

Vintage by López-Linares

La joyería Art Nouveau es mucho más que simple ornamentación; es una expresión de arte, naturaleza y fantasía que marcó una época de transición y modernidad. A través de sus formas orgánicas y motivos naturales, estas joyas continúan inspirando a diseñadores y joyeros hasta el día de hoy. Si alguna vez tienes la oportunidad de admirar una pieza Art Nouveau, recuerda que estás viendo algo más que una joya: estás contemplando un pedazo de historia y arte que ha trascendido el tiempo.

¡Gracias por acompañarme en este recorrido por la joyería Art Nouveau! Espero que te haya inspirado tanto como a nosotras. Te dejamos nuestra web por si quieres conocer las novedades de nuestra tienda. 

Hoy queremos hablaros de un icono, una mujer que llegó a ser de las más deseadas y admiradas de la gran pantalla en el Hollywood de los años dorados. Se trata de la espectacular Rita Hayworth. Hoy queremos centrarnos en contaros un poco sobre sus cinco bodas, aunque también hablaremos un poco sobre quién fue ella. 

Rita Hayworth

Rita Hayworth, nacida con el nombre de Margarita Carmen Cansino​ fue una de las actrices más emblemáticas y glamurosas de la época dorada del cine estadounidense. Así como la diva máxima de Hollywood de la década de 1940. Ocupa el puesto 19º en la lista del American Film Institute de las grandes estrellas del Séptimo Arte. Fue apodada «la diosa del amor» por la prensa rosa de su tiempo debido a su extraordinaria belleza y la enorme atracción que ejercía sobre el público masculino. Gilda, su mítico personaje, es considerado hasta la actualidad como el prototipo de la belleza femenina.

Nació en Nueva York, en 1918 y fue hija del bailarín español Eduardo Cansino Reina, natural de la localidad sevillana de Paradas,​ y Volga Margaret Hayworth, una bailarina estadounidense de los Ziegfeld Follies.​ 

Los 5 maridos de Rita Hayworth

Debajo de esa personalidad de mujer fatal se escondía una persona sencilla, tímida e insegura, que lo único que buscaba en la vida era ser querida. Por ello, lo intentó en cinco ocasiones, pero siempre escogió al hombre equivocado.

Primer matrimonio

Su primer matrimonio fue en 1937, cuando tenía tan solo 18 años. Sus padres se opusieron a este matrimonio ya que, su marido Edward Judson casi le triplicaba la edad. Sus padres no consiguieron evitar el matrimonio y, además,Edward se convirtió no solo en su marido, sino también en su manager. Judson era un hombre frío, astuto y calculador y la manipulo a su antojo. 

La boda se celebró con una sencilla ceremonia civil en Las Vegas. Rita llevó en su primera boda un sencillo traje de chaqueta de tarde, muy juvenil, que remataba con un gran lazo del mismo tono en la cabeza.

Para Edward Judson Rita era un diamante en bruto al que había que pulir, exhibir y explotar. Por ello la vestía, cambiaba de imagen, e incluso la hizo visitar clubes nocturnos… hasta que, por fin, consigue un suculento contrato de siete años de duración con Columbia Pictures. Rita en ese momento era una cría sin gran carácter, con poca cultura, que se dejó manipular pero con el tiempo se dio cuenta que lo único que le interesaba a su marido de ella era el dinero. El matrimonio acabó en divorcio, al término del cual, Rita se encontró literalmente en la calle sin un dólar en su cuenta bancaria. Todo lo que había ganado se lo había confiscado su marido. Decepcionada declararía: “Me casé con él por amor, pero él se casó conmigo para hacer una inversión.” 

Segundo matrimonio 

El segundo matrimonio fue con el actor, director y productor de cine Orson Welles. Un día de 1941, Orson Welles, durante una reunión de amigos, arranca la foto de Rita de la portada de la revista Life y dice: “ésta será mi próxima mujer.” Un íntimo le dice : “estás loco, por más famoso que te creas, ella, seguramente, ni sabe de tu existencia”. Por entonces Rita rodaba una película en Brasil y llega a sus oídos que Orson Welles, al que ni siquiera conoce, anda diciendo que se iba a casar con ella. Rita creyó que querían gastarle una broma porque Welles era un genio, un intelectual y ella se consideraba fuera de su nivel. Para ella, Orson era un sueño inalcanzable. 

