Publicado el Deja un comentario

Huevos de Fabergé: Historia

Huevos de Faberge

Cuando pensamos en joyería de lujo, pocas piezas pueden igualar el esplendor y la fascinación de los Huevos de Fabergé. Estas extraordinarias obras de arte no solo deslumbran por su belleza, sino que también cuentan con una historia rica y fascinante. ¿Te gustaría saber más? Acompáñame en este viaje al pasado para descubrir el mundo de Carl Fabergé y sus legendarios huevos de Pascua con motivo de nuestra última reproducción.

¿Quién fue Carl Fabergé?

Carl Fabergé, cuyo nombre completo era Peter Carl Fabergé, nació el 30 de mayo de 1846 en San Petersburgo, Rusia. Hijo de un talentoso joyero, Gustav Fabergé, Carl continuó con el legado familiar y, con el tiempo, llevó la joyería a niveles nunca antes vistos. Después de estudiar en Europa y perfeccionar su arte en talleres de renombre, Carl regresó a Rusia y tomó las riendas del negocio familiar en 1872. Bajo su liderazgo, la Casa Fabergé no solo floreció, sino que también se convirtió en sinónimo de opulencia y maestría.

Historia de los Huevos de Fabergé

La historia de los Huevos de Fabergé comenzó en 1885. Cuando el zar Alejandro III decidió regalarle a su esposa, la zarina María Feodorovna, un huevo de Pascua muy especial para celebrar su vigésimo aniversario de bodas. Encargó a Carl Fabergé la creación de este regalo único. Así nació el primer Huevo de Fabergé, conocido como el «Huevo de la Gallina». Este huevo aparentemente sencillo escondía una sorpresa: al abrirlo, revelaba una gallina dorada con una miniatura de la corona imperial y un colgante de rubí.

El éxito de este primer huevo fue tal que Alejandro III decidió convertirlo en una tradición anual. Cada año, Fabergé tenía libertad creativa total para diseñar un nuevo huevo, con la única condición de que cada uno contuviera una sorpresa en su interior. Esta tradición continuó con el hijo de Alejandro, el zar Nicolás II. Este encargaba dos huevos cada año: uno para su madre y otro para su esposa, la zarina Alejandra Feodorovna.

huevos faberge historia
Huevos de Fabergé

Obra maestra de la joyería: Huevos de Fabergé

Cada Huevo de Fabergé es una obra maestra única. Creada con materiales preciosos como oro, platino, piedras preciosas y esmaltes finos. A lo largo de los años, Fabergé y su equipo de artesanos crearon 50 huevos imperiales, de los cuales 43 han sido localizados. Estos huevos varían en tamaño, diseño y temática, pero todos comparten una atención meticulosa al detalle y una creatividad sin límites.

Algunas de las sorpresas más memorables incluyen un modelo en miniatura del Palacio de Gatchina, un tren de juguete totalmente funcional y una réplica del crucero imperial Standart. Estos intrincados detalles no solo muestran la habilidad técnica de Fabergé, sino también su capacidad para sorprender y deleitar a la familia imperial rusa.

La Caída del Imperio y el Destino de los Huevos de Fabergé

La Revolución Rusa de 1917 marcó el fin de la dinastía Romanov y el inicio de una nueva era para Rusia. Durante el caos de la revolución, muchos de los huevos imperiales fueron confiscados y dispersados. Algunos fueron vendidos en el extranjero, mientras que otros permanecieron en museos rusos. La Casa Fabergé fue nacionalizada y Carl Fabergé huyó del país, falleciendo en Suiza en 1920.

A pesar de estos tumultuosos tiempos, los Huevos de Fabergé continuaron capturando la imaginación de coleccionistas y amantes del arte. Hoy en día, estos huevos se encuentran en colecciones privadas y museos de todo el mundo, y son considerados tesoros nacionales.

huevos faberge
Huevos de Fabergé

El Legado de Fabergé

Carl Fabergé y sus huevos de Pascua representan un capítulo brillante en la historia de la joyería y el arte. Su legado perdura, no solo a través de las exquisitas piezas que creó, sino también como símbolo de creatividad, lujo y artesanía insuperable. Visitar una exposición de los Huevos de Fabergé es como viajar en el tiempo, un recordatorio de una época dorada en la historia rusa.

Espero que este recorrido por la historia y las maravillas de los Huevos de Fabergé te haya gustado tanto como a mí. A nosotras nos parece una historia fascinante la que hay detrás de estos huevos y es por eso que hemos decidido hacer varias reproducciones. En diferentes tamaños, estilos y colores, esperamos que os gusten mucho. Y más ahora que os hemos contado su historia. ¿La conocías? Puedes ver toda nuestra colección en la web.

Publicado el Deja un comentario

Camafeos: significado y belleza

camafeos

Estas últimas semanas hemos ido enseñándoos los nuevos modelos de camafeos que hemos hecho. Desde dioses griegos hasta mujeres victorianas. Así que, aunque hace ya unos años hicimos un post sobre camafeos, queríamos hacer otro con un enfoque diferente para ampliar un poco la información de esta joya que tanto nos gusta.

Orígenes Antiguos y Evolución de los Camafeos

Los camafeos tienen raíces antiguas que se remontan a la Roma clásica y la Grecia helénica. Inicialmente, eran tallados en conchas marinas y piedras semipreciosas como el ónice, el ágata o el cornalino. Estos tallados representaban perfiles de personajes históricos, deidades mitológicas y a menudo, escenas históricas o mitológicas. A lo largo de los siglos, los camafeos se convirtieron en elementos apreciados de la alta sociedad europea durante el Renacimiento y el Barroco.

Técnica de Fabricación de camafeos

La elaboración de un camafeo requiere una habilidad artística excepcional. Los artesanos seleccionan cuidadosamente piedras con dos capas de colores contrastantes. Luego, esculpen la capa superior con una precisión meticulosa para crear una imagen en relieve sobre un fondo que a menudo contrasta de manera vívida. Esta meticulosa labor artesanal resalta los detalles y realza la profundidad de la obra.

