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Palacio del Marqués de Dos Aguas: Tesoro Histórico en el Corazón de Valencia

palacio marques de dos aguas

En el corazón de la hermosa ciudad de Valencia, se encuentra un tesoro histórico que ha sido testigo de siglos de esplendor y transformación: el Palacio del Marqués de Dos Aguas, hoy en día conocido como el Museo Nacional de Cerámica González Martí. En este artículo, te invitamos a explorar la fascinante historia detrás de este palacio, su asombrosa arquitectura, su exquisita decoración y las preciosas piezas que alberga, que nos conectan con el pasado y la cultura de Valencia.

La Historia del Marqués de Dos Aguas

Palacio del Marqués de Dos Aguas lleva el nombre de José Benlliure, quien ostentaba el título nobiliario de Marqués de Dos Aguas. Este ilustre personaje vivió en el siglo XVIII y su legado perdura gracias a su contribución a la sociedad valenciana. El marqués fue un mecenas de las artes y un gran impulsor de la cerámica y la porcelana en Valencia. Su influencia fue crucial en el desarrollo de la industria cerámica en la región y su amor por las artes se refleja en la decoración del palacio que lleva su nombre.

El Palacio del Marqués de dos Aguas, transformado en Museo

La historia del palacio se remonta al siglo XV. Inicialmente construido como una casa-fortaleza, fue remodelado en el siglo XVIII con la opulencia y el estilo propio del rococó. El palacio es una obra maestra arquitectónica que combina elementos góticos, renacentistas y barrocos. Con su icónica fachada esculpida en alabastro que parece contar historias en cada detalle. Cada columna, moldura y escultura en la fachada del palacio es una muestra de la habilidad artística de la época.

palacio marques de dos aguas

La Fachada: Un Testimonio de Épocas Pasadas y Presentes

La fachada del Palacio del Marqués de Dos Aguas es un elemento arquitectónico que ha experimentado transformaciones significativas a lo largo de los siglos. Cuando el palacio fue construido en el siglo XV, su aspecto era más sobrio y funcional, típico de una casa-fortaleza de la época. Sin embargo, en el siglo XVIII, bajo la influencia del rococó, experimentó una renovación impresionante. Fue entonces cuando se esculpió la icónica fachada de alabastro que hoy admiramos. Esta fachada, ricamente ornamentada con detalles barrocos y rococó, parece contar historias en cada columna y figura tallada. Los elementos escultóricos que adornan la fachada representan alegorías mitológicas y elementos simbólicos, creando un espectáculo visual deslumbrante.

Hoy en día, la fachada se mantiene en un estado de conservación excepcional gracias a esfuerzos de restauración y cuidado. Los detalles dorados, las columnas estriadas y los relieves se mantienen en todo su esplendor. Invitando a los visitantes a contemplar la majestuosidad de la arquitectura barroca y rococó. La fachada es, sin lugar a dudas, una de las joyas más destacadas del Palacio del Marqués de Dos Aguas y un recordatorio de la habilidad artística y la visión estética que ha perdurado a lo largo de los siglos.

La Deslumbrante Decoración Interior del Palacio del Marqués de dos Aguas

Al adentrarse en el palacio, los visitantes quedan maravillados por la riqueza de su decoración. Cada sala está adornada con muebles antiguos, tapices, lámparas de cristal, y una impresionante colección de cerámica y porcelana. El comedor, la sala de baile y la sala de porcelana son auténticas joyas que transportan a los visitantes a épocas pasadas de elegancia y opulencia.

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La Colección de Cerámica y Porcelana

El Museo del Marqués de Dos Aguas alberga una extensa colección de cerámica y porcelana de Valencia, que abarca desde la Edad Media hasta el siglo XX. Entre las piezas más destacadas se encuentran los azulejos mudéjares, la cerámica de Manises, y las famosas figuras de porcelana de la Real Fábrica de Alcora. Cada objeto cuenta una historia única y refleja la habilidad artesanal y la creatividad de los artesanos valencianos.

Piezas Destacadas: Historias en Cerámica

  • Azulejos Mudéjares: Los azulejos mudéjares son una de las joyas más antiguas de la colección. Producidos durante la Edad Media en la región de Valencia, estos azulejos muestran intrincados diseños geométricos y florales que eran típicos de la época. Algunos de estos azulejos se utilizaron para decorar palacios y catedrales valencianas en el pasado, y hoy en día se exhiben como un testimonio de la maestría artesanal de la región.
  • Cerámica de Manises: La cerámica de Manises es conocida por su hermosa paleta de colores y su estilo renacentista. Las piezas de esta colección muestran escenas religiosas, retratos y diseños ornamentales. La cerámica de Manises se convirtió en un símbolo de Valencia y se exportó a toda Europa durante el Renacimiento.
  • Figuras de Porcelana de la Real Fábrica de Alcora: Estas figuras de porcelana son ejemplos excepcionales de la habilidad artesanal de la Real Fábrica de Alcora, una de las más prestigiosas de su tiempo. Las figuras representan escenas de la vida cotidiana y personajes históricos. La delicadeza y el detalle en cada figura son impresionantes y demuestran la maestría de los ceramistas de Alcora.