Pero Orson consiguió lo que quería y en septiembre de 1943 se casaron en una discreta ceremonia. Para esta ocasión Rita escogió otro traje de chaqueta, esta vez  más formal que el de su primer matrimonio. Y, sobre su cabeza, lució una bonita pamela del mismo color del traje con un tul que le cubría el rostro. 

Los primeros meses de matrimonio fueron felices; a Orson le fascinaba la vulnerabilidad y fragilidad de Rita, que no tenía nada que ver con la imagen de mujer fatal que refleja en la gran pantalla. Rita consiguió hacerse un sitio en el mundo de las amistades de Orson. Se sentía bien junto a ellos, y cuando hablaban de temas profundos  callaba e intentaba aprender lo máximo posible. El abismo intelectual entre los dos era grande y esto provocaba en ella falta de confianza en sí misma. Con la llegada de Rebeca, su primera hija, Rita creyó que esto uniría aún más su matrimonio, pero fue todo lo contrario. Orson, comenzó a vivir su vida profesional, social y política alejado de Rita y la niña, no quería ninguna atadura. Pronto vinieron las infidelidades de su marido, lo que que les llevó a la separación. Aunque sí hubo intentos de reconciliación, al final se acabaron divorciando.

Tercer matrimonio 

En el caso de Rita, a la tercera no fue la vencida. Tras su segundo divorcio, se encontraba bastante hundida y con una gran depresión. Por lo que decide marcharse a Europa. 

Allí, en la Riviera, conoce en una fiesta al príncipe Aly Khan, hijo del Aga Khan III, y famoso playboy. El príncipe que había quedado prendado de ella desde que la vió actuar en “Gilda”, nada más verla en la fiesta, la cortejó y la sedujo. Rita creyó ver en él el amor que necesitaba. Así que en mayo de 1949 se casaron en el pueblecito francés de Vallauris, en plena Costa Azul. 

Rita estaba elegantísima, con un bonito traje midi de novia, de corte clásico con falda plisada. Estaba confeccionado en muselina azul celeste, una gran pamela a juego y un pequeño ramo de azahar en sus manos. La celebración se hizo en el hotel L’Horizon y fue sin duda todo un acontecimiento. Aly hizo construir una alfombra para que pisara por ella Rita, perfumó la piscina con 450 litros de agua de colonia y, sobre el agua, pusieron sus iniciales con flores frescas. Todo fue como un cuento de hadas. 

A los pocos meses del enlace, Rita dio a luz a su segunda hija, Jasmine. El cuento de hadas  acabó y un buen día el príncipe decidió que ya estaba bien de placidez familiar y que había llegado el momento de volver a su antigua vida social. Por lo que se instaló de nuevo en su  mansión de la costa azul, dejando a Rita al margen. De nuevo se encontró sola, esta vez en un país extraño al cual seguía con gran esfuerzo acomodando. Estaba rodeada de lujo, llena de joyas, pero de nuevo sola y humillada  por las infidelidades de Aly. En 1953 se divorciaron y con sus dos hijas regresó a los Estados Unidos.

Cuarto matrimonio

Su cuarto enlace matrimonial fue con el cantante argentino Dick Haymes. Se encontraron por primera vez cuando este aún estaba casado y su carrera de cantante estaba en declive. Haymes tenía graves problemas económicos, ya que sus dos ex esposas estaban tomando acciones legales en su contra. Y por ello tenía muchas deudas. Rita acabó pagando la mayor parte de ellas. Al problema económico se unió el peligro de ser deportado a Argentina por ser un extranjero ilegal. Ella se hizo cargo de su ciudadanía casándose con él en septiembre de 1953. 