Variedad y Estilos de camafeos

La versatilidad de los camafeos permite una amplia gama de diseños, desde perfiles clásicos hasta motivos florales, escenas de la naturaleza y paisajes urbanos. Además, no solo se limitan a las clásicas piezas de joyería, sino que se han expandido a diversas formas: desde broches, pendientes y colgantes hasta pulseras, anillos y hasta hebillas de cinturón.

camafeos Beppo
Camafeos Beppo

Camafeo: significado

Los camafeos siempre han sido apreciados más allá de su belleza visual. Durante siglos, han representado amuletos protectores, símbolos de amor y también se consideraban como objetos de transmisión familiar. Sus diseños y grabados a menudo narraban historias, simbolizando un legado emocional y sentimental.

Camafeos en la Joyería Moderna

A pesar de ser piezas arraigadas en la historia, los camafeos siguen siendo relevantes en la moda actual. Los diseñadores contemporáneos reinterpretan estos diseños clásicos, incorporando innovaciones modernas en la técnica y el estilo. Se utilizan nuevos materiales y técnicas creativas para ofrecer una perspectiva fresca y atractiva de los camafeos a la audiencia actual.

Conservación y Cuidado de los camafeos

La preservación de la belleza de un camafeo requiere cuidados específicos. Se recomienda evitar el contacto con perfumes, cosméticos o agentes químicos agresivos. Al almacenarlos, es esencial protegerlos de la humedad y de la exposición directa al sol para evitar daños a largo plazo.

Los camafeos son más que solo adornos; son testimonios de la maestría artesanal y representan la rica historia y significado detrás de la joyería antigua. Su encanto atemporal continúa cautivando a amantes de la joyería de todas las generaciones.
Os dejo el link a nuestra web por si queréis ver todos los camafeos que tenemos.

Publicado el Deja un comentario

Ojo de Perdiz: Historia, Artesanía y Elegancia en la Joyería

ojo de perdiz

Quizá ya hayáis podido ver en nuestra web o instagram que hemos sacado una nueva colección de joyas: pendientes y anillos ojo de perdiz. El ojo de perdiz es una técnica milenaria en la creación de joyas, es mucho más que una simple ornamentación. Desde sus orígenes ancestrales hasta las exquisitas piezas que hoy encantan a coleccionistas y amantes de la joyería, este método cautivante ha dejado una huella indeleble en el mundo de la joyería. Te contamos la fascinante historia, técnica y la maravillosa artesanía que rodea a este tipo de joya.

Origen y Evolución del Ojo de Perdiz

El Ojo de Perdiz tiene sus raíces en la época victoriana de Inglaterra, aunque se cree que su historia se remonta aún más en el tiempo. Durante la era victoriana, esta técnica se convirtió en un distintivo de la alta joyería. Su meticulosa elaboración reflejaba la artesanía refinada y el gusto por lo exquisito que caracterizaban a la sociedad de aquel entonces. Aunque se popularizó en esa era, su origen exacto y su evolución a lo largo de los siglos pueden estar conectados con antiguas tradiciones de tallado de gemas en diferentes culturas.

Técnica y Proceso de Tallado Ojo de Perdiz

El tallado en Ojo de Perdiz implica una labor minuciosa y precisa sobre gemas, principalmente diamantes, para crear ese patrón conocido como «ojo de perdiz».

El término «ojo de perdiz» hace referencia al patrón que se forma en la superficie de la joya, parecido a la apariencia de los ojos en las plumas del ave perdiz. Este patrón se logra mediante un tipo de engaste que crea pequeños círculos concéntricos, similares a los ojos de la perdiz, proporcionando una textura característica y atractiva a la superficie de la pieza de joyería.

Esta labor artesanal se lleva a cabo con herramientas especializadas que permiten crear líneas y puntos finos, definiendo este patrón distintivo. La precisión requerida en este proceso es extraordinaria y requiere una habilidad manual excepcional para esculpir las gemas sin comprometer su estructura ni su valor.

Materiales y Destreza Artesanal

La selección de gemas de alta calidad es fundamental para el proceso de tallado. Los diamantes, por su dureza y durabilidad, son los preferidos. Sin embargo, la habilidad del artesano es esencial. Tallar minuciosamente la superficie de la gema sin comprometer su estructura es un desafío que requiere una maestría extraordinaria. La destreza del tallador y su capacidad para dar vida a estas joyas únicas es lo que realmente las hace excepcionales. La técnica del Ojo de Perdiz demanda una habilidad artesanal increíble, lo que se traduce en el reconocimiento de estas piezas como obras maestras.

anillo ojo de perdiz
Anillo Ojo de Perdiz Rosa

Curiosidades y Singularidades

Además de su belleza estética, el Ojo de Perdiz tiene una función práctica. Este tallado puede ocultar pequeñas imperfecciones naturales presentes en la gema, realzando su atractivo visual. Asimismo, este efecto visual único contribuye a mejorar la apariencia general de la joya, añadiendo un toque distintivo y especial.

La Perdurabilidad del Arte

A pesar de su antigüedad, el Ojo de Perdiz sigue siendo un arte venerado en el mundo de la alta joyería. Su meticuloso proceso de tallado y el encanto estético único que aporta a las gemas lo convierten en una técnica apreciada y atemporal en la creación de joyas exclusivas y sofisticadas. A través de los siglos, esta técnica ha mantenido su prestigio y relevancia en la industria joyera, consolidándose como una marca de autenticidad y distinción en la creación de piezas únicas y valiosas.

El Legado del Ojo de Perdiz

El Ojo de Perdiz es más que una técnica de tallado; es un legado en la historia de la joyería. Su presencia en piezas históricas y su continuo uso en la actualidad subrayan su relevancia duradera y su capacidad para embellecer gemas con un toque de refinamiento único. Este legado se proyecta como un símbolo de artesanía impecable y elegancia intemporal en la industria de la joyería, dejando su marca en colecciones y creaciones de valor incalculable.

Esperamos que os guste nuestra primera colección de ojo de perdiz. Nosotras hemos hecho una reproducción intentando acercarnos al patrón clásico de sortijas y pendientes diseñados en ojo de perdiz, siempre utilizando métodos artesanales adaptados a conseguir unos precios que se puedan adaptar a más personas.

Y ahora os preguntamos, ¿queréis que la hagamos en otros colores? Estamos pensando hacer los pendientes y las sortijas en azul y en verde, ¿os gustaría? ¡Te escuchamos! Y si quieres ver cómo quedan puestas, síguenos por Instagram, ya que allí os enseñamos todas nuestras joyas en vídeos.