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La Sala de Carrozas: Ecos de la Época Dorada

Dentro de las majestuosas paredes del Museo del Marqués de Dos Aguas, los visitantes tienen la oportunidad de adentrarse en la época dorada de la aristocracia valenciana a través de la Sala de Carrozas. Esta sala es un verdadero tesoro de la historia. Alberga una impresionante colección de carrozas de la alta sociedad valenciana del siglo XVIII. Cada carroza es una obra maestra de la artesanía, ricamente decorada con detalles dorados y tapizados lujosos. Al explorar esta sala, los visitantes pueden sentirse transportados atrás en el tiempo. Imaginando las elegantes procesiones y celebraciones en las que estas carrozas fueron el centro de atención. La Sala de Carrozas es una ventana al esplendor y la opulencia de la Valencia de antaño, y una parte integral de la experiencia cultural que ofrece el museo.

Las Piezas de Cerámica de Picasso: Tesoros Artísticos en el Museo

Una de las joyas más preciadas en el Museo del Marqués de Dos Aguas es la colección de cerámica de Pablo Picasso. Estas piezas representan una colaboración única entre uno de los artistas más influyentes del siglo XX y la tradición cerámica valenciana. En la década de 1950, Picasso comenzó a experimentar con cerámica en el sur de Francia y posteriormente colaboró con la Real Fábrica de Alcora, una de las fábricas de cerámica más renombradas de la región valenciana.

El resultado de esta colaboración es una serie de obras maestras en cerámica que fusionan la visión vanguardista de Picasso con la artesanía y la tradición de Valencia. Las piezas exhibidas en el museo son un testimonio de la creatividad y el genio artístico de Picasso, así como un homenaje a la rica herencia cerámica de la región. Cada obra cuenta su propia historia y ofrece una mirada única al mundo del arte cerámico en el siglo XX.

El Salón Rojo: Elegancia y Pasión por la Arquitectura

Uno de los lugares más cautivadores del Museo del Marqués de Dos Aguas es el Salón Rojo. Un espacio que irradia elegancia y refinamiento en cada rincón. Este salón, con sus paredes decoradas en tonos rojos profundos y dorados, es un testimonio de la pasión por la arquitectura y el diseño de la época del rococó. La sala está adornada con muebles antiguos meticulosamente tallados y tapices exquisitos que representan escenas de la mitología griega. Grandes espejos y lámparas de cristal completan la majestuosidad del lugar. El Salón Rojo es un lugar donde los visitantes pueden sentirse transportados a la opulencia y el lujo de los siglos pasados. Y es un ejemplo magnífico de la rica historia y la sofisticación que ofrece el Museo del Marqués de Dos Aguas.

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El Salón de Baile: Donde la Elegancia Encuentra el Ritmo

En Museo del Marqués de Dos Aguas, el Salón de Baile es un testimonio de la elegancia y el esplendor de las celebraciones de la alta sociedad valenciana. Este espacio, con su amplio y luminoso diseño, estaba destinado a ser el escenario de bailes y fiestas memorables. Las paredes están decoradas con paneles de madera ricamente tallada y espejos ornamentales que amplían el espacio y reflejan la luz de las lámparas de cristal. El suelo de mármol pulido invita a los visitantes a imaginar las exquisitas coreografías y los vestidos deslumbrantes que alguna vez llenaron la sala. El Salón de Baile es un lugar donde la elegancia y la música se unían en armonía. Y hoy en día, transporta a los visitantes a la época de las danzas y los eventos de la alta sociedad del siglo XVIII en Valencia.

Conclusión: Un Viaje en el Tiempo por el Palacio del Marqués de Dos Aguas

El Palacio del Marqués de Dos Aguas es mucho más que un museo; es un portal que nos transporta a través del tiempo, permitiéndonos explorar la historia y la cultura de Valencia en un entorno excepcionalmente hermoso. Sus intrincados detalles arquitectónicos, decoración opulenta y colección de cerámica hacen que este lugar sea una joya única que merece ser explorada y admirada.