Lo hicieron en el Sands Hotel de las Vegas, en presencia de las dos hijas de Rita. La novia estaba radiante, esta vez llevaba un elegante vestido escotado de cuello de barco, guantes largos y un elegante tocado con velo que le cubría la cara. Haymes nunca llegó a salir a flote en su carrera, más bien vivía de los ingresos de Rita. Las infidelidades de Dick eran públicas y notorias, era un déspota con Rita, llegando en una ocasión a golpearla en la cara públicamente en un club nocturno de los Ángeles. Esa fue  la gota que colmó el vaso, Rita hizo las maletas y se fue para nunca regresar a su lado. Después de este nuevo fracaso, cayó en una fuerte depresión, encontrándose nuevamente sin dinero y moralmente hundida. 

Quinto, y último matrimonio de Hoy Rita Hayworth.

Buscando el amor verdadero, comienza una relación con el productor de cine James Hill. Un cuarentón, soltero aficionado a la música y al arte, una persona de vida tranquila que podría ser el remanso de paz que ella tanto buscaba. El 2 de febrero de 1958 en una privada y sencilla ceremonia contraen matrimonio en Beverly Hills, Los Ángeles. Rita que necesitaba de la paz y el sosiego de una vida hogareña quiere dejar  el mundo del cine, idea a la que se opone rotundamente su marido, y la obliga a continuar con su carrera. 

A los tres años de matrimonio, Rita no puede más. Su carácter se vuelve inestable y agresivo y comienza a abusar del alcohol, que era lo que le daba fuerzas para continuar en ese momento. El matrimonio se deshace, James menosprecia a su mujer en público y en privado. Rita sufre como nunca y en septiembre de 1961 pide el divorcio alegando crueldad mental extrema.   

Fue el alcohol y el Alzheimer los que obligaron a Rita Hayworth a retirarse del cine… Su hija Jasmine cuidó de ella y fue de su hija de quien recibió el calor y el cariño que toda su vida estuvo buscando.

Ava Gardner interpretó a «The Barefoot Contessa» en ellos, mientras que Elizabeth Taylor fue «Cleopatra». Grace Kelly se casó con el Príncipe Rainiero en ellos. Las primeras damas, desde Mamie Eisenhower hasta Hillary Clinton, los usaron. Muchas estrellas y miembros del coro en Broadway se pavonearon en ellos. Y las mujeres de todo el país se enamoraron de ellos. Desde los mules con incrustaciones de lentejuelas y perlas de Taylor hasta los elegantes y clásicos zapatos de salón para mujer, estos son los zapatos de David Evins.

En el siglo XXI, los nombres de los diseñadores de zapatos, desde Jimmy Choo hasta Manolo Blahnik, surgen fácilmente en las conversaciones. Pero los diseñadores de zapatos no siempre disfrutaron de tanta notoriedad, ni los zapatos siempre tuvieron tanta prevalencia en el armario de una mujer. 

David Evins

Evins (1907-1991) fue el primer diseñador de calzado estadounidense en recibir reconocimiento. Y logró hacerse un hueco en el segmento superior de este mercado. Los clientes que tradicionalmente viajaban a Europa en busca de calzado de moda encontraron los exclusivos zapatos hechos a medida de Evins en Nueva York. Evins, conocido por su comportamiento y discreción tranquilos y elegantes, se encontró profesional y socialmente bienvenido por la élite de la clase alta.

El cliente de Evins abarcaba más que miembros de la alta sociedad, estrellas de cine y primeras damas. Su público objetivo más amplio eran las mujeres que compraban en los grandes almacenes de alta gama. Cuando Evins comenzó en la industria del calzado, los grandes almacenes tenían la mayor influencia de estilo sobre las mujeres estadounidenses. Tiendas como I. Miller, Bergdorf Goodman, I. Magnin y Saks Fifth Avenue dictaron el éxito de los diseñadores y dominaron al público estadounidense. La línea comercial de Evins se vendía en estas tiendas a las mujeres adineradas de finales de los años 40 y 50.

Evins diseñó zapatos para la mujer moderna antes de que emergiera como la mujer moderna. Si bien eran zapatos caros, las mujeres de clase media y trabajadoras ahorraron para comprar en su línea comercial. El primer par de Evins se vendió en 1946 por $100, lo que, aproximadamente eran la friolera de $861,051 en el año 2008. Mientras que la mujer blanca estadounidense de clase media pasó de ser un ama de casa cerrada a una mujer trabajadora independiente, los zapatos Evins mantuvieron su popularidad. Para ellos, sus zapatos eran de alta calidad, cómodos, elegantes y el artículo «imprescindible» para su armario. La mujer trabajadora ganó posición social y se convirtió en el principal cliente de Evins.

Quién fue David Evins.

La historia de Evins es la historia del sueño americano. La suya es la historia de un niño judío pobre que llegó a los Estados Unidos con muy poco y ascendió hasta convertirse en uno de los principales diseñadores de calzado de moda del siglo XX. Influyendo en lo que vestían millones de mujeres. En 1907, David Evins nació como David Levin en Yanislik, Lituania. La familia Levin se mudó a Londres poco después y su padre comenzó a trabajar como peletero, vendiendo suministros a los mineros de diamantes en Sudáfrica. En ese momento, Sudáfrica era una colonia del Reino Unido y Leopold Levin pasaba nueve meses al año viajando de Inglaterra a Sudáfrica para mantener a su familia.

A la edad de trece años, el padre de Evins perdió su trabajo y su familia emigró a los Estados Unidos. La familia de cinco integrantes, Leopold, Sarah, David, Leo y Francis, llegó a Ellis Island el 12 de julio de 1920 después de partir de Southampton, Inglaterra. Se establecieron en Brooklyn. Leopold encontró trabajo como vendedor, Sarah siguió trabajando como ama de casa y los niños asistieron a la escuela pública. La familia se convirtió oficialmente en ciudadana estadounidense en 1923.

Pero, cómo surgió el cambio de nombre de Levin a Evins?. Levin era un nombre judío de Europa del Este. Sintiendo que Levin era demasiado étnico, dejó caer la «L» y agregó una «S», convirtiendo «Levin» en «Evins». Quería ser más accesible para el público y sintió que convertir su nombre en inglés lo pondría más en línea con la corriente principal de Estados Unidos. El deseo de Evins de anglicanizar su nombre provino del prejuicio de la época. 

Cómo se convirtió Evins en diseñador de calzado.

Después de terminar la escuela pública, Evins comenzó a estudiar en la Universidad de Nueva York, donde se graduó en una Licenciatura en Ciencias de la Facultad de Artes y Ciencias Puras en 1934. Después de la Universidad de Nueva York, continuó su educación e interés en el arte en la Art Students League, una escuela de arte en Nueva York. Mientras estuvo allí, recibió una beca para asistir al Pratt Institute.

Fundado en 1887 por Charles Pratt, el Instituto Pratt sirvió para capacitar a las personas en “oficios mediante el uso hábil de sus manos”. Fue aquí donde Evins comenzó a enfocar sus habilidades como ilustrador de moda “porque siempre tuve aptitudes para dibujar, diseñar, no sabía lo que iba a diseñar. . . e ilustrando.” Después de Pratt, Evins decidió seguir una carrera como ilustrador comercial.

Empezó como freelance para varios diseñadores y publicaciones; ilustrando toda una gama de artículos, desde accesorios hasta ropa. Hizo bocetos para revistas, desde Harper ‘s Bazaar hasta Vogue. También trabajó para fabricantes; ilustrando anuncios y copiando los últimos estilos.

Es curioso como Evins se convirtió en diseñador de zapatos. Fue trabajando para una de las revistas de moda, que a Evins se le ocurrió, por primera, vez esta idea. Después de esbozar una serie de anuncios de zapatos para la publicación, comenzó a modificarlos, agregando correas y lazos donde quería. Sus “mejoras” llamaron la atención de la empresa que colocó el anuncio y Evins fue despedido con la sugerencia de que si quería diseñar zapatos, debería conseguir un trabajo diseñando zapatos. 11 Los cambios en los diseños le costaron su trabajo, pero lo empujaron en la dirección de diseñar calzado.

Poco después del incidente, una revista de calzado lo llamó y lo contrató para un trabajo de tres años. “Caminaba por las tiendas, miraba los escaparates, dibujaba los zapatos y luego… tenía una fecha límite que cumplir.” Pronto se cansó del proceso repetitivo sin una salida artística real. Cuando terminó el trabajo, Evins se sintió listo para dar el siguiente paso en su carrera.

McGee Patterns, Inc.

Fue entonces cuando Evins llegó a McGee Patterns, Inc., una casa de patrones de zapatos propiedad de Max McGee y operada por él. La empresa se especializaba en hacer patrones y hormas para zapatos. Las hormas son una forma de pie hecha de madera o, después de la década de 1950, de plástico, alrededor de la cual se forman los zapatos. Los patrones estaban hechos de cartón con latón alrededor de los bordes.

En McGee’s, Evins comenzó a encontrar su lugar en la industria de la moda. Más tarde dijo: “Ahí es donde realmente aprendí los fundamentos de la fabricación de zapatos, debido a los bocetos de los zapatos y la elaboración de los patrones…” Evins se aventuró en las fábricas y aprendió a hacer zapatos. También hizo contactos en revistas de moda y grandes almacenes.

Cuando Evins comenzó su carrera en la industria del calzado, no había títulos oficiales ni programas de educación superior en diseño de calzado. La mayoría de los diseñadores de calzado llegaron a su oficio a través de aprendizajes o, como hizo Evins, a través de la capacitación en el trabajo. La idea de un diseñador de calzado era un concepto nuevo y la mayoría en la industria aún se conoce como zapateros.

Evins llegó a la industria del calzado estadounidense en un momento interesante. Ya que la industria del calzado fue una de las primeras grandes industrias del país. El gobierno ayudó a la primera industria del calzado estadounidense al establecer una serie de aranceles en el siglo XIX para ayudar a las ventas del país. A pesar de los aranceles, las importaciones continuaron llegando a los Estados Unidos.

La moda francesa estaba tan de moda que, a mediados del siglo XIX, los fabricantes y minoristas estadounidenses crearon etiquetas para inferir que sus zapatos procedían de Francia. Además de que la moda francesa era el estándar superior, muchos de los zapatos fabricados en Estados Unidos a principios del siglo XIX eran de mala calidad. Los fabricantes usaban materiales baratos y no estaban familiarizados con el producto. Debido a la depresión económica de finales de la década de 1830, la industria del calzado se vio obligada a utilizar productos de mayor calidad para competir con los fabricantes extranjeros.

El cambio en la industria.

La industria del calzado estadounidense recibió un impulso con la revolución industrial. Las máquinas que manejan cada paso del proceso de fabricación de calzado estuvieron disponibles. Alrededor de 1855, el entorno de trabajo estilo cabaña pequeña comenzó a desaparecer y se establecieron fábricas en ciudades más grandes. Todas las máquinas ayudaron “a la capacidad del mercado estadounidense para producir en masa y exportar económicamente una variedad de calzado cosido de calidad”. Los avances de la maquinaria llevaron a que se produjeran más zapatos en los Estados Unidos y, como resultado, se importaron menos zapatos y comenzó la exportación de zapatos. 

A principios del siglo XX, Estados Unidos ocupaba el liderazgo en la industria del calzado confeccionado de clase media y baja. Los fabricantes extranjeros interesados ​​en competir en la industria, como Alemania e Inglaterra, “tenían que comprar o alquilar las máquinas y la tecnología a los titulares de las patentes”, que en su mayoría eran estadounidenses.

El cambio en el calzado.

Los estilos de zapatos de mujer se mantuvieron estáticos hasta el siglo XX. La bota y la zapatilla habían reinado durante mucho tiempo como el único calzado aceptable para las mujeres. El calzado a lo largo de la década de 1910 se mantuvo en color neutro y en su mayoría oculto debajo del dobladillo aún largo de los vestidos. Sin embargo, con el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914, aumentaron las líneas del dobladillo. Las botas se convirtieron en el calzado de elección, ocultando efectivamente los tobillos de la vista. Después del final de la guerra, la línea del dobladillo continuó su ascenso. Pero las botas ya no eran lo suficientemente largas para ocultar la pierna. Las botas perdieron popularidad y el zapato se convirtió en el artículo de moda en el calzado.

La industria del calzado estadounidense hasta la década de 1920 se centró en los zapatos funcionales confeccionados y solo unos pocos fabricantes producían zapatos de vestir para ocasiones especiales. Ahora que el zapato se ve físicamente, se convirtió más en un artículo de moda. Los fabricantes comenzaron a producir zapatos novedosos que venían en una variedad de colores y estilos.

La moda de los zapatos.

Eran frecuentes los cambios de moda. Los zapatos novedosos cambiaron rápidamente de estilo, lo que alentó a las mujeres a comprar más zapatos, con más frecuencia.

Los rápidos cambios en los estilos crearon “temporadas” en las que se introdujeron diferentes zapatos. Si bien anteriormente existían temporadas para la ropa de moda, era nuevo para la industria del calzado. Las primeras estaciones fueron verano e invierno. Sin embargo, la rotación aumentó y en diez años las temporadas se ampliaron para incluir la primavera y el otoño. Solo tres años después, en 1923, las revistas comerciales de la industria informaron un aumento del número de temporadas a seis.

La Segunda Guerra Mundial también había cambiado el panorama de la industria de la moda estadounidense. Con el desplome de la bolsa de valores en 1929, la riqueza de la nación se secó. El dinero escaseaba y la mayoría de la gente ya no podía pagar las necesidades básicas, y mucho menos los viajes a Europa para comprar la última moda parisina. Además, el gobierno de los Estados Unidos, en un intento de impulsar las ventas, impuso restricciones a la importación de moda que llegaba de París.

La desaparición del mercado francés obligó a los diseñadores estadounidenses a comenzar a emerger de su oscuridad. Cuando terminó la guerra, la industria de la moda estadounidense estaba oficialmente en pie. Los nombres de los diseñadores estadounidenses ahora aparecían en revistas de moda y eran reconocidos en los hogares estadounidenses. En la atmósfera de la posguerra, Francia recuperó su liderazgo en la vanguardia de la moda, pero la moda estadounidense ahora tenía un punto de apoyo firme.

Vintage by López-Linares

Qué os han parecido los diseños y la vida de David Evins? A nosotras nos ha fascinado conocer mejor su historia Ya que nos parece un visionario. Las sandalias y zapatos de Evins son piezas únicas que jamás pasan de moda. Nosotras luciríamos encantadas cualquiera de sus diseños.

Bibliografía

Evins, Mathew. Interview with L. Nottingham. New York, 2008.

Associated Press, “Even Shoes Make New of Mrs. Ike,” The Washington Post and
Times Herald, April 30, 1954

Hull, Anne V. “Shoe Styles of the Rich and Famous,” St. Petersburg Times, January
13, 1988

Imagen 1: 1956. Zapatos de David Evins para Grace Kelly

Imagen 2: B Altman & Co. Advertisement, 1974. Image taken from: New York Times, March 10, 1974, pg. 17.

Imagen 3: Shoe sketch, c. 1960 – David Evins (New York) Ink on paper. Image: Fashion Institute of Technology, New York, Special Collections Photo by L. Nottingham.

Imagen 4: Evins Shoe Sketch on a Magazine. Shoe sketch, c.1980s. Pen on paper. Image: Fashion Institute of Technology, New York, Special Collections Photo by L. Nottingham.

Imagen 5: Sandal, 1963. David Evins (1907 – 1991) New York. Gilded wood, metal, and rhinestones. Worn by Claudette Colbert

Imagen 6: Sandal, 1962 David Evins (1907 -1991) New York Leather, wood, beads, rhinestones, and sequins Worn by Lena Horne Image taken from: O’Keeffe, Linda. Shoes: A Celebration of Pumps, Sandals, Sippers and More. New York: Workman Publications, 1996. 44.