Publicado el 6 comentarios

Lisner, la joyeria «Richelieu»

richelieu joyeria

Aunque hasta hace poco las piezas de Lisner no eran muy apreciadas por los coleccionistas, últimamente sus precios han ido subiendo y están ganado muchos adeptos entre los coleccionistas modernos.

David Lisner nació en Alemania en 1846. En 1864, Lisner y su familia emigraron a Nueva York. Su padre Selig y sus hermanos George y Abraham eran comerciantes. David Lisner fundó su empresa D. Lisner & Co. en 1904 establecida en Nueva York. A principios del siglo XX, el hijo de David Lisner, Sidney, y un primo Saul (Solomon) Ganz se unieron a la empresa.

En un principio, la compañía hacía sus propios diseños de joyería de buena calidad y no los marcaba. Fue justo antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial, cuando Lisner se convirtió en el agente oficial en los Estados Unidos de Elsa Schiaparelli, importando y vendiendo las piezas de la diseñadora francesa. Además, tenía la licencia para producir su joyería y accesorios en los Estados Unidos, venderla y distribuirla.

En los años 30 la compañía Whiting & Davies, conocida por sus bolsos de malla de metal, fabricó algunas piezas para la marca.

Pero el gran apogeo de Lisner llegaría en los 50s. La joyería que produjo en esos años llegó a ser muy popular por sus combinaciones de colores, sus atractivos diseños y, sobre todo, su bajo precio.

La base de estas piezas era la lucita o plexiglás, un material desarrollado por Dupont en 1937. Un plástico acrílico que se podía colorear y moldear.

El Presidente de la compañía en esa época era Victor Ganz, un genio creativo con instinto para la moda. Fue lo suficientemente sagaz para desarrollar el estilo comercial y limpio que mantiene a las piezas de Lisner con la misma frescura que en el momento que fueron creadas.

Los diseños estaban colocados sobre bases cromadas o bañadas en plata y, a partir de los 60, en «blackjapanned metal» (que es un tipo de lacado en negro sobre metal). Estas piezas sobre base negra fueron populares en su día y muy codiciadas hoy.

richelieu joyeria

 

joyeria richelieu

A finales de los 50 y principios de los 60 Lisner introdujo una nueva gama, marcada como «Richelieu», que era de mejor calidad y más cara. Las piezas son más escasas hoy día y, si están en buenas condiciones, los precios pueden ser relativamente altos.

Los precios de los diseños de Lisner han comenzado a subir últimamente, debido a que las piezas de otros diseñadores de la época se han puesto por las nubes. En la medida que el precio de piezas de diseñadores más premiados sube, las piezas de menor precio, tales como las de Lisner, crecen en demanda. Las piezas marcadas y bien diseñadas están llamadas a incrementar su valor.

La compañía usó la marca «LISNER», en mayúsculas, para sus propias piezas por primera vez en 1935. Desde 1959 se utilizó «LISNER» en mayúsculas con una «L» alargada. Sin embargo los compradores deben tener en cuenta que los moldes y sellos se reutilizaron posteriormente, así que la marca no es un indicador fiable de la fecha de una pieza.

Lisner compró Richelieu Pearl Company a mediados de la década de 1970 y la empresa pasó a llamarse Lisner-Richelieu Corp. Victoria Creations compró Lisner-Richelieu en 1979 pero, después de otra rotación de propiedad, el nombre de Lisner dejó de aparecer en las joyas a mediados de la década de 1970-80.

IMÁGENES:

Jewelry Patent Proyect

Publicado el 3 comentarios

Esmeralda: La piedra del mes de mayo

Parece mentira que ya estemos en mayo, y como todos los meses, hoy vamos a hablar de la piedra natal de este mes. En este caso, es la esmeralda. Una piedra preciosa que nos gusta muchísimo a las dos. El origen de la palabra esmeralda no lo tengo muy claro, he encontrado referencias de dos versiones diferentes.

Origen de la palabra esmeralda

Por un lado, encuentro que la palabra esmeralda viene del francés antiguo “esmeralde”, deformación vulgar del latín “smaragdus”. Este vocablo latino viene, a su vez, del vocablo  griego “smáragdos”, que significa  esmeralda.

La otra teoría es que procede del vocablo persa “zamarat”. Que significa “piedra verde”. Lo cual nos indica que no está nada claro el origen de la palabra.

La esmeralda es un mineral que pertenece a la familia del berilo, el cual se presenta incoloro. Pero cuando contiene cromo y, algunas veces, vanadio adquiere el tono verde especial de la esmeralda.

Es, además, la única piedra preciosa de este color que se encuentra en la naturaleza en forma cristalina. Geológicamente es un auténtico fenómeno de la naturaleza, por lo cual solo se encuentra en muy determinadas zonas del planeta. Las esmeraldas procedentes de Colombia, se encuentran en terreno de rocas sedimentarias. Mientras que las que proceden de Brasil, Zimbabue, Zambia o Egipto son extraídas en terrenos de rocas volcánicas.

Su historia

Ya en el 4000 a.C era uno de los productos estrella en los mercados y zocos de Babilonia. Gracias a los escritos de Estrabón sabemos que, en el alto Egipto, había unos enormes yacimientos de esmeraldas. De aquí es de donde procedían casi la totalidad de las esmeraldas de la antigüedad, llamado Smaraglus Mons, “montañas de esmeraldas”.

Se cree que la explotación de estas minas se remonta al año 1800. a.C. Y que su producción, ya muy debilitada, llegó al reinado de Cleopatra, quien las explotó al máximo debido a la gran debilidad que sentía por estas piedras. Después de su muerte, la explotación de las minas se abandonó.

En cuanto a Europa, encontramos el yacimiento de Habachtal. Este yacimiento proporcionó las valiosas esmeraldas que lucieron los cortesanos y la nobleza de la Edad Media.

Pendientes Daniel Esmeralda

Cuando los españoles llegaron a Perú en el siglo XVI, se encontraron por primera vez con esta piedra. Los Incas la utilizaban tanto para adornarse como para comercializar con ella.

En 1537 llegaron los españoles al territorio de los Muzo-Colombia. Los muzos guardaron el secreto de sus yacimientos de esmeralda, pero por casualidad, en 1555, Antonio Sepúlveda dio con ellos. Los españoles estuvieron sacando piedra de allí hasta principios del S.XIX.