Si alguna vez te encuentras en Valencia, no dudes en visitar este tesoro histórico y cultural. Te garantizamos que quedarás cautivado por la belleza y la riqueza de la historia que alberga el Palacio del Marqués de Dos Aguas. Ven y descubre un pedazo de la historia de Valencia en este magnífico palacio. La entrada son 3 euros y te aseguramos que necesitas al menos dos o tres horas si quieres ver todos los detalles de este lugar tan espectacular. Tienes toda la información aquí.

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Benvenuto Cellini: El orfebre más famoso que jamás haya existido

Benvenuto Cellini

Queremos dedicar nuestro post de hoy a un gran orfebre, escultor, dibujante y artista italiano que también escribió poesía y una famosa autobiografía. Se trata de Benvenuto Cellini. Conocido por ser uno de los artistas más importantes del manierismo.

Benvenuto Cellini (3 de noviembre de 1500 – 13 de febrero de 1571) trabajó tanto en Roma como en Fontainebleau, donde trabajó para el rey frances Francis I. Se dice que primero, y más característicamente, es un orfebre; de hecho, es el orfebre más famoso que jamás haya existido. Como escultor ocupa un lugar muy inferior.

Benvenuto Cellini
Benvenuto Cellini

Hoy queremos hablaros un poco de su vida, aunque pasaremos un poco de puntillas por ella ya que fue quizás demasiado caótica. Benvenuto, entre otras cosas, fue obligado a alejarse de Roma, tuvo problemas con la justicia por asesinar al asesino de su hermano y fue encarcelado bajo un cargo (aparentemente falso) de haber malversado las gemas de la tiara del Papa durante la guerra… 

Según iba leyendo sobre la vida de Benvenuto fui descubriendo que fue un personaje con bastantes problemas con la justicia. Y que cometió bastantes ilegalidades. Pero nosotras queremos centrarnos en su etapa como orfebre. Aunque reconocemos que nos han dejado bastante sorprendidas todas sus “hazañas”. Contaros que si tenéis mucha curiosidad por conocer más detalles sobre ella podéis encontrarlas fácilmente en internet.

Es cierto que Cellini fue perdonado por todas sus ilegalidades con especial facilidad. Está claro que esto se debió al gran valor que tenía como primer orfebre de la época. Pero no podemos olvidar que vivió en la época del Renacimiento, cuando todas las leyes eran poco observadas y la vida era mucho menos valiosa. 

Su infancia.

Los padres de Benvenuto, Giovanni Cellini y Maria Lisabetta Granacci, eran músico y constructora de instrumentos musicales respectivamente. Por ello, no es de extrañar que desde bien pequeño sus padres le empujaran hacia este maravilloso arte. No fue hasta que cumplió los 15 años que su padre aceptó, aunque de mala gana, que su hijo se convirtiera en aprendiz de orfebre. A su corta edad, Benvenuto comienza como aprendiz de Antonio di Sandro, apodado y conocido como Marcone.

Los trabajos de Benvenuto Cellini en Roma.

Sus primeras obras en Roma fueron un cofre de plata, candelabros de plata y un jarrón para el obispo de Salamanca, que le valió la aprobación del Papa Clemente VII. 

Otra obra célebre de su etapa en Roma es el medallón de oro de «Leda y el cisne». Esta pieza la realizó para el Gonfaloniere Gabbriello Cesarino. Y, de hecho, ahora se encuentra en el Museo Nazionale del Bargello en Florencia, por si queréis ir a visitarla. 

Medallón de oro "Leda y el Cisne" de Benvenuto Cellini
Medallón de oro «Leda y el Cisne» de Benvenuto Cellini

Cellini en Francia.

Mientras vivía en Francia, Benvenuto trabajó en la corte de Francisco I en Fontainebleau y París.

Uno de los principales proyectos de su período francés es probablemente el Golden Gate para el Château de Fontainebleau. Sólo existe el tímpano de bronce de esta obra inacabada, que representa a la Ninfa de Fontainebleau. Esta puede encontrarse en el museo Louvre de París. Pero el aspecto completo se puede conocer a través de archivos, dibujos preparatorios y moldes reducidos.

Sus años en Florencia.

En Florencia retomó sus habilidades como orfebre y fue recibido calurosamente por el duque Cosme I de Medici. Este lo elevó al puesto de escultor de la corte y le regaló una elegante casa en Via del Rosario. Fue en esta casa donde Cellini construyó su fundición. También fue nombrado miembro numerario de la prestigiosa Accademia delle Arti del Disegno de Florencia. Fundada por el duque Cosimo I de Medici, el 13 de enero de 1563, bajo la influencia del arquitecto Giorgio Vasari.

Además, Cosimo le encargó la realización de dos importantes esculturas de bronce: un busto de sí mismo y otro de Perseo con la cabeza de Medusa (que debía colocarse en la logia Lanzi en el centro de la ciudad). 

Busto de Cosimo I de Medici
Busto de Cosimo I de Medici

Sus obras de joyería.

Como habíamos mencionado al principio del post, Benvenuto Cellini es considerado uno de los más famosos -sino el más- orfebres de todos los tiempos. Y es curioso saber que, ninguna de sus piezas de joyería han sobrevivido al paso del tiempo. Lo único que se conserva es un botón de oro (una especie de broche para poner en la capa) que hizo para el Papa Clemente en 1530-31. Este broche se registró en acuarelas antes de que se sacrificaran a finales del siglo XVIII.

Botón de oro del Papa Clemente VII

Retrato de la medalla de Cellini de Clemente VII y morse

En su biografía, se describe perfectamente el final de sus obras de joyería. Parece que sus innumerables e invaluables piezas de orfebrería fueron sacrificadas por el Papa Pio VI para poder pagar los 30 millones de francos que Napoleon I exigia al final de la campaña contra los Estados Pontificios en 1797. 

Cellini murió en Florencia el 13 de febrero de 1571 y fue enterrado en la iglesia de la Santissima Annunziata. 

Me pareció muy curioso descubrir que realizó un trabajo en Madrid. Benvenuto esculpió su Cristo para el Escorial en un solo bloque de mármol (1556-1557). 

La historia del Cristo del Escorial.

Este Cristo tiene una historia curiosa, os la voy a resumir, pero tenéis la historia completa aquí. Resulta que Benvenuto estaba tallando esta pieza en Florencia. La estaba esculpiendo para ponerla en su propia tumba. En una visita que hicieron Cosme I de Medici y su esposa Eleonora de Toledo, este quedó prendado de la escultura y quiso adquirirla. Benvenuto aceptó bajo una serie de requisitos, aunque estos finalmente no se cumplieron. Y la estatua quedó en El Escorial. 

Bibliografía

https://www.patrimonionacional.es

https://www.cellinigold.it/

https://en.wikipedia.org/

 

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Gargantillas de encaje, una idea vintage

gargantillas de encaje

Este mes os traigo una idea Vintage muy de moda en esta temporada, que nos demuestra que todo vuelve y que los grandes modistos encuentran su máxima inspiración en el pasado.

Gargantilla de encaje y María Antonieta

El vulgarmente conocido como “collar de perro” o “choker”,  una gargantilla pegada al cuello que los grandes modistos han presentado en muchos de los desfiles de esta última temporada, tiene su inspiración en la moda francesa del S.XVIII.

gargantillas de encaje

Hay muchas anécdotas y leyendas que rodean la aparición de este favorecedor complemento. He leído que las mujeres francesas se colocaban una pequeña cinta roja, algunas veces haciendo forma de cruz en el cuello, en recuerdo de sus familiares y amigos muertos en la guillotina. También fue costumbre que las prostitutas llevaran una pequeña cinta de terciopelo negra al cuello, para distinguirlas de las mujeres de buena vida.

Lo que es seguro es que la gran María Antonieta, todo un icono de la moda de ese siglo, ya las lucía en algunos de sus más famosos retratos.

gargantilla vintage

Collares de encaje en la época victoriana

Terminado el S.XVIII, las mujeres  de la época Victoriana comienzan a usarlas como símbolo de riqueza, adornando estas cintas con llamativos broches de perlas y piedras preciosas.

Yo hoy os traigo parte de la colección de collares de encaje que tenemos este invierno en la tienda. Muchos de ellos llevan pequeños camafeos, muy de moda en la estética victoriana, desde que la  siempre elegante Reina Victoria recuperara esta tradición y comenzara a lucirlos en muchas de sus joyas.

Aunque las novias no suelen lucir collares y yo, la verdad, no soy muy partidaria de ellos para el vestido de boda, sí son un complemento perfecto para las invitadas.

A mí me gusta mezclarlos mucho con prendas menos vestidas para darle un toque un poco más informal.

¿Soléis usar collares en las bodas?

¿Qué os parecería llevar uno de estos de encaje?

Os dejo el link a la web con parte de nuestra colección de collares de encaje 

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María Antonietta de Napoles y Sicilia

maria antonietta

Era la hija menor del rey Fernando IV de Nápoles y  de Carolina de Austria, hermana de María Antonieta de Francia.  Nacida en Nápoles en el año 1784, fue la primera esposa del rey Fernando VII de España.

Este retrato de Nicolás Françoise Dun nos muestra a una mujer joven, delicada, pero segura de sí misma. Lleva un bonito y sencillo vestido de seda azul pálido con escote en V.  El vestido tiene un clásico corte imperio de la época. Las mangas de tres cuartos son, asimismo, de seda natural, pero con un tono mucho más pálido, lo que le confiere al conjunto un aire ligeramente desenfadado y juvenil.

maria antonietta

La reina apenas lleva joyas, un sencillo adorno en forma de pequeña tiara formada por perlas, muy de moda en esa época, adorna su rubio y rizado pelo.

María Antonietta se casó en Barcelona en el año 1802 con el Príncipe de Asturias, Fernando. Fue una mujer fuerte que supo estar al lado de su marido en los momentos difíciles que atravesó España durante la invasión Napoleónica. Parece que llegó a influir en su esposo, animándole para hacer frente a Manuel Godoy y a la reina María Luisa de Parma (madre de Fernando VII), con la cual tenía muy mala relación.

María Antonietta trabajó incansablemente para conseguir apoyos en la corte a favor de su esposo.  Murió a la edad de 22 años de tuberculosis en el Palacio de Aranjuez, sin llegar a dar a luz ningún hijo y tras sufrir dos abortos prematuros.

Fotografias @María López-Linares

 

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Charlotte Louise de Rohan

Este bello retrato del pintor francés  Jean-Marc nos presenta a una  joven aristócrata francesa del siglo XVIII llamada Carlotte Louise de  Rohan.  El cuadro refleja  toda la personalidad  de la joven: juventud, belleza, sencillez, hermosura, serenidad, coquetería, simpatía. Toda ella es un regalo para la vista.

No vemos en  este retrato a una mujer  adornada de joyas , con un vestido fastuoso ; un simple vestido blanco de gasa cubre el joven cuerpo de Charlotte,   acompañado de una capa de tafetán azul, que le da un aire muy sofisticado. Un efecto  muy interesante y atrayente  se lo da el  casi escondido collar de perlas que le cae sobre el hombro descubierto. El toque romántico de la juventud de Charlotte, se lo da  las  bonitas y sencillas flores que le adornan el peinado.

Charlotte Louise nació en Paris en el año 1704. Era hija  de Hércules  Meriadec de Rohan y príncipe de Guéméné y Louise Gebrielle Julie de Rohan. En 1722 se casó con el príncipe italiano Vittorio Filipo Ferrero-Fieschi, príncipe de Masserano y marqués de Crévecoeur.  Charlotte y Vittorio fueron embajadores de España en Londres desde el año de 1763 a 1777.  Murió a la edad de76 años en  Chevilly al norte de Francia.

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«Festina lente»

Sextilis es el mes que el emperador romano Octavio Cesar Augusto eligió para que llevara su nombre. El mes originalmente tenía 30 días, pero fue aumentado a 31 para “no ser menos” que Julio.

En su reinado se vivió uno de los periodos más refinados y brillantes de la cultura romana, en el que sobresalieron los grandes poetas Horacio y Virgilio.

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Consagrado igualmente a la diosa Diana, hay varios acontecimientos que han influido en los objetos que he seleccionado en esta ocasión. El día 12 estaba consagrado a Hércules y en ese día se sacrificaba un toro en su honor, pudiendo ser el origen de todas las tradiciones de tauromaquia que aparecieron posteriormente.

El día 13, que estaba considerado el más caluroso del año, se celebraba un ritual en honor a la diosa Diana portándose al bosque guirnaldas de flores y una gran antorcha. Siguiendo con este ritual el día 15 se purificaba con agua y se realizaba un gran banquete con vino, tortas húmedas y fruta.

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El día 19 se hacía un ritual en honor a Júpiter y se celebraba una gran fiesta para proteger las viñas.

Todas estas celebraciones, y la propia vida del emperador, me han servido de inspiración a la hora de componer el bodegón correspondiente al mes de Agosto.

Quiero dar las gracias a Zings por prestarme la escultura de bronce del toro, para la realización de mi fotografía de este mes.

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Imagenes @María López-Linares 

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Aphrodite emersum e spuma

Siempre me gusta cerrar el mes con algo especial, y este año el broche de oro mensual lo va a poner mi proyecto “Bodegones Barrocos o Still Even”

Un proyecto que me está llevando a estudiar a los grandes maestros de la pintura del Barroco y muchas historias sobre mitología antigua. En todo esto estoy encontrando toda la inspiración.

El mes de abril abre la floración de gran parte de las joyas de la naturaleza. Para mí este es el mes del agua, de la espuma y del color azul. El mes de la diosa Afrodita.

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Este mes la base de mi trabajo han sido la espuma y las margaritas. La espuma porque es lo que mejor representa a la diosa Afrodita. Las margaritas por ser la flor del mes. La pieza central de este mes es una preciosa concha natural que ha viajado desde muy lejos, para ocupar el lugar protagonista de mi fotografía.

Cada fotografía es única y, como veis, lleva un proceso meticuloso de estudio y elaboración. No me gusta dejar nada al azar.

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Me encantará contaros de dónde salen cada uno de los elementos que completan mis bodegones, si es que alguna vez tenéis curiosidad.

Después de varias semanas buscando información, y los elementos precisos para transmitir mi mensaje, nacía finalmente “Aphrodite emersum e spuma”

Espero que os guste…

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El Joven Van Dyck en Madrid

Tener a Rubens como maestro ya tiene que ser impresionante. Pero a Van Dyck no le debió impresionar el prestigio de su maestro, él ya era un maestro cuando se puso a pintar a sus órdenes.

La exposición del Museo del Prado, “El joven Van Dyck”, nos da la oportunidad de conocer los primero años de la obra de este genial artista, y os aseguro que os vais a quedar impresionados de lo que ya era capaz de trasmitir siendo apenas un adolescente.

La muestra es un paseo por la obra del maestro flamenco desde 1613 hasta finales de 1621. Estamos hablando de la temprana edad de los 16 a los 22 años. Después de esta época abandonaría su Amberes natal para partir hacia Londres, a la corte del rey James I, cuando el maestro contaba apenas 21 años. Son 90 pinturas y dibujos que nos atrapan casi sin darnos cuenta.

Me ha sorprendido leer que, después de permanecer unos meses en la corte de James I, partió en un viaje que duró cerca de 12 años por Italia y parte de Europa, conservándose de esos años un pequeño cuaderno de dibujo que le acompañó en toda esa aventura. El cuaderno se encuentra en la Nacional Gallery de Londres, y puedo aseguraros que en mi primer viaje a Londres lo primero que voy a hacer es ir a ver ese cuadernillo… Tiene que ser impresionante.

Van Dyck llegó a pintar en su etapa adolescente más de 160 cuadros. Para que os hagáis una idea, nuestro genial maestro Velázquez, coetáneo de Van Dyck, pintó menos cuadros a lo largo de toda su carrera.

De todos los cuadros que vi hay dos que llamaron especialmente mi atención. Fueron el retrato de Susana Fourment con su hija y un autorretrato que se hizo en 1615 con apenas 15 años.

El primero es un retrato muy familiar en el que aparece Susana con su hija. La niña sujeta a su madre con sus delicadas manitas. Me entusiasmó el reflejo del ropaje de seda de las dos y las joyas que portan ambas en el cuadro: la niña una sencilla pulserita de perlas, y su madre con una trenza en el pelo pero estupendamente bien decorada con una preciosa tiara de oro, bordado y piedras. Su maestro Rubens se casaría con la hermana de Susana años más tarde, y el propio hijo de Van Dyck contraería matrimonio con la niña de este retrato.

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El segundo cuadro es un pequeño autorretrato de apenas 43 centímetros. Para mí, una de las joyas de esta exposición. Es la primera obra con la que nos topamos al entrar en la exposición, pero merece la pena dar marcha atrás y volver a verla antes de abandonar la sala definitivamente. Impresionante luz, impresionante mirada y unas ligeras y sueltas pinceladas en los detalles del rostro, que a mí me dejaron absolutamente prendada.

Nosotros, como siempre, tuvimos la suerte de contar con las explicaciones y la compañía de María de Cuenca. Ella consigue que veas las obras de una manera muy especial.

Os dejo el link a la página oficial de la exposición, por si queréis conocer algún otro detalle y os aconsejo que no os perdáis esta muestra.

MUSEO DEL PRADO

 

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Lorenzo Caprile: vestido de novia en el palacio de Liria

Lorenzo caprile vestido novia

Me encanta ver las revistas del corazón cuando publican alguna boda famosa. Observo las fotos despacio: los trajes, los tocados, los bolsos y zapatos… Me entusiasma fijarme en todos los detalles que rodean la ceremonia. Creo que el entorno en el que se celebra el enlace, junto con el traje de la novia, son dos de las cosas que más llaman mi atención.

Por eso, cuando vi en mayo pasado la portada del Hola con la boda de Asela Pérez Becerril y Jacobo Fitz-James Stuart, me quedé prendada.

El Palacio de Liria y ese traje… Fue verlo y pensar en Lorenzo Caprile, sus corpiños son inconfundibles.

Abrí el Hola, por supuesto, saltándome todas las hojas hasta llegar a la 67, donde se encontraba el reportaje completo.

La primera imagen que vi del traje me terminó de convencer… En ese preciso instante supe que iba a escribir sobre él.

lorenzo caprile novias famosas

No me equivoqué, el mago que había conseguido semejante maravilla no era otro que Lorenzo Caprile. Lo demás fue pura casualidad.

Unos meses después Chiquín Figueroa, la mano derecha de Lorenzo, pasó por nuestro espacio. Chiquín es alegre y cercana. A los pocos minutos ya me encontraba charlando con ella, con mi Hola en la mano (lo tenía guardado a buen recaudo) y explicándola mis deseos de escribir sobre ese vestido.

Mi sorpresa fue mayúscula cuando a los pocos días me llamó para decirme que nos invitaba a pasar por el taller, conocer a Lorenzo y fotografiar el vestido.

Nuestra cita (calle de Claudio Coello, 20): un precioso edificio del S.XIX en el corazón del Barrio de Salamanca. El atelier de Lorenzo estaba a rebosar, era finales de Julio, todo eran carreras de una lado para otro. Todo ese trajín no impidió que Lorenzo y Lola tuvieran preparado para nosotras un “Toile” con el traje de Asela.

Lola se entretuvo en colocarnos el corpiño, la cola, las mangas, así como el recogido delantero del traje, para que pudiéramos apreciar la pieza en todo su esplendor.

lorenzo caprile novias

Lorenzo no pudo ser más amable. Comenzamos hablando de la novia. Asela tiene una galería de arte: Espacio Valverde . Me explica Lorenzo que es una mujer de una sensibilidad exquisita. La novia tenía claro qué estilo de vestido buscaba. Lo más importante para ella: que fuera acorde con el entorno… ni más ni menos que los jardines del Palacio de Liria.

¡Qué maravilla de lugar para celebrar una boda!

La inspiración le llegó a Lorenzo a través del pintor clásico favorito de Asela: Zurbarán. Los volúmenes de sus trajes, la caída de sus telas y la grandiosidad de su obra fueron su inspiración.

lorenzo caprile

Se necesitaron 17 metros de tela. Un raso y un tafetán ambos de seda natural  fueron las elegidas, y la firma Valenciana “Catalá” la seleccionada  para tejerlos. Su experiencia de más de 200 años y sus magníficos telares, únicos en España, fueron considerados por Lorenzo los indicados para tan delicado encargo. No en vano, de sus telares habían salido las sedas de los vestidos de la Infanta Cristina, la Princesa de Asturias, así como la tela que decoró el dormitorio de los Kennedy en la Casa Blanca.

¿Quién mejor que ellos iban a ser capaces de fabricar una tela que pareciera salida de un cuadro de Zurbarán?

Me llamó muchísimo la atención que Asela llevara mantilla y velo. Me explica Lorenzo que la idea fue suya. Asela quería llevar una mantilla de encaje de Bruselas, una joya antigua de 2 m. de largo que pertenece a la familia de su madre desde hace más de 100 años. Y como quería entrar velada en la ceremonia, Lorenzo decidió colocarla un velo de tul ilusión cubriendo el rostro y la mantilla.

El velo iba sujeto en la cabeza con una simple presilla. Lorenzo cortó el velo de una forma un tanto especial, para que quedara ligero y no restara protagonismo a la autentica joya que lucía debajo: la mantilla del S. XIX. Me destaca Lola que la mantilla es una joya, una pieza soberbia de las más bellas que han visto y, además, en perfecto estado de conservación.

Lorenzo nos explica los pormenores de la confección del traje:

boda palacio de liria

El bordado del corpiño fue realizado por Joan Cat, increíble artesano que trabaja para Lorenzo desde hace años, quien bordó enteramente a mano el dibujo que habían elegido entre Asela y Lorenzo. Una joya floral inspirada en las pecheras de los trajes del S.XVII.

Un pequeño movimiento de Asela dejaba al descubierto las enaguas del traje, otra pequeña joya rematada con puntillas y encajes de “valencien”. Todas ellas cosidas a mano.

Disfrutamos con Mar, su jefa de taller, rodeada de patrones y reglas. Ella nos explicó, con todo lujo de detalles, cómo se confecciona la pieza estrella de Lorenzo… “Los corpiños”.

lorenzo caprile novias famosas

Los corpiños de Lorenzo llevan entre 14 y 16 varillas, y dice Lorenzo de ellos que eran la cirugía estética de la antigüedad. Con ellos las mujeres disimulaban sus defectos y resaltaban sus virtudes.

Admiramos un almacén lleno de encajes, tules, puntillas y bordados, que harían las delicias de cualquier amante de la alta costura.

Vimos a Ana y Marian “Entolando” un corpiño… ¡Qué palabra más bonita… entolar!, no la conocía, es un trabajo delicado y muy laborioso. Se recorta el encaje y se vuelve a coser sobre la seda. Todo ello a mano, por supuesto.

boda palacio de liria

En total dos meses de duro trabajo: Isabel, Paco, Fran, Nines, Marta, Mar, Lola… fueron algunas de las expertas manos por las que pasó la pieza. Cada una de ellas dejó horas de trabajo, pero sobre todo de cariño… Se respira alegría, ilusión, profesionalidad y compañerismo en su taller, y todo ello se refleja en cada una de sus piezas. Me sorprende el amor y pasión con el que nos explican cada detalle. Un gran equipo de profesionales, de eso no cabe la menor duda.

vestido caprile

No quiero dejar de comentar dos detalles que me gustaron muchísimo también: la tiara que llevaba Asela, una joya de carey del S.XIX perteneciente a su familia; y el ramo de novia, un pequeño y delicado bouquet de rosas blancas.

Para Lorenzo lo más importante es que la novia confíe en él desde el principio, y me destaca cómo la química con Asela fue perfecta desde el primer momento. Está claro que formaron un tándem perfecto, y entre los dos lograron realizar el sueño de cualquier novia: lucir espléndida el día más importante de su vida.

Para mí este es el más soberbio traje de novia creado en 2011.

Muchísimas gracias a Lorenzo Caprile, Chiquín Figueroa y todo su equipo, por el cariño con el que nos trataron. Y nuestro agradecimiento también a Asela Pérez Becerril por permitirme escribir este reportaje.

Si queréis conocer mejor a Lorenzo Caprile podéis vistar su web:

Lorenzo Caprile

 vestido caprile

lorenzo caprile

 

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La joven de la perla ( J.Vermeer 1632-1675 )

Cuando he visto tantas veces un cuadro en distintas publicaciones o catálogos de pintura, y finalmente voy a encontrarme frente a frente con él por primera vez, me inunda una sensación de inquietud, de nerviosismo. Su  imagen me es tan familiar que  creo que no va a ser ya capaz de aportarme sensaciones distintas a las ya experimentadas. ¿Será más pequeño o más grande de lo que pensaba? ¿Los colores serán tan luminosos como imaginé o más apagados?

El color, la luz, el tamaño del lienzo, incluso su marco, son detalles que hasta que no ves una pintura con tus propios ojos, nunca consigues apreciar en todo su esplendor. Yo creo que al verla al natural, por muy vista que la tengas a través de publicaciones,  siempre te sorprende más de lo que habías pensado. Al menos a mí me pasa siempre.

Johannes_Vermeer_(1632-1675)_-_The_Girl_With_The_Pearl_Earring_(1665)

Encontrarme frente a “La joven de la perla”, me produjo una sensación aún mucho mayor de lo que esperaba en esta obra en particular. Es un óleo más bien pequeño, sus medidas son 45×39 cms. Este magnífico retrato de Vermeer tiene una belleza tan sorprendente, que te atrapa de inmediato. Muchos consideran esta obra la Gioconda del norte, comparándola con la emblemática obra de Leonardo Da Vinci.

¿Será el color; la mirada de la joven; la luz, que tan magistralmente pintó siempre Vermeer, o el reflejo de la perla lo que me cautivó desde el principio? Toda ella es de una belleza sorprendente.

Por un lado, la joven me trasmite una sensación de inocencia, de sensibilidad. Su mirada me resulta tan dulce y juvenil… Pero por el otro, sus húmedos y carnosos labios me trasmiten una sensualidad algo excitante. En conjunto, creo que dirige al espectador una mirada cargada de descaro e insinuación.

Tengo que reconocer que a mí los ojos se me fueron directamente a su pendiente. Una simple perla de un tamaño más bien grande. Decía Plinio, que las mujeres tenían la costumbre de colgarse perlas en las orejas, por el placer que causaba cuando las perlas rozaban su piel al moverse.

Me enamoró esa perla. La sencillez de su montaje y su tamaño. Para mí, el punto focal de este cuadro es la perla. Es por ello que no descansé hasta encontrar una joya lo más parecida posible a esos pendientes.  Y fue en un orfebre en Florencia, especializado en reproducciones de piezas barrocas, donde encontré estos que hoy os traigo hasta nuestro espacio Vintage.

Si tenéis la oportunidad de ver esta magnífica obra, no dejéis de hacerlo. Me encantará saber vuestra opinión sobre ella. Actualmente se encuentra en La Royal Picture Gallery en La Haya.

Espero que os guste tanto como a mí.

Actualizo este post para meter el vídeo que grabe sobre esta joya: