La velación nupcial es un rito muy antiguo que se ha mantenido durante siglos. Se conservan datos de velaciones nupciales desde tiempos de los visigodos y de los mozárabes del siglo XI. Es un rito que está recogido y detallado en el “Manual de Toledo” del siglo XV.
Los nuevos esposos, antes de recibir la bendición nupcial, se arrodillan y se les coloca el velo sobre la cabeza de ella y sobre los hombros de él, simbolizando la indisolubilidad del matrimonio que acaban de contraer.
El sacerdote, con las manos extendidas sobre ellos, pronuncia una oración de bendición nupcial. Después de recibir la bendición se quita el velo y se continúa con la celebración.
Es una preciosa ocasión para ponerse esa mantilla antigua de familia que a veces son demasiado antiguas para llevarlas como parte del estilismo de la novia, pero si pueden lucirse en ese día tan especial.
Es un rito que aporta mucha solemnidad a la celebración católica del matrimonio y que ya se ve en contadísimas ocasiones.
Winnie the Pooh es uno de los personajes más conocidos en la literatura infantil, pero lo que muy pocos saben son los orígenes de este entrañable personaje.
El oso, que en realidad era una osa, nació en los bosques canadienses de Winnipeg en 1914, durante la Primera Guerra Mundial. Fue allí donde el soldado veterinario Harry Colebourn se hizo con ella, conviviendo el cachorro con las tropas durante 4 meses. Al final el capitán decidió atravesar el Atlántico con ella en brazos y llevársela a su Inglaterra natal, dado el cariño que la había cogido.
Pero el capitán terminaría donándola al Zoológico de Londres al ser llamado a combatir en Francia y no poder seguir haciéndose cargo de ella.
Cuando el conflicto acabó, el capitán se dio cuenta de que era inviable regresar la osa a su hogar, y decidió dejarla en el zoológico para siempre.
«Se escribieron muchos artículos acerca de lo amigable y bien entrenada que estaba. Dejaba que los niños se le acercaran y hacía trucos para ellos. Fue una atracción muy popular durante muchos años».
Originalmente, la osa tenía por nombre Winnipeg, pero luego se simplificó a Winnie.
Pero, ¿cómo llego esta Winnnie a inspirar al escritor Alan Alexander Milne?
Christopher Robin Milne. hijo del autor de la saga de cuentos, con apenas 5 años visitó el zoo de Londres y se quedó prendado de la simpatía y cercanía de Winnie. Al poco tiempo sería su cumpleaños y recibiría como regalo un gran oso de peluche de 60 cm., al que impondría el nombre de Winnie. De esta forma, su padre terminaría inspirándose en su propio hijo y en su oso para crear el personaje de Winnie de Pooh.
Entre los entusiastas de los libros de Milne se encontraban las hijas de Walt Disney, que acabaría comprando sus derechos de imagen.
En 1966 Disney hace la primera película sobre Pooh: “Winnie the Pooh y el árbol de miel”.
El personaje ha alcanzado tal popularidad que uno de sus primeros dibujos, concretamente uno realizado a tinta por E. H. Shepard en 1928 en el que aparece el oso jugando con otros de los personajes de los cuentos infantiles de A. A. Milne, acabaría alcanzando la cifra de £314.500 (casi medio millón de dólares) en una prestigiosa subasta Sotheby’s. Tres veces el precio que se había estimado que alcanzaría.
Otra versión en lápiz de la misma escena fue vendida hace pocos años por £58.750 (alrededor de US $90.000).
Ahora, y hasta el 8 de abril de 2018, tienes la oportunidad de visitar en el Victorian&Albert Museum de Londres una simpática muestra en torno a este querido personaje. Un simpático recorrido por su vida a través de bocetos, cartas, fotografías, dibujos animados, cerámica y moda.
Bibliografía:
En la portada del blog podemos ver a Harry Colebourn y Winnie, 1914
Este mes de diciembre nuestra “no piedra” va a ser el cristal de Swarovski. Aunque no se puede considerar una piedra vamos a tratarla como tal en nuestro diccionario, ya que es un material que revolucionó la historia de la bisutería y uno de los grandes protagonistas de las mejores colecciones de bisutería de todos los tiempos.
La historia de esta marca comienza con el nacimiento de Daniel Swarovski en 1862, en un pueblecito del norte de Bohemia llamado Georgenthal, centro de la producción y de la industria del vidrio.
Su padre era el dueño de una pequeña fábrica-taller de vidrio donde se elaboraba toda clase de adornos y joyas de bisutería. Daniel, al lado de su padre, aprendió todo lo referente a la manipulación del vidrio, que en aquellos años era puramente manual y artesanal. Pasaron los años y, después de comprobar que su gran ilusión de ser un gran violinista era una pura quimera, Daniel Swarovski marcha a Paris para graduarse como ingeniero óptico.
En 1883 asiste a la “Primera Exposición Eléctrica” en Viena. Es allí donde, viendo las innovaciones y las nuevas técnicas de Siemens y Edison, Daniel ve la posibilidad de inventar una máquina que pueda moler, tallar y pulir el cristal de una manera más perfecta y precisa a cómo se estaba haciendo en ese momento en su fábrica.
En ese momento comenzó a realizarse su gran sueño: crear una empresa familiar donde se fabricase el cristal perfecto.
En 1891 logra diseñar su primera máquina eléctrica para la manipulación del cristal, pero lo único que le falta es el dinero para poner en marcha el proyecto. Encuentra dos socios, Frank Weis y Armand Kosmann. Juntos buscan el lugar idóneo para montar la fábrica y lo encuentran en el Tirol. Allí hay agua suficiente para la energía eléctrica que necesitan las máquinas. En 1895 nace la nueva fábrica de vidrio “George Frederic Strass”.
Daniel Swarovski comienza a producir su propio cristal, y al mismo tiempo va perfeccionando sobre la marcha sus máquinas. En la década de 1900 sus hijos se incorporan al negocio.
El resultado de sus esfuerzos por mejorar la calidad del cristal tiene un feliz resultado, de la fábrica sale un cristal casi perfecto, excelente podríamos decir, y los joyeros comienzan a hacer pedidos de estos hermosos cristales para insertarlos en sus joyas.
Con gran visión comercial Daniel Swarovski manda una muestra de sus cristales a Francia y a Moscú. Dos lugares estratégicos para la comercialización de su producto, Francia por ser el centro de la moda y Rusia por ser el centro del lujo y la riqueza en esos momentos.
Son los años 20, la llamada “Belle Époque. Se han puesto de moda los tejidos bordados con perlas y cristales y los adornos de brillantes. Los cristales de Swarovski son perfectos y llegan en el momento apropiado. Con una gran visión comercial, crea una cinta llena de cristales que se puede aplicar a toda clase de tejidos, accesorios e incluso puede adornar zapatos, bolsos y tocados. Cocó Chanel es de las primeras diseñadoras de alta costura en emplear los cristales de Swarovski y lanza toda una colección con ellos. El éxito de la marca está garantizado.
Ante el parón económico de la de la segunda guerra mundial, Swarovski decide dar el salto a los Estados Unidos, logrando allí otro enorme éxito. Sus cristales debutan en el mundo del espectáculo, en Hollywood y en los vestidos de las mujeres de la alta sociedad estadounidense.
Por la década de los cincuenta la casa Swarovski sorprende con una nueva innovación: incorpora en los cristales unas partículas muy delgadas de metal, que produce con la luz unos destellos iridiscentes iguales a los producidos por el diamante. Son los famosos cristales “Aurora Boreal”, inigualables, de un cristal perfecto y calidad superior. Crea tendencia, y la alta joyería demanda estos cristales inigualables. Nadie los ha logrado imitar, ni superar. La fórmula sigue estando guardada bajo llave por la familia.
Daniel muere en 1956, no impidiendo su pérdida en ningún momento el continuo desarrollo de la empresa, que sigue creando, diversificándose y expandiendo su mercado por todo el mundo. Actualmente la empresa está en manos de la quinta generación Swarovski, que produce el 80% de las piedras- cristales que se utilizan en la joyería de alta gama.
También en el mundo de la moda los grandes diseñadores como Dolce & Gabanna, Channel, Vuitton y otros muchos, utilizan en sus creaciones con gran éxito el último producto Swarovski llamado “Malla de cristal”. Es un tejido suave y ligero cubierto de cristales, ideal para los vestidos de alta costura.
En Innsbruck, capital del Tirol, está el museo “Swarovski Crystal Worls” donde, como en un parque temático, puedes introducirte dentro del mundo mágico del cristal de Daniel Swarovski.
Yo os he dejado a lo largo de este post algunas imágenes de piezas que tenemos realizadas con este precioso cristal. Son piezas inspiradas en el Barroco, una época en la que estoy segura que tanto hombres como mujeres se habrían vuelto locos con el brillo de estos cristales.
Este mes de noviembre me gustaría cerrarlo con la exposición de uno de mis diseñadores de moda favoritos, él es el “Gran Maestro” español de la alta costura, ese en el que todos se inspiran y al que todos los diseñadores soñarían parecerse.
La exposición a la que vamos a viajar hoy está teniendo lugar en Londres en el marco de uno de los más prestigiosos museos de la capital inglesa, el Victoria & Albert. El museo abre sus puertas hasta el 18 de febrero para mostrarnos cada día más de 100 piezas del prestigioso modisto español Cristóbal Balenciaga.
Hace un siglo, el modisto español abría una boutique en San Sebastián que se convertiría en una de las casas con más historia de la moda española. El modisto abandonaría su tierra para entrar en París por la puerta grande, destacando sobre grandes del momento como Coco Chanel o Christian Dior.
La muestra se centra en los años cincuenta y sesenta, y en ella podemos ver esas siluetas tan características del modisto, con esas formas perfectas, casi arquitectónicas, esos volúmenes que envolvían a la mujer de forma magistral y la daban un halo de elegancia que muy pocos han logrado.
Sus prendas son verdaderas obras de arte. Balenciaga siempre estuvo asociado a un corte impecable, limpio, sencillo y, casi celestial, de una perfección inigualable.
Audrey Hepburn, Jackie Kennedy, Ava Gardner y un sinfín de lo que hoy llamaríamos “influencers”, fueron incondicionales de la marca.
Yo he querido ilustrar este post de hoy con fotografías de uno de mis fotógrafos favoritos, hubiera sido un sueño ver trabajar a Richard Avedon en un plató de fotografía junto a Cristobal Balenciaga.
Pero siempre nos quedará Londres, y si tenéis la suerte de viajar a la capital inglesa no dejéis de visitar esta muestra. Y si lo hacéis, por favor, no dejes de escribirme para contarme qué os ha parecido.
Ya sabéis, en el Victoria & Albert., hasta el 18 de febrero de 2018: “Balenciaga Shaping Fashion”
Bibliografia:
Hijosdelacaducidad.wordpress.com
Desde hace varias temporadas los pantalones balineses o anudados al tobillo, sobre todo en verano, se llevan muchísimo. Esta prenda de corte oriental que vemos por la calle y que ahora lucimos con tantísima naturalidad, tuvo serios problemas de aceptación cuando fue introducida en el vestuario femenino a mediados del siglo XIX.
Aquí va su historia.
Todo empezó en la primavera de 1851 cuando una mujer estadounidense, llamada Elizabeth Smit Miller, hija del abolicionista y congresista Gerrit Smith, harta de no poder hacer con comodidad sus tareas de jardinería a causa de su abultada falda larga, tomó la resolución de acabar con el problema y, recordando los amplios pantalones de las mujeres turcas que había visto un viaje por Europa, ideó una nueva y cómoda forma de vestir para las mujeres.
El nuevo modelo consistía en unas enaguas largas y anchas que se estrechaban en los tobillos a modo de bombachos y, sobre ellas, iba una falda más corta que las habituales faldas victorianas. El nuevo look entusiasmó a su prima Elizabeth Cady Staton, quien lo adoptó de inmediato. Cady era amiga de la por entonces famosa sufragista Amelia Bloomer, que al verlo quedó fascinada y no tardó en ser portadora de uno de estos revolucionarios trajes.
Amelia Bloomer en esa época dirigía su propio periódico: “The LilY”, una publicación dedicada a la mujer donde se trataban los temas femeninos – educación, moda, sufragio, etc. – desde el punto de vista reformista, reclamando la igualdad de la mujer en la sociedad. Amelia aprovechó la ventaja que supone tener su propio medio de comunicación y publicitó la nueva prenda femenina. Concretamente, en el número de mayo de 1951, recomendaba su uso y escribía: “para todas las mujeres con sentido común”. Fue tal el escándalo y la repercusión que tuvo la prenda que terminaron adoptando el nombre de la citada periodista.
La nueva prenda de vestir y su publicidad en el periódico de Amelia provocaron una oleada de indignación entre la sociedad e insultos en la prensa, pero esto solo hizo que se multiplicaran los artículos relacionados – algunos de la propia Elizabeth Cady Staton, que escribía bajo el seudónimo de “Girasol”- con la propuesta del uso de este nuevo atuendo reformista.
Pronto a estos pantalones se les conocieron con el nombre “The Bloomers”.
Fueron muchas las mujeres que se atrevieron a usarlos a pesar de ser ridiculizadas. Algunas lo usaban convencidas de la gran comodidad que aportaban, otras lo hicieron por reivindicación usando los bloomers como símbolo de la igualdad de derechos de la mujer. Pero, con el paso del tiempo, fueron las propias feministas las primeras en dejar de usarlos, al pensar que la popularidad de los bloomers estaba desviando la atención de sus reivindicaciones y temiendo no ser tomadas en serio.
Al final los bloomers no desaparecieron siendo usados en gimnasios y sanatorios. Elizabeth Miller y Amelia no se rindieron tan fácilmente y mantuvieron su uso hasta finales de las década de 1850, incluso presentándose con ellos en recepciones y eventos sociales.
La desaparición de los bloomers fue solo momentánea, volviendo a aparecer su uso en 1890 para la realización de deportes a los que la mujer se estaba incorporando, como el ciclismo, el tenis o los baños de mar. Eso sí, su renacimiento trajo consigo alguna variación, como el uso de tejido más adecuados y la eliminación de la falda superpuesta.
BIBLIOGRAFIA:
Victoriana.com
WIKIPEDIA
Durante siglos, la joyería ha estado relacionada con las creencias populares, los dioses y, sobre todo, la suerte. Y en esto, la civilización de la Antigua Nubia (ubicada en lo que hoy es Sudán) fueron auténticos maestros.
Su pasión por el oro era admirable. Sus joyas, exóticas obras de arte consideradas como las más espectaculares de toda la historia de la Antigüedad. Pero lo que más llama la atención de las colecciones de joyas recuperadas de esta época es el simbolismo que le otorgaban, llegando a considerarlas sagradas.
La exposición que hoy recomendamos “Gold and the Gods. Jewels of Ancient Nubia”, nos acerca a los siglos que abarcaron desde el año 1700 AC hasta el 300 DC, gracias a las excavaciones llevadas a cabo por el Museum of Fine Arts en Boston y la Universidad de Harvard, en las que se hallaron tanto piezas únicas de la Antigua Nubia como otras importadas e influenciadas por el vecino Egipto. Tras cada una de ellas, elaboradas a mano con oro, se esconde una mágica historia.
El descubrimiento de estos yacimientos en 1907 ha permitido a los historiadores conocer, a través de las joyas halladas, cómo era la vida diaria de los ciudadanos de Nubia, una región que llegó a conquistar Egipto e imponer su cultura y arte popular. Algunos de los descubrimientos incluyeron las preferencias estéticas de sus habitantes, sus creencias religiosas, los inventos tecnológicos que llevaron a cabo o su relación con las tierras vecinas.
La pasión por el oro era común en ambos territorios, aunque Egipto, antes de ser conquistado, tenía siempre en el punto de mira a Nubia por su riqueza en marfil, ébano, piel de animales, huevos de avestruz y, sobre todo, oro. Este preciado material era utilizado para fabricar artículos de lujo muy especiales, ya que era una sustancia sagrada tanto para los habitantes de Egipto como de Nubia. Amen-Re era el poderoso dios del sol encargado de la custodia del oro. Como curiosidad, existen teorías que relacionan el nombre de Nubia con la palabra egipcia para “oro”: nbw (sí, imposible de pronunciar para los parlantes de Occidente).
Tras la conquista de Egipto hacia mediados del siglo VIII antes de Cristo, Nubia comenzó a gobernar sobre todo el Valle del Nilo, manteniendo parte de la cultura egipcia, como el lenguaje escrito o algunos aspectos de su arquitectura, arte, religión e incluso la forma de enterrar a sus fallecidos. Aun así, Nubia mantuvo su exquisitez en la creación de joyería.
Muchas de sus piezas, únicas en la historia, representaban a mujeres desnudas, con pecho, abdomen y muslos voluptuosos, símbolo de fertilidad, del renacer del cuerpo y alma y la resurrección, todas creencias de la civilización de Nubia.
La exposición puede visitarse en el Museum of Fine Arts de Boston hasta el 14 de mayo. Y en su web mfa.org podéis encontrar más información sobre esta impresionante y mágica colección.
Este mes de octubre vamos a viajar hasta la ciudad de Los Angeles para hacer un pequeño recorrido por una exposición que se inauguró el 6 de junio, pero que podríamos visitar hasta finales de este año.
La exposición cuenta con una increíble selección de piezas de moda antiguas donadas por Linda y Steven Plochocki. Un recorrido por la historia de la moda de la mano de una de las parejas que más amor ha demostrado a lo largo de los años por preservar y conservar la moda de siglos pasados.
Linda estudio costura en una pequeña escuela privada siendo joven, y fue allí donde nació su pasión por la moda. Luego, a comienzos de la década de los 80, comenzaría a comprar piezas especiales y a restaurarlas con sus propias manos para conservarlas.
Linda siempre ha tenido un gran interés en la historia de la moda, junto con la historia mundial, los textiles y la vestimenta étnica. Aunque su época favorita es la de principios del siglo XX., las formas cambiantes y el movimiento de las telas en los vestidos siempre han sido sus favoritos.
La pareja haría su primera donación al museo en el año 2008, fue un traje a rayas de Jean Paul Gaultier, después vendrían multitud de complementos. El primero de ellos fue un sombrero de paja fechado en 1895-1905.
La exposición cuenta con dos de las piezas favoritas de Linda en manos del museo: una bata pintada a mano, perteneciente a la Helen Larson Historic Fashion Collection, y un vestido de novia c.1878 de Pingat.
Antes de decidir si donar o no una pieza al Museo FIDM, hay que contar con la aprobación del equipo directivo y, por supuesto, tener muy en cuenta que la pieza sea especial y diferente. También es importante que, a ser posible, la pieza se encuentre en las mejores condiciones, ya que los museos muchas veces tampoco tienen un elevado presupuesto para restauración.
Es importante educar al público sobre la historia de la moda. La historia de la moda está íntegramente ligada a la historia de la humanidad, y esto es algo que el Fidm nos recuerda en cada una de sus exposiciones.
Aunque Linda y Steven Plochocki no son los únicos que han contribuido a hacer grande esta colección, del Museo Fidm sí son, diríamos, los más importantes benefactores, por lo que merecen que el FIDM les haga este gran honor.
Ya sé que la mayoría de vosotros no vais a poder iros hasta Los Angeles, pero el Museo tiene una preciosa web en la que se puede ver parte de su colección.
Internet es lo que tiene, nos permite viajar a los lugares más remotos casi con un solo clic. Por eso os he dejado aquí debajo los enlaces a su web, para que la echéis un vistazo.
Web del Museo Fidm: FIDM MUSEO
Imágenes y Bibliográfica:
Wikipedia
Hoy os traigo el último video que grabé en nuestro emblemático espacio de la calle de Claudio Coello, 60. Fue justo unos días antes de marcharme de vacaciones y de cerrar para siempre.
Pero ya sabéis que ahora tengo una preciosa tienda online, en la que paso la mayor parte de mi tiempo y que, la verdad, me está dando muchísimas satisfacciones.
Mientras editaba el video, me ha entrado cierta nostalgia al recordar la cantidad de gratos momentos que he pasado durante los casi 30 años entre esas paredes, pero ya sabéis que los tiempos cambian y que hay que saber adaptarse y aprovechar las nuevas oportunidades que nos llegan en la vida, o que nosotros mismos debemos provocar.
Bueno, no me enrollo más… Este mes he venido a hablaros de una de mis diseñadoras de bisutería favoritas, se trata de Miriam Haskell.
Me chifla su trabajo, y la verdad es que he disfrutado muchísimo metiéndome en su vida para conocerla mejor y poder contárosla a vosotros. Lo he disfrutado de lo lindo.
Os dejo el video con toda su historia, y al final os enseño algunas de las piezas que tengo suyas en mi pequeña colección de bisutería antigua.
¡Ya me contareis qué os ha parecido su estilo y si os ha gustado su trabajo!
EL GRANATE
La palabra granate viene del latín “granatum”, que significa “con granos”.
El granate es un grupo de minerales que incluye seis variedades importantes de piedras preciosas, tan similares alguna de ellas que es difícil distinguirlas. El granate se da en todos los colores, menos en azul, siendo el color rojo-granate y el verde los más conocidos.
La transparencia, la trasmisión de la luz y su dureza son algunas de las características que le hacen ser una piedra muy apreciada en joyería, desde tiempos inmemorables.
Los yacimientos de este mineral se encuentran repartidos por todo el planeta, siempre junto a las altas cordilleras montañosas.
El granate ha sido una piedra muy utilizada por el hombre desde la Edad de Bronce. Por ejemplo, se han encontrado joyas con granate en Egipto, en Grecia y en el Imperio Persa, los cuales le llamaban “león Granate” y, entre otras aplicaciones, la usaban contra la fiebre.
En la Edad Media era una de las piedras más usadas para adornar joyas. Los cruzados llevaban granate engarzado en sus armaduras y escudos militares como símbolo de protección. Los bizantinos y visigodos han dejado una numerosa muestra de objetos adornadas con esta piedra.
En la época Victoriana y art Decó, el granate sigue siendo una piedra imprescindible en la joyería. La talla que se empleaba hasta entonces, la de cabujón, deja paso a la talla escalonada, en facetas o mixta, que le da un brillo y una luz mucho más espectacular.
Yo este mes se lo voy a dedicar a esta piedra, y hasta aquí os traigo algunos ejemplos de piezas que podéis encontrar en la web realizados con ellas.
Ya me diréis qué os parecen y si soléis usar joyas realizadas con esta piedra. A mí, personalmente, siempre ha sido una piedra que me ha resultado muy favorecedora y fácil de combinar. Eso sí, no me gusta que sea demasiado oscura que ya, casi, parezca negra.
Os dejo el link a una pequeñas selección de joyas con granate de nuestra web:
EL GRANATE EN VINTAGE BY LOPEZ-LINARES
El Museo Hillwood es uno de esos hermosos lugares a los que yo no dejaría de ir nunca si me encontrara en la ciudad de Washington.
El Museo Hillwood fue el hogar de Marjorie Merriweather Post, ya os he hablado de ella en “70 años de moda a través del estilo de Marjorie Merriweather” y “Cartier: La deslumbrante Joyería Histórica de Marjorie Merriweather”.
Marjorie heredó a la temprana edad de 27 años el imperio de los cereales Post de su padre, que en ese momento estaba valorado en más de 20 millones de dólares.
Mujer carismática y visionaria, desarrolló un gusto por el arte francés del siglo XVIII y posteriormente por el imperio ruso. Gran coleccionista de piezas de arte de valor único, su mansión terminó convertida en un grandísimo museo en el que sé con certeza que podría pasarme horas.
Este mes os vuelvo a hablar de ella, después de casi dos años, ya que el pasado 10 de junio se inauguraba otra preciosa exposición sobre sus joyas.
“Espectaculares gemas y joyas”
Una exposición que nos deslumbra con exquisitos ejemplos de joyas históricas y con algunas de las joyas más bellas del siglo XX.
Durante siglos, las piedras preciosas han sido las piezas centrales de la joyería hecha para adornar a la realeza, la aristocracia, la alta sociedad y las estrellas de Hollywood.
Después de la Primera Guerra Mundial, muchas de las más increíbles joyas de la historia pasaron a manos nuevas, y los cambios revolucionarios en la moda llevaron a la innovación en el diseño de las mismas.
Marjorie Post se encontraba entre esta élite de nuevos ricos, y adquirió joyas y las rediseñó con algunos de los más afamados joyeros de la época. Marjorie no sólo estaba interesada en usar las joyas, ella era una gran experta en gemología y también gustaba de conocer la historia de cada una de las piezas que adquiría. El resultado de su colección es una de las mejores de la historia americana del S.XX.
En esta magnífica exposición podréis disfrutar de más de cincuenta piezas que alguna vez pertenecieron a Marjorie Merriweather Post, y podréis conocer la historia detrás de cada una de ellas.
Entre sus piezas más emblemáticas destacan diseños de Cartier, Van Cleef y Arpels, Harry Winston y Verdura, entre muchos otros.
La muestra “Espectaculares gemas y joyas” muestra los mejores ejemplos de la colección de Hillwood. Piezas legadas por Marjorie para el disfrute de generaciones futuras que, junto con préstamos importantes de piezas que ella misma legó a otros museos y colecciones privadas, han regresado a su hogar por un tiempo para completar la muestra.
La exposición ofrecerá la oportunidad de examinar la gran calidad y belleza de las gemas en la colección, su significado histórico y la evolución del diseño en la joyería del siglo XX, desde los años 1900 hasta los años sesenta.
Una de las joyas más significativas y conocidas de la colección de Marjorie, que sigue en la colección privada del museo Hillwood, es un broche colgante de esmeralda y diamante hecho por la rama londinense de Cartier en la década de 1920. Esta pieza icónica, cuenta con más de 250 quilates de esmeraldas indias talladas del período mogol, incluyendo una esmeralda del siglo XVII tallada en forma de una flor con una inscripción persa en un lado.
Otro ejemplo es la gran joya de diamantes y rubíes que supuestamente se hizo a principios del siglo XIX para la duquesa de Oldenburg, hija de la gran duquesa María Nikolaevna.
En contraste, la exposición también cuenta con importantes piezas modernas, como un elegante broche floral de rubí y diamantes de Van Cleef & Arpels, que Marjorie compró en 1969.
Otros ejemplos son: un precioso alfiler de bailarina Van Cleef & Arpels inspirado en una pintura de Marie Camargo; un broche de peridoto, oro y diamante de David Webb y un anillo de amatista en forma de pera Verdura, todos ellos audaces en el diseño.
Estos son algunos ejemplos.
Yo, para los que estéis interesados, os dejo el link a la web con todos los detalles, y os animo a acercaros a ver tanto la casa como las joyas, si tenéis la gran suerte de viajar a Washington antes del 7 de Enero de 2018.
Imágenes: Hillwood Museum
Queríamos contaros que después de más de 30 años de trabajo en pleno barrio de salamanca, hemos decidido apostar por el comercio online y cerramos nuestra emblemática tienda de Claudio Coello, 60.
Aunque nos da mucha pena abandonar este local que ha sido nuestro hogar y el vuestro durante tantísimo tiempo, estamos muy ilusionada con la idea de poder trabajar desde casa y con más libertad horaria.
Yo por mi parte, durante este verano, voy a planificar esta nueva etapa que ahora comienza, y para hacerlo lo mejor posible, voy a trabajar mano a mano con Barrio Digital, una innovadora empresa dedicada al marketing digital que acaba de aterrizar en España.
Ellos me van a ayudar a que todo resulte sencillo, y sobre todo, que vosotros casi ni notéis la falta de la tienda en Madrid.
Quiero desde aquí agradecer de todo corazón a mis padres la oportunidad que me dieron en su día de entrar a formar parte de este precioso negocio que ha sido López-Linares Anticuarios y Vintage By López-Linares. Ellos me han permitido tener un trabajo durante más de 30 años que me ha llenado totalmente tanto a nivel profesional como personal.
Y sobre todo dar las gracias a todos los clientes que a lo largo de estos años han confiado en nosotros y nos han permitido ayudarles a elegir aquella pieza que mejor se adaptaba a sus necesidades y gustos.
¡¡Gracias de corazón a todos por confiar en nosotros!!
Para contároslo todo hemos grabar un video que tenéis colgado en YouTube,
Me ha costado lo suyo convencer a mi madre para que me acompañe en este último video desde la tienda, pero al final lo he conseguido!!!
Aquí tenéis nuestra despedida, cargada de sentimientos, nervios y sin guion. Un poco caótica, pero somos nosotras mismas al natural.
Ya sabéis que sigo conectada por redes y que podréis encontrarme siempre en:
www.lopezlinares.com y info@lopezlinares.com
¡¡ OS MANDO UN BESO ENORME A TODOS !!