La exportación de esmeraldas

Desde entonces, Colombia abastece el mercado internacional de esmeraldas en un 55% del total de las exportaciones mundiales. Colombia es el mayor productor, seguido de Brasil y, en tercer lugar, Zambia. Las esmeraldas colombianas son muy apreciadas por su color verde radiante, que solo lo da el subsuelo colombiano. Mientras que las del Brasil son famosas por su variedad de tonalidades verde, que va desde el verde clarito a un bonito verde medio oscuro.

Zambia fue una antigua colonia Británica, y cuenta con varios yacimientos de esmeraldas. Entre todos ellos, el yacimiento de Mina Miku es el que produce esmeraldas de una calidad extraordinaria. Sus tonalidades de verde, su bajo número de inclusiones y su transparencia se pueden comparar con las esmeraldas de Colombia. Su producción es mucho menor que la de Colombia, abasteciendo el mercado internacional en un 5%. La demanda de las esmeraldas de Zambia ha experimentado un alza considerable desde que Tiffany lanzara toda una colección de alta joyería con esmeraldas de Zambia.

Algunas clases de esmeraldas especiales:

La esmeralda Trapiche.

Es una esmeralda especial que solo se encuentra en Colombia (Mina Muzo y Mina Peñas Blancas). Esta esmeralda tiene la particularidad de que, en su interior, crece un mineral llamado albita, formando una rueda de seis ejes de color negruzco. Son esmeraldas muy escasas y muy apreciadas por los coleccionistas, llegando a alcanzar altísimos precios.

Esmeralda Ojo de gato.

Es otra variedad de esmeralda que solo se encuentra en las minas de Coscuez, localizadas en Boyacá (Colombia). Tiene irisaciones y refleja la luz formando una línea luminosa perpendicular que recuerda al ojo del gato. 

esmeralda
Pendientes Brahms Esmeralda

Algunas de las esmeraldas más famosas de la historia:

Teodora: Es la esmeralda tallada más grande del mundo, tiene 57.000 quilates. Su procedencia es del Brasil y está valorada en 11 millones de euros.

Fura: Es la segunda esmeralda más grande del mundo, después de la Esmeralda Teodora. Su procedencia es de las minas Muzo (Colombia). Se halló en 1999 junto con la esmeralda Tena, tiene 11.000 quilates.

Tena: Es la esmeralda más valiosa del mundo debido no tanto a su tamaño, si no a su color verde oscuro. Tiene 2.000 quilates y fue hallada en las minas Muzo (Colombia) junto a la esmeralda Teodora.

Gachalá: Extraída en 1967 en la mina de la Vega de San Juan en Gachalá (Colombia). Tiene 858 quilates y es de un verde transparente intenso. Está expuesta en el Instituto Smithsoniano de Washington.

Mogul: Otra de las esmeraldas más grandes del mundo. Fue extraída en Colombia (mina Muzo). Su peso es de 217,80 quilates y fue vendida a la India en el siglo XVI, donde las esmeraldas eran muy demandadas por el Imperio Mogol. Fue el constructor del Taj Mahal, el emperador musulmán Shah Jahan, de la dinastía Mogol, quien mandó cortarla en forma rectangular y hacer en las dos caras unas grabaciones. En un lado están grabados textos de oraciones, y por el otro lado lleva tallados adornos florales. La esmeralda fue subastada y hoy está expuesta en el Museo Islámico de Qatar.

Vintage by López-Linares

En nuestra web podrás encontrar varios modelos de pendientes realizados con esmeraldas. Al ser una piedra tan difícil de encontrar no tenemos una amplia colección, pero los pendientes que tenemos de esmeralda seguro que te van a encantar. Si has nacido en mayo o quieres hacer un regalo a una persona nacida en mayo, sin duda la esmeralda es el detalle perfecto. 

Nuestras joyas realizadas en esmeralda.

Publicado el Deja un comentario

Ann Lowe y Jackie Kennedy: La historia detras de su vestido de novia

ann lowe

En el post de hoy venimos a hablar de una mujer que nos ha llamado mucho la atención. Se trata de Ann Lowe, la mujer que estuvo detrás del diseño y fabricación del vestido de novia de Jackie Kennedy. Además, os contaremos el pequeño problema que hubo con este vestido de novia, que estuvo a punto de no estar listo el dia de la boda. 

Ann Lowe

Ann Cole Lowe nació en la zona rural de Clayton, Alabama, en 1898. Era la bisnieta de una mujer esclava y propietaria de una plantación en Alabama. Ann asistió a la escuela en Alabama hasta que la abandonó a la edad de 14 años. El interés de Lowe por la moda, la costura y el diseño provino de su madre Janey y su abuela Georgia, ambas costureras. Dirigían un negocio de confección que, a menudo, era frecuentado por miembros de la alta sociedad de Montgomery. 

ann lowe
Foto: Vocal Essence

La madre de Lowe murió cuando ella tenía tan solo 16 años. Fue en ese momento cuando Lowe se hizo cargo del negocio familiar. Y no solo eso, sino que tuvo que asumir la  responsabilidad de terminar cuatro vestidos de gala para la primera dama de Alabama, que habían quedado incompletos cuando murió su madre. 

A los 18 años, llegó a una escuela de moda de Nueva York solo para ser segregada de sus compañeros de clase blancos. Se destacó y se graduó pronto, antes de pasar 10 años trabajando en Florida y establecerse más tarde en Nueva York.

Lowe fue la primera afroamericana en convertirse en una destacada diseñadora de moda. Sus diseños únicos fueron los favoritos entre las personas de la alta sociedad desde la década de 1920 hasta la década de 1960. Fue conocida por diseñar el vestido de novia de tafetán de seda color marfil que usó Jacqueline Bouvier cuando se casó con John F. Kennedy en 1953. Es de este vestido del que vamos a hablar hoy en el post.

Jackie Kennedy

Jacqueline Lee «Jackie» Kennedy Onassis (de soltera Jacqueline Bouvier) fue una socialité, escritora, fotógrafa y editora de libros estadounidense que se desempeñó como primera dama de los Estados Unidos de 1961 a 1963. como esposa del presidente John F. Kennedy. Fue una primera dama popular, que se ganó el cariño del público estadounidense con su sentido de la moda, devoción a su familia y dedicación a la Casa Blanca. Durante su vida, fue considerada un icono de la moda internacional.

Jacqueline Bouvier y el representante de los Estados Unidos, John F. Kennedy, pertenecían al mismo círculo social y fueron presentados formalmente por un amigo en común, el periodista Charles L. Bartlett, en una cena en mayo de 1952.

Foto: Getty Images

Kennedy estaba ocupado compitiendo por el escaño en el Senado de los Estados Unidos en Massachusetts; la relación se volvió más seria y él le propuso matrimonio después de las elecciones de noviembre. Jackie tardó un tiempo en aceptar, porque le habían asignado cubrir la coronación de la reina Isabel II en Londres para The Washington Times-Herald. Después de un mes en Europa, volvió a Estados Unidos y aceptó la propuesta de matrimonio de Kennedy. Por lo que renunció a su cargo en el periódico. Su compromiso fue anunciado oficialmente el 25 de junio de 1953.

El vestido de novia de Jackie Kennedy

Janet Lee Bouvier, la madre de Jacqueline, contrató a Lowe para diseñar y confeccionar todos los vestidos de la fiesta nupcial. Lowe fue quien había confeccionado el vestido de Bouvier para su boda con Hugh Auchincloss.

El vestido de novia de Jackie estaba hecho de tafetán de seda color marfil. Diseñado con un escote barco y una enorme falda redonda. La falda presentaba bandas dobladas entretejidas y diminutas flores de cera. El velo de encaje que lució Jacqueline Bouvier había pertenecido a su abuela; una tiara de encaje y azahar anudaba el velo a su cabello. Su ramo de novia estaba hecho de gardenias y orquídeas blancas y rosas.

FOTO: TUMBLR OMGTHATDRESS

Llevaba pocas joyas con el vestido, pero lo que llevaba puesto tenía un significado personal. El collar de perlas de un solo hilo era una reliquia familiar; también usó un prendedor de diamantes de sus padres y un brazalete de diamantes de su novio, John F. Kennedy.

El vestido que lució Jackie el día de su boda no tenía nada que ver con el que ella hubiera deseado llevar. Ella soñaba con un vestido muy minimalista y de líneas rectas. Todo lo contrario a lo que su madre tenía pensado para ella. De hecho, cuando vio el boceto gritó horrorizada “parece la pantalla de una lámpara”. Pero, como era común en aquella época, Jackie acabó aceptando llevar el vestido por imposición familiar.

La inquietante historia detrás el vestido de boda de Jackie Kennedy

Lowe y su equipo estuvieron trabajando durante ocho semanas en el vestido de novia de Kennedy y los quince vestidos que lucirían sus damas de honor. Solo en el vestido de la novia se necesitaban alrededor de 45 metros de tela. ¡Os podéis imaginar el trabajo que llevaba cada vestido! 

Pues la tragedia llegó tan solo diez días antes de la boda. Una noche, en el taller de Lowe, ubicado en Lexington Avenue, se rompió una tubería. Esto provocó una inundación que arruinó por completo el vestido de la novia y nueve de los vestidos de las damas de honor. 

Ann tuvo que contactar con su proveedor de telas, que milagrosamente tenía tela suficiente para reponer y poder volver a hacer los diez vestidos destrozados. En tan solo unos días, los vestidos en los que habían estado trabajando dos meses estaban listos. Consiguieron entregarlos a tiempo, pero no sin una consecuencia económica… En lugar de una ganancia estimada de $700, Lowe perdió $2200 en el proyecto.

Después de la paliza y el estrés que vivió Ann para volver a hacer todos los vestidos, el espectacular vestido, que fue ampliamente fotografiado y apareció en los titulares de los periódicos, influiría en los vestidos de novia y vestidos de gala estadounidenses promedio. Sin embargo, tristemente Ann Lowe nunca fue mencionada como la diseñadora del mismo.

Foto: Getty Images

Las vueltas que da la vida

Esta parte de la historia me ha parecido super curiosa. Aunque no se sabe al cien por cien que sea verídica me ha parecido un giro en la historia precioso.

Resulta que en 1964, cuando Jackie Kennedy ya era una ex primera dama (viuda de John F. Kennedy), cualquier resentimiento relacionado con el vestido estaba más que olvidado. Lowe fue citada en el Saturday Evening Post y, entre otras cosas, contó que Jackie había sido una novia muy «dulce». La revista Ebony sugirió que no fue hasta este momento que Jackie se enteró de toda la terrible experiencia que Lowe había sufrido con sus vestidos y la inundación de su taller. 

Poco después de esta entrevista, Ann Lowe se vio envuelta en serios problemas de deudas. Parece que tenía deudas de miles de dólares con el Servicio de Impuestos Internos. Fue un día que, de repente, Lowe se entera que “un amigo anónimo” ha pagado una gran cantidad de sus impuestos atrasados. Tanto es así que su deuda se redujo a la mitad. Según contó The Washington Post, Lowe siempre sospechó que ese “amigo anónimo” realmente había sido Jackie Kennedy.

 

Bibliografía

https://face2faceafrica.com/

https://www.vogue.co.uk/

https://www.townandcountrymag.com/

Publicado el Deja un comentario

Un Mac de lo más Vintage.

La casa de subastas Christie’s ha puesto en venta una reliquia de la informática. Una de las primeras piezas diseñadas por Steve Wozniak y construido a mano en el garaje de los padres de Steve Jobs. Se trata de un Apple-1 o lo que sería el primer paso para el éxito a largo plazo de Apple en el mundo de los ordenadores personales.

Esta unidad en particular parece haber sido de las primeras 25 unidades producidas, ya que no tiene un logotipo NTI de diamante grabada en la capa de cobre y el código en el procesador 6402 es “1576”, lo que sugiere que fue fabricado en la semana 15 de 1976, es decir, a principios de abril.

Hasta el 9 de julio la casa de subastas admite pujas por la curiosa máquina, y por el momento su coste alcanza la nada desdeñable cifra de 320.000 dólares.

La subasta ha recibido el nombre de «First Bytes: Iconic Technology from the twentieth century», y ésta es una de sus piezas estrella.

Ya en mayo de este año una casa de subastas alemana remataba un ordenador de esta misma época por la cifra de 671.000 dólares.

Este pequeño ordenador tenía originariamente un precio de 666,66 dólares para la placa base sin teclado, transformador o pantalla de vídeo.

Me resulta curioso pensar que alguien haya guardado esta pieza en su garaje durante más de 35 años. Probablemente nunca soñó con revender su viejo ordenador con un beneficio tan grandioso.

Mac es ya un objeto Vintage.

Publicado el 2 comentarios

Piedra Druzy: Origen, Significado y Propiedades.

druzy piedra

Hoy queremos hablaros del druzy. Se trata de un mineral que nos cautivó desde el primer momento que lo vimos. Por eso, es el protagonista de nuestro último anillo. Y queremos contaros todo sobre este mineral, para que apreciéis aún más la belleza de esta pieza.

Se conoce como druzy a la masa agregada de pequeños cristales («drusa de cristal»). Estos grupos de cristales pueden estar formados por muchos minerales diferentes. Como por ejemplo, granate, dolomita, malaquita y calcita también se encuentran en los cristales Druzy. Los colores de los minerales y las formas, tamaños y brillo de los cristales formados dependen de la composición del fluido. El tamaño del cristal variará según la función de la temperatura y la presión del fluido.

¿Cómo se forma el Druzy en la naturaleza?

Como ya hemos mencionado, el druzy son conjuntos de pequeños cristales de minerales que se forman en la superficie de otra piedra. El proceso geológico que forma un druzy, es el siguiente: El agua trae minerales a la superficie de una roca. Cuando este agua se evapora, se produce un enfriamiento y los minerales que permanecen en la propia roca comienzan a formar cristales en la parte superior. Según los minerales que hayan sido traídos por el agua, el druzy se formará de un color diferente. Existen tonalidades casi infinitas incluyendo color del arco iris, el blanco, el rosa, el azul, el morado, el verde o el negro.

Druzy piedra

El cuarzo es uno de los tipos de druzy más comunes. Independientemente del mineral que lo forme, el aspecto general suele parecerse al del azúcar. Los diminutos cristales se consideran hermosos porque, como las piedras preciosas grandes, brillan y atrapan los rayos de luz.

Los lugares donde es más común encontrar este mineral son África, Brasil, Europa, América del Sur y Estados Unidos.

Propiedades de la Piedra Druzy:

Como todos los minerales, el druzy cuenta con sus propias propiedades curativas. Se dice que este mineral irradia buena energía, aumenta la relajación, elimina los niveles de estrés, purifica y limpia el cuerpo. Además, amplifica otros cristales, disminuye la depresión y la ansiedad y fortalece el espíritu.

Para obtener todos los beneficios de este mineral, generalmente es una buena idea llevarlo puesto. Bien sea en un collar, anillo o pulsera. Nosotras te damos la opción de llevarlo en un precioso anillo con una tonalidad azul espectacular.

cuarzo druzy
Anillos Vintage by López-Linares

Usos del cuarzo Druzy:

Como os comentábamos, podemos utilizar este mineral en joyería y disfrutarlo y lucirlo a diario. Así nos aseguramos de que los poderes calmantes y curativos de este cristal permanecen cerca del calor de nuestro cuerpo.

Pero también existen piezas de druzy de un tamaño mucho más grande que nos sirven para decorar y mejorar la energía de nuestro hogar. Los practicantes de Feng Shui utilizan con bastante frecuencia este cuarzo para aportar energía y brillo a los hogares y/u oficinas. Simplemente colocando la piedra cerca de una ventana para agregar luz natural curativa.

druzy

Vintage by López-Linares

Este anillo de la nueva colección es uno de los más especiales que tenemos. Como todas nuestras piezas, está realizado a mano en plata bañada en 3 micras de oro de 24 kilates. Esta pieza es especial ya que es una pieza única. El druzy es un mineral que es prácticamente imposible encontrar dos iguales. Este anillo está realizado a partir de la propia piedra, es decir, se engastó en el propio mineral. Es por esto que es una pieza única. Ya que tienen un color, tamaño y engaste que lo hace único.

piedra druzy
Publicado el 1 comentario

Camafeo: una joya que perdura en el tiempo…

camafeo

Siempre me llamaron la atención esas pálidas caritas mostrando su relieve sobre una concha de color almendrado. Pero no fue hasta que me casé y mi suegra me regaló un increíble juego de pendientes y broche, perteneciente a su familia desde 1860, cuando pude realmente apreciar en mi mano la belleza de estas piezas. Este juego había pasado por más de cinco generaciones de mujeres. Y llegaba ahora a mis manos ante mi sorpresa y emoción. Tenía mi primer camafeo.

¡Me resultaba tan curioso que las caritas de los pendientes se miraran la una a la otra! Me preguntaba cuál sería su origen. O cómo era posible que una técnica tan antigua siguiera llamando la atención de tantas mujeres a lo largo de la historia. A mí personalmente me entusiasman.

¿Os habéis preguntado en alguna ocasión dónde aparecieron los camafeos por primera vez o cómo están realizados? Estas son algunas de las preguntas que yo me hice cuando tuve esas piezas en mis manos.

¿Qué es un camafeo?

Un camafeo según el diccionario es, sencillamente, “el relieve obtenido al tallar una piedra preciosa”. Los hay realizados en ónice, ópalo, ágata, concha, rubí, esmeralda… El trabajo de tallado de estas piezas está realizado por lapidarios especialistas en el arte de aislar las capas del material base, a partir de un diseño dibujado previamente.
Pero para mí es mucho más que eso. Es sorprendente pensar que el procedimiento con que se fabrican era ya utilizado por los antiguos griegos. Que, a su vez, lo habían tomado de los persas durante las incursiones realizadas por sus ejércitos comandados por Alejandro Magno.

La técnica posteriormente llegó hasta los romanos, los cuales la utilizaron para decoración y joyería. Claro que encontrar una pieza de esta época es muy raro, pues sólo aparecen en subastas muy especializadas. Sabemos que por entonces era frecuente que los nobles llevaran anillos con camafeos. Realizados en esmeraldas y rubíes de un tamaño no muy grande. Y también tenemos constancia de que los emperadores romanos los usaban frecuentemente como insignias en su ropaje. ¿Os imagináis a Octavio Augusto, con su toga imperial luciendo un camafeo de ágata…? ¡Increíble!, ¿verdad?

La evolución de los camafeos

A finales del S. II d. C. esta moda desapareció. Pasando muchos años hasta que esta técnica volvió a relucir en el Renacimiento italiano de la mano de los grandes coleccionistas de la época, como Lorenzo De Medici. Su influencia llegó hasta la corte francesa, donde Francisco I lució en numerosas ocasiones piezas de este tipo. Y, por supuesto, a Inglaterra donde Enrique VIII, en su pasión por este tipo de joyas, creó su propio taller para su realización.

Durante este periodo fue frecuente que se buscaran piezas antiguas de época romana para transformarlas y convertirlas en joyas más a la moda del momento. Al estar las piezas romanas montadas sobre bases de oro muy sencillas, se solían desmontar para volver a utilizarlas en broches más grandes. Montándolos sobre bases de oro con piedras preciosas para decorar capas de terciopelo, sombreros o lucir en el escote de alguna gran dama de la corte.

Nuevos materiales para los camafeos

A raíz del descubrimiento de América entraron en Europa gran cantidad de nuevos materiales más exóticos para la realización de dichas piezas. Por ejemplo colmillos, jade, ámbar o caparazones gigantes. Pero el descubrimiento más importante para esta industria fue el de la concha Cassis tuberosa. Estas conchas eran muy adecuadas para este trabajo ya que se componían de capas de distintas tonalidades de color. Lo que permitía dar a los relieves una profundidad y trasparencia desconocidas hasta el momento. La técnica se desarrolló en Italia, concretamente en Sicilia. Pero de ahí pasó rápidamente a la zona de Nápoles, extendiéndose pronto al resto del país. En pocos años muchos artistas italianos comenzaron a trabajar en Francia e Inglaterra, difundiéndose rápidamente esta práctica por toda Europa durante los siglos XVI y XVII.

En la época napoleónica los camafeos se decoraban principalmente con elementos neoclásicos. Siendo muy frecuente que mostraran temas mitológicos o representaran a filósofos, emperadores o a nobles y personajes del clero de la época romana. Los marcos de alrededor, normalmente de oro, eran de una finura de ejecución y detalle excepcionales, conocidos como roman seal setting. Estos camafeos eran frecuentemente montados como pulseras, con 3 ó 4 colgantitos, siendo conocidos como «esclavas».

Popularización del camafeo

La fama de los camafeos se extendió hasta las clases sociales más populares. Gracias a que la “concha” era un material mucho más barato que los utilizados hasta ese momento. Lo que popularizó su uso y producción, limitando el privilegio de llevar los camafeos de piedras preciosas a la alta sociedad.

De esta época es una de las tiaras para mí más bellas de la realeza europea: “La tiara de Josefina Bonaparte”. La cual hace muy poco hemos podido ver lucir a la princesa Victoria de Suecia el día de su boda. Una pieza espectacular, con pendientes a juego, que ella lució con una sencillez y elegancia asombrosas.

Y así llegamos hasta el S. XIX. De esta época es de la que más constancia y herencia nos han quedado ya que proliferaron numerosos talleres. Tanto en Italia como en Francia e Inglaterra, para la realización de camafeos en “concha”. Aunque también se utilizaron materiales como el ónix, lapislázuli, coral, ágata o marfil. Estos en menor medida ya que eran más caros.

Durante el primer periodo victoriano y la época romántica se hicieron muy famosos los camafeos de Minerva, Medusa y Bacchante.

Durante el S. XX proliferaron los camafeos de pasta y cristal. También fue muy corriente en esta época la realización de camafeos en oro bajo de 9 kilates o en plata con marquesitas.

En la actualidad podemos encontrar camafeos realizados en pasta y cristal montados sobre plata con marquesitas. Pero los más antiguos siguen teniendo un encanto muy especial.

El camafeo, una joya que perdura en el tiempo…

 

Publicado el 1 comentario

Marylin vista por Avedon

marilyn monroe avedon

Me gusta este retrato de Marilyn Monroe, tomado por Richard Avedon, porque nos muestra un lado muy diferente de ella.

Por lo general, los fotógrafos toman fotografías de personas que hacen una pose que les indican que hagan, o la típica pose que el propio modelo decide. Sin embargo, en este caso Avedon hace todo lo contrario: nos muestra una Marylin autentica.

Este enorme retratista nos muestra la verdadera personalidad de sus modelos. Es el caso de Marylin, ella siempre suele aparecer alegre y divertida. Avedon a conseguido sacarla de ese estereotipo de mujer simplona para mostrarnos una mujer real. Quizás un poco ausente o inmersa en algún pensamiento profundo

Esta imagen es un misterio, y me hace preguntarme en qué estaba pensando la Monroe.

Un retrato magnifico que no me canso de mirar…

Publicado el Deja un comentario

Un vestido de novia vintage con coraje y sensibilidad

¿Por qué decide una hija vestir el traje de novia de su madre? He estado dándole vueltas a esta pregunta recientemente y finalmente he decidido preparar varias entradas para el blog esta temporada con un tema en común: Trajes de novia antiguos, su historia, sus protagonistas y sus vidas.

Y la primera historia no podía haber sido más apasionante. Han sido varios días de investigación y muchas anécdotas curiosas. Me apasiona meterme en las costumbres, en las curiosidades y anécdotas de la vida de personas del pasado…

En este caso no fue por falta de medios económicos por lo que Mary Muhlenberg Hopkins decidió  lucir el traje que 28 años atrás había llevado su madre Mary Barr Denny Muhlenberg. Mary se casaba con una de los mayores herederos de la época. Me quedó claro desde el principio que sus motivos fueron  íntimos y sentimentales. Las modas ya habían cambiado bastante después de 28 años, pero Mary simplemente retocó un poco el escote para dejarlo algo más recatado que el que habría lucido su madre, y cambió un poco el diseño de las mangas, sin apenas hacer ningún cambio más en la prenda. Debían tener prácticamente la misma talla.

Mary había sido una mujer sorprendentemente bien preparada para la época, sobresaliendo entre todas las estudiantes en el prestigioso Instituto Packer, en Brooklyn, donde se  matriculó en matemáticas avanzadas y astronomía, entre otras asignaturas. Estos conocimientos, y su carácter, la permitieron hacerse cargo de todos los ambiciosos proyectos que tenía su esposo entre manos al poco de enviudar.

Vestido de novia de Mary Muhlenberg tras el retoque Vintage By López Linares

Nuestra protagonista no sólo heredó una inmensa fortuna sino que además se convirtió en una increíble filántropa y benefactora, durante sus veinte restantes años de vida. Hospitales, instituciones médicas, orfanatos, colegios y universidades, un museo de arte, diversos organismos culturales y otras causas que beneficiaron a la humanidad, fueron sólo algunas de las obras que Mary puso en marcha con su tímida y reservada naturaleza.

Entre otros proyectos, levantó el más ambicioso y costoso realizado por una mujer en aquella época; la creación del  Mariemont Village en Hamilton, Ohio. Una ciudad en toda regla, con todos los servicios y avances que os podáis imaginar. Por poner un ejemplo, los cables de teléfono y luz ya iban enterrados bajo el suelo. Todo un avance para la época.

Pero la historia de Mariemont se remonta a principios del siglo XX, cuando su esposo compró una finca cerca de Newport, Rhode Island,  a la que llamó «Mariemont». En ella pasaron días inolvidables y comenzaron a soñar con lo que sería el proyecto más ambicioso de la familia.

Vintage-By-López-Linares-

Durante los años siguientes al fallecimiento de Thomas, Mary gastó más de 7 millones de dólares de la época para adquirir todos los terrenos alrededor de  su finca. Necesitaba  espacio suficiente para crear la ciudad de sus sueños: un lugar ejemplar que pudiera acoger a gente de todos los niveles económicos, comprando o alquilando viviendas unifamiliares.

Mary Barr Denny Muhlenber Vintage By Lopez  Linares

Mary colocó la primera piedra de lo que sería la ciudad de Mariemont Village en Hamilton, Ohio el 23 de abril de 1923, pero murió 4 años más tarde de esta inauguración, por lo que fueron sus herederos los que pudieron disfrutar de su más grandiosa obra: una de las grandes obras urbanísticas de los Estados Unidos de principios del S.XX, que empleó a los más destacados profesionales de la época.

Estoy segura de que su madre se habría sentido muy orgullosa del papel tan importante que jugó en el desarrollo urbanístico de EEUU. Ella, una mujer con la sensibilidad de lucir el mismo vestido que llevara su madre el día de su boda, tuvo el coraje y la fortaleza de poner en marcha unos de los proyectos urbanísticos más ambiciosos de la época.

Os adjunto un mosaico con un montaje de los dos trajes. ¿Cuál os gusta más a vosotros?

Mosaico-del-vestido-de-novia-que-lucieron-Mary-Muhlenberg-y-su-madre-antes-y-después-del-retoque--Vintage-By-López-Linares-

Yo me quedo con el original, el arreglo de las mangas y el escote no me termina de convencer.

Imágenes y Bibliografía

Findagrave.com

Google.es

Mariemontpreservation.org

Wedding Perfection- Two Centuries of wedding Gowns- Cynthia Amnèus.

Cincinnatiartmuseum.org

Publicado el 2 comentarios

Moda y Japonismo

japonismo moda

¿Qué es el japonismo?

El interés europeo por el arte japonés se inició en los años 50 del siglo XIX, cuando gracias al comercio con Oriente, comenzaron a circular por  Londres y París, estampas que reproducían grabados japoneses. Pintores, arquitectos y diseñadores, comenzaron a incluir en sus obras el gusto por lo que llamaron japoniseries.

Por tanto, el japonismo es la influencia del arte, la estética y la cultura japonesa en Occidente, especialmente en Europa, a partir de la segunda mitad del siglo XIX.

 

japonismo

Algunos años más tarde, gracias a la Exposición Universal de Londres de 1862, el público en general pudo contemplar y tocar por vez primera objetos de artesanía procedentes de Japón. No sería difícil imaginar lo que debieron sentir aquellas mujeres de la burguesía londinense, cuando acudieron para admirar de cerca maravillosos objetos como éstos…

japonismo moda
Abanico. Siglo XIX. Metropolitan Museum, Nueva York

 

que es el japonismo

 

japonismo arte

estilo japones moda

Japonismo y moda

Sin embargo, la implantación del japonismo en la moda femenina, se estableció definitivamente cinco años más tarde, durante la Exposición Universal de París celebrada en 1867. A partir de ese momento, Japón comenzó a exportar masivamente japoniseries creadas exclusivamente por, y para el mercado europeo.

Ellas adoraban vestirse con aquellos brillantes kimonos de seda, y seguir la moda de los retratos al estilo japonés, donde los lucían en los interiores domésticos como atuendo de tocador.

 

moda japonismo

Tanto gustaban las coloristas sedas de los kimonos, que incluso algunos se cortaron para aprovechar el tejido y darles la forma de los vestidos occidentales.

moda japonista

Los abanicos también causaban furor, y también se fabricaban de forma exclusiva para Europa, llegando a ser objetos apreciados por los coleccionistas del siglo XIX, al igual que otros complementos, como zapatillas y bolsos.

japonismo moda
Bolso de piel decorado con motivos japoneses, 1920. Kioto Costume Institute

También las principales tiendas de kimonos de Tokyo, mostraron gran interés por el mercado occidental, ampliando su comercio y elaborando prendas de estilo japonés, aunque adaptadas a las formas europeas.

ropa japonismo

La influencia del japonismo en la moda también se notó en la obra de los diseñadores europeos más importantes, quienes a menudo incluían en sus trajes, formas y motivos ornamentales japoneses.

 

japonismo moda

Con el tiempo, el estilo japonés fue relegado al olvido, hasta que en los años 80 del siglo XX, cien años después, creadores como Kenzo, Miyake, Kawakubo o Yamamoto, supieron revalorizarlo y traerlo de vuelta a París, tal y como ocurriera en aquel año de la Exposición Universal de 1867…

Articulo escrito por Karin Wachtendorff, licenciada en Historia del Arte, especialista en Historia del Traje y Catalogación de tejidos históricos.

Ella es nuestra Vintage Blogger de Junio y desde aquí quiero darle las gracias especialmente por la colaboración e invitaros a seguir su fantástico blog » Historia de la Moda y los tejidos